Exhibition – Page 8 – 顯影-PhotogStory

黎雪沁捕捉黑暗都市的一點光明

April 22, 2020May 9, 2020Posted in ExhibitionTagged 衛星展, 香港國際攝影節, 香港攝影師, 黎雪沁Leave a comment

光，象徵着希望，英女皇日前在復活節演說中說道：「光明終會戰勝黑暗。」光，也是一種無形的力量，令人克服心中恐懼。畢業於巴黎Spéos攝影學院的香港攝影師黎雪沁，以黑暗中的光線為主題，根據抗爭場景的記憶及自身的想像，用照片拼湊出去年反送中期間，對香港的絲絲感受。

這一切，始於6月9日百萬人大遊行。接着的數個月，她與許多香港人一樣，經歷過不可言喻的焦慮、憂傷與恐懼，每天擔驚受怕。「我覺得那時的香港處於一個非常黑暗的時期，但我始終相信光明是存在的，只是暫時在我們的城市缺席。」有日，她望着天空滲出的微光，覺得恍如守護天使般，給予她希望，令她慢慢戰勝內心的恐懼，從而繼續走下去。光明會照亮景觀，也會讓我們看到被黑暗遮蓋的輪廓，「我相信，終有一天，光會將一切從黑暗彰顯出來。」

陽光灑落　希望降臨

她作品中的香港被一片黑暗籠罩，城市輪廓一片灰暗，幾乎看不清畫面的細節，目光很自然地聚焦在那一點光線上，彷彿是這個城市的寫照。在炎熱的盛夏，黎雪沁經常在下午接近黃昏時分，在維港海旁拍攝這些微妙的光線。天氣不似預期，雨天固然無法捕捉陽光，有時太陽光普照，同樣無法拍攝，「我很想捕捉雲縫中瀉下的光線，那種光線很神奇，時常稍縱即逝。」她為鏡頭裝上減光鏡，以慢快門捕捉這種光線，雲層移動令畫面產生一種混亂感覺，正是她彼刻的心情。

照片中的光線在雲朵的襯托下，時而平靜、時而充滿暗湧，在她的照片裏，也看到光的移動與變化，從天空慢慢轉移到海面，到最後降臨城市。「當我見到光線落在中環的大廈時，那一點光恍如投射了希望——光明有日終會來到我們的城市。」

亮燈觀展　守護信念

踏進位於中環PMQ的展覽現場，眼前一片黑暗，在伸手隱約可見五指的空間裏，牆上掛着十張照片，觀眾要開啟手提電話的燈光，才能看見相片的內容。「如果現場夠光的話，是能夠更好地看到照片的內容，然而亮起的手提電話燈，是我對當時香港的感動記憶。」手機燈海的畫面，許多人不會感到陌生，在不同的集會上，大家亮起手提電話燈，以燈光默默守護信念。100萬人遊行那天，她站在太古廣場的行人天橋上，揮動手機的燈光跟遊行的人互相支持；中秋節那天，她站在港島海旁，看着對岸獅子山上發出的光芒，山上山下的同路人用點點燈光互相照耀。

「幕幕情景，令我感受到，縱然香港暫時沒有光，只有黑暗與恐懼，但擁有相同信念的人，那點點燈光就如守護天使，鼓勵大家走下去。」展覽場地背景有一個模擬獅子山的小型裝置，用點點燈光模擬當時的獅子山人鏈畫面，「觀眾的手提電話燈與背景獅子山上的光，就是想營造那種互相守望的感受。」這個展覽，不僅是攝影師的個人記憶，也是許多香港人的集體回憶，那一點光，既是力量，亦是希望。

With light – We Can Conquer Our Fear@香港國際攝影節「衛星展覽」

日期：即日至5月31日

時間：11am-8pm

地址：中環鴨巴甸街35號元創方S512室

原文見於果籽

林健恆當香港患上「都市病」

April 15, 2020July 21, 2021Posted in ExhibitionTagged 社會聯合媒體, 都市病, 香港, 香港國際攝影節, Midway, 口罩, 展覽, 攝影集, 林健恆

說起都市病，很自然令人想起癌症或心臟病等都市人常見的疾病。「其實都市病不只是指都市人的病，還有都市本身的病。」即將出版攝影集《都市．病》（預售）的80後攝影師林健恆（Jimmy）開宗明義道出背後想法。

疾病危害健康，人人知道都市病是隱形殺手，每年奪去無數性命。一個生病的都市、畸形的城市制度，同樣可以無聲無息地殺人於無形，可怕程度不遜於武漢肺炎。生活在光怪陸離的香港，許多事情見怪不怪，當你仔細去觀察這個社會時，會發現這座城市的種種疾病無處不在，貧富懸殊、畸形價值觀以及荒謬的日常。與其說病的是人，不如說患病的是整個香港。

燒味店賣口罩　荒謬感日增

林健恆鏡頭捕捉的，不只是生活在水深火熱的人，更是無處不在的荒謬感。當按摩椅、心電圖機及BB車成為抗爭者的路障，可想而知當權者是如何將人民逼向絕境；在疫情蔓延的當下，港人搶米搶廁紙搶口罩，荒謬的不只是不良商人坐地起價，還有全民賣口罩。「有日，我在屋企附近的燒味店見到賣口罩的廣告牌，燒鵝與口罩並排的畫面很有趣，然後跑六層樓梯返屋企拿相機拍攝。」當我們以為2019年的香港不再令人熟悉，這三個月的抗疫日常，荒謬感可謂日益增加。

更可悲的是，當這種荒謬成為常態時，仍有許多人對其視而不見，而永遠慢半拍的政府，只懂得頭痛醫頭、腳痛醫腳，「斷錯症」的例子更比比皆是。林健恆在臉書上寫道，當政府禁止四人以上聚集、餐枱至少相隔1.5米時，一架載滿人的地鐵列車已足以傳染十八區。「有時我也會反思，究竟有病的是這個城市，還是只有我自己？好多人甚麼都不理會，眼不見為淨，其實也很開心。」視而不見是正常人，而提出問題的人是有病，這才是更荒謬的事。「每個人身處的環境不盡相同，未必會關心這些現象，而香港的教育是訓練你成為一個齒輪，我希望這些照片，能促使觀者去進行思考。」

然而想當年，林健恆也承認自己曾是港豬一名。2008年在觀塘職業訓練中心修讀攝影課程後，投身攝影工作至今，當過攝影助理，也曾為香港電視劇集《童話戀曲》及電影《點對點》拍攝劇照，因2013年香港電視發牌事件才關注社會事件，從港豬進化成社會運動的記錄者，2015年出版記錄雨傘運動的攝影集《傘民》，2016年憑作品《馬屎埔抗爭》獲得「網絡公民大獎──最佳新聞照片獎」，2019年的反修例運動，他為社會聯合媒體（United Social Press）擔任攝影記者，在抗爭前線拍攝，有不少照片在網絡上廣為流傳。

每日一相　廣告現實對比虛偽

其實，這些年來，他一直有個「everyday photo」的拍攝計劃，只是早期照片偏向趣味性的畫面，甚少將社會議題帶入作品。經歷過雨傘運動及旺角騷亂的洗禮後，他越來越覺得《天與地》裏「this city is dying」的金句正慢慢應驗，心態上有所轉變，照片裏也多了隱喻。他善於利用廣告的影像與現實中的人物形成對比，例如露天時尚廣告牌與拾荒者、銀行理財廣告與行乞者、「健康睡眠」廣告字眼與在巴士上睡覺的乘客……有張服裝品牌的廣告相，照片中的人物笑得燦爛，與現實中不苟言笑的途人形成強烈對比，照片也成為攝影集的封面。「香港人是不會笑的，只有在虛假的廣告裏面才是笑的，這彷彿告訴我們，這個社會很多東西是虛偽的。」

原本打算去年初出版的《都市·病》，因反修例運動擱置，林健恆最近才重拾出版的念頭。

都市·病@香港國際攝影節「衛星展覽」

日期：4月16日至5月17日

時間：1pm-7pm（星期三至日）

地點：深水埗基隆街132號地下B舖MIDWAY Shop

原文見於果籽

范家朗十八港孩的臉孔

April 8, 2020June 9, 2021Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 范家朗, 香港, 香港國際攝影節, 香港攝影師, 十八港孩, 新一代影像創作者育成計劃Leave a comment

2019年6月9日，烈日當空，100萬人走上街頭反對修訂逃犯條例草案。維園裏人山人海，23歲的攝影師范家朗沒有拍攝密密麻麻的人群，而是把鏡頭對準等待出發的一張張孩童的面孔。半年後的「國際人權日」遊行，80萬人昂然上街，「禁蒙面法」仍未廢止，口罩下仍是一張張稚氣的臉龐，他們的眼神坦率而堅定，事實上也反映出許多港人的態度。一葉知秋，在「人像日記：十八港孩」展覽現場，兩組照片並排展出，從中也可感受到過去大半年的情緒。

畢業於香港大學測量學系的范家朗，大學二年級才萌生當攝影師的想法，他坦言喜歡人與人之間的連結，因而喜歡人像攝影。在各種因緣際會下，他曾為戴耀廷、作家李怡及港大校長張翔等人拍攝肖像，兩年前畢業後成為自由攝影師，一方面從事商業攝影，同時進行個人創作。去年，「逃犯條例」鬧得沸沸揚揚，也令他思考究竟如何透過人像攝影去表達情緒。

抗暴起點　記錄面孔

許多人均會記錄遊行時的所見所聞，喜歡人像攝影的他，則選擇用面對面的方式近距離捕捉遊行人士的面孔。那時有示威者介意被人影「大頭相」，他也曾擔心過，因此拍攝時也特意詢問，在得到當事人及家長同意才拍攝。事前他已構思好拍攝手法，以同一種方法聚焦人物的表情，「當日在維園拍攝60多人，最後覺得小朋友的照片最有感覺，彷彿透過這些人像記錄下自己的心情。」

這系列港孩照片共九張，有幼兒有中學生，也有獨自參加遊行的南亞裔小女孩，不用水炮車染藍清真寺助攻，坊間不同光譜的參與者早已「we connect」。他們面對鏡頭，沒有刻意微笑，雖然每個人的表情不盡相同，但明顯有種憂愁及無奈的情緒，在在反映當時港人心情。然而這種心緒只是開端，隨着抗爭運動越演越烈，經歷過7.21、8.31、10.1及「禁蒙面法」等，「這大半年來發生很多事情，如果只是單靠6月9日的記錄，總是覺得不夠完整。」

當初拍攝時從沒想過有續集，直至半年後12月8日的「國際人權日」遊行，他再次踏足維園，這次他有明確目標，只拍攝年紀相若的孩童。相比上次拍攝的小朋友，這次不僅裝扮不一樣，戴上口罩，連眼神也截然不同。半年前的孩童眼神帶有迷茫，這次更多是堅定，當口罩遮擋了大部份臉孔，也令人更聚集他們的眼睛。「無論是社會氣氛還是大家的心情，這半年的轉變是顯而易見的，這也反映在他們的眼神裏。」在展覽現場，兩輯照片並排而立，令人明顯感受到兩者的分別，其中兩幅照片足有4.5 × 3米之大，那種視覺上的衝擊感迎面而至，令人不得不面對這些影像，難免令人回首往事。

互不相識　情緒相似

拍攝過一系列前線攝影記者人像，也曾為多位少數族裔掌鏡肖像，「我嘗試在這些或許互不相識的人當中，尋找一種共性。」其實在「十八港孩」作品中亦然，儘管大家不認識，但照片中的情緒卻十分相似，「人像攝影既能捕捉被攝者的某部份性格或心情，同時也能記錄香港社會及港人心態的變化。」

人像日記：十八港孩@香港國際攝影節「新一代影像創作者育成計劃」

日期：4月13日至6月9日

地址：石硤尾賽馬會創意藝術中心7樓綠色空間

原文見於果籽

Valérie Winckler 夢幻影像刺激想像力

March 25, 2020April 25, 2020Posted in Exhibition, InterviewTagged La Galerie, photogram, rapho agency, Valérie Winckler, 法國攝影師1 Comment

「許多人指着我的照片說，『這明明是一幅畫』，當知道是攝影作品時，卻總是會問『你是如何拍攝的？』」法國女攝影師Valérie Winckler笑着說起即將在港展出的作品《Atlantide and Phosphène》，有人認為這些照片是螢光的海底世界、有人覺得是藍綠色的星雲、有人大膽假設這是阿凡達世界，「其實它是甚麼物體並不重要，重點是這些影像能刺激人們的想像力。」

誠然，當代攝影並無傳統攝影的包袱，它未必需要相機拍攝，亦不必直接反映現實。不過，Valérie攝影生涯的起點，卻是傳統的紀實攝影。1970年代，她在法國文化部工作，小兒子正就讀幼稚園，眼見許多人為幼稚園小朋友拍攝的照片一成不變，不是梳着整齊的頭髮，就是正在畫畫的場景，她覺得照片可以更有趣，於是借來一部相機，到小兒子的幼稚園拍攝這些小不點充滿童趣的畫面，「然後我發現，這正是我想做的事情。」修讀藝術史的她，從未想過自己會成為攝影師，然而拿起相機彷彿開啟本能，一切都是偶然。

Valérie善於長期拍攝同一主題，從親情延伸至生命、死亡等題材。1980年，女兒的誕生令她萌生拍攝初生嬰兒的念頭，跟隨醫院的婦產團隊拍攝多位女性產子的過程；1985年，媽媽的離世令她反思生命與死亡，從而用兩年時間拍攝多位年邁老人家生命的最後時光；1992年，女兒入讀中學，啟發她用四年時間記錄一群青少年在學校的青葱歲月。這一系列充滿人文關注的影像，不僅得到著名圖片社Gamma青睞，她也在1984年加入Rapho圖片社，她十分喜歡的Robert Doisneau及Willy Ronis等攝影大師，生前均曾為這間關注人文攝影的圖片社掌鏡。

千禧年是她攝影生涯的轉捩點，那時每年夏天，她總會前往法國西部小島Ile d’Yeu居住度假，喜歡海洋的她，既喜歡游水，也留意着海灘上的一事一物。「有天晚上，我拿着感光紙到海灘，嘗試將海灘上的物件放在感光紙上實物投影（photogram），利用光線直接投射出物件的輪廓，我覺得很有趣。」沙灘上凋落的花朵、折斷的樹枝、死去的鳥兒，還有海藻與貝殼等，都成為她實物投影的對象，效果有如星空般璀璨。這種以獨特手法描繪大自然元素的創作，也促使她之後繼續以「轉換現實」的方法拍攝關於海洋的題材，只是這次她重拾起相機。

《Atlantide and Phosphène》之名頗有詩意，前者是傳說中的迷失帝國亞特蘭蒂斯，象徵着照片的拍攝地——大西洋的法國小島；後者是指閉眼後見到的奇光，其實正是其作品給人的感覺。這系列作品色彩強烈而夢幻，感覺很神秘，然而畫面中的元素卻模稜兩可，不同的人或會看見不同的事物。Valérie不願直接透露照片中的物件為何，只提及將海洋相關的事物擺放在一起拍攝，然後再用電腦改變照片的顏色，令其變得抽象。「如果你知道拍攝的物件是甚麼，就會改變你對照片的觀感，也會限制你的想像力。」與其告訴你是海浪或海藻，她更希望觀者可以自由地在影像中遨遊，留意物件的形狀，跟隨自己天馬行空的想法，接受事物的奧秘，而非刻意去解釋它。

Atlantide and Phosphène

日期：3月27日至4月19日

時間：11am-7pm（星期一至六）、2pm-7pm（星期日）

地址：中環荷李活道74號地舖La Galerie Paris 1839畫廊

原文見於果籽

圖片來源：https://www.lagalerie.hk/ & https://www.valerie-winckler.com/

Stephanie Teng 捕捉荃灣福來邨日常

March 18, 2020Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 福來邨, 鄧詩廷, 荃灣, 陳廷驊, Stephanie teng, the mills, 南豐紗廠Leave a comment

一個地區的街道與建築，往往反映出這個社區的歷史，許多人知道，港島街道的名字與當年的洋行或華商（如太古洋行、利希慎家族）息息相關。其實，曾是香港輕工業中心的荃灣，因有全港最大的紗廠及染廠，也衍生出充滿活力的社區，只是隨着輕工業的消失，這段歷史逐漸被人遺忘。攝影師鄧詩廷（Stephanie）遊走這個發展逾半世紀的社區，捕捉荃灣的生活日常。

荃灣是香港第一代衞星城市，1961年發展成為首個新市鎮，此後屋邨及各種設施陸續落成。另一邊廂，戰後香港的工業及輕工業迅速發展，商人陳廷驊於1950年代在柴灣角設立南豐紗廠，隨之而來的還有附近的福來邨、香車街街市及沙咀道遊樂場等，為工廠工人提供居住及休憩的地方，可謂見證着這區的發展。後來工廠北移，香港的輕工業地位不再，南豐紗廠停止紡紗業務，這段過去也漸漸被人淡忘，直至近年紗廠發展成為文創基地The Mills，才吸引更多年輕一代了解這區的故事。

從空間設計看民間智慧

家住港島的Stephanie，原本對荃灣並不熟悉，因The Mills邀請拍攝荃灣，才慢慢熟悉這一區。「我跟家人說起這個拍攝計劃時，才得悉原來我爺爺在文革時從上海落到香港後，曾在南豐紗廠工作。機緣巧合知道爺爺的歷史，我覺得是種緣份。」她遊走在當年紗廠一帶的社區，觀察人們如何在這個空間生活，有逾半世紀樓齡的福來邨是她經常流連的地方，這裏以前是紗廠員工的住處。「我行過福來邨許多次，不管在疫情前後，每次行的感覺都不盡相同。」

家住港島華富邨附近，她坦言十分喜歡舊時香港屋邨的公共空間，空間的設計令人自然地聚集，營造出社區的感覺，「我覺得這是非常人性化的設計，可惜現在的屋邨大多缺乏這種思考。」隨着參觀次數越來越多，她從最初關注福來邨的空間設計，慢慢留意到家居的細節。「福來邨窗口的波浪形簷篷很有特色，很多街坊都會用米袋拼起來遮擋簷篷。」這種民間的智慧同時也反映出屋邨居民務實的性格。

全新視角尋找消失中的浪漫

Stephanie以細膩的鏡頭捕捉福來邨的日常瞬間，人們在遊樂場休憩玩樂、屋邨內的街坊小店，令她印象深刻的是老人家們坐在大樹下的凳子乘涼、閒聊，這種樹下的空間感覺有如歐洲的噴水池，自然而然凝聚人群。「這些都是很日常的東西，那種圍着坐在樹下的浪漫，在香港已經越來越少。」不只是福來邨，還有近年不斷拆卸的建築物，其實都是香港歷史的一部份，「我希望我的攝影可以令人用新的視角去看事物，加深對這個地方的認識，促使人去了解日常事物背後的故事，不要等到失去才覺得要珍惜。」

展覽現場，她以混合媒體的裝置方法展示照片，啟發自福來邨的波浪形簷篷，一系列懸掛在牆上的作品，利用象徵紗廠的棉布加上樹脂為變成硬身的波浪板。另一方面，她也將照片打印在金象牌膠米袋上，照片與米袋元素融合在一起，詩意得來又有點超現實，以呈現福來邨的特色。

遇上荃灣

日期：即日至5月2日

時間：9am-8pm（一至五）、11am-8pm（六、日）

地址：荃灣南豐紗廠KoKo Coffee Roasters

原文見於果籽

Tugo Cheng 中國一方水土的人文風景

March 4, 2020April 25, 2020Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewLeave a comment

西藏鹽田的航拍照片猶如一幅拼圖、福建漁村的畫面宛似一幅水墨畫，還有廣西梯田及雲南紅土地那充滿幾何線條的俯瞰圖，80後攝影師鄭振揚（Tugo）以講究的構圖及豐富的色彩，記錄中國內地不同地方的人文景觀。一方水土養一方人，這系列《一方水土》照片，以充滿美感的嶄新視角，展示不同地域的傳統文化和風土人情。

建築師鏡頭　展現在地文化

港大建築系畢業的Tugo本身是建築師，曾赴劍橋大學修讀碩士研究保育政策，2007年到北京清華大學當交換生的經歷，讓他迷上內地的自然風景，開始建築以外的攝影人生。自此每年踏足十多次，幾乎走遍大江南北，更憑藉在新疆天山拍攝的風景照片獲得2015年《國家地理》全球攝影大賽自然組第一名。遊歷中國期間，他見證少數民族傳統及地方特色文化，2015年開始將鏡頭從壯觀的大自然風景慢慢轉移至人文景觀，萌生「一方水土」念頭。

「說起中國，大家通常只想起一二線城市；人人知道西藏的布達拉宮，卻不曾聽聞當地的曬鹽文化。」他提及，內地現在時常強調「大一統」，是「車同軌，書同文，行同倫」，連粵語也慢慢被蠶食，更遑論有不同信仰背景的新疆。「我希望透過這些照片，推廣不同地方的文化與智慧。」廣西梯田、浙江茶園、青海油菜花田、雲南紅土地及西藏鹽田等，都是非常有特色的在地文化，孕育一方水土。

「很多人以為沿海才有鹽田，其實甘肅也有沙漠曬鹽，西藏鹽田更有逾千年歷史。」當地山勢陡峭，村民們將鹽水從鹽井倒入鹽田，再曬乾成粗鹽，保留古老的製鹽方法。他補充，當地鹽田有紅白之分，白色是人類食用的，而由紅黏土製成的紅色鹽田，鹽分會有雜質，是給動物食用的。Tugo以航拍照片展現鹽田的壯觀，人們正在顏色深淺不一的紅色鹽田勞作，「顏色也反映曬鹽過程，紅色是未乾的，當慢慢曬乾成白色時，則意味可以收成。」

落田收成　反思平衡之道

因修讀建築設計的關係，拍攝時他十分注重畫面的線條、色彩與光影，以長焦距鏡頭在高位拍攝或用無人機航拍，俯瞰的角度令梯田、茶園及鹽田充滿視覺震撼。除了捕捉這些如幻似真的地景美感之餘，他也近距離感受這些獨特的文化，了解背後的故事，甚至親自落手收成，柴米油鹽醬醋茶，背後都孕育了不同的鄉土奇觀。

拍攝過程中，他也了解到，人類為了食物而重塑自然環境，開墾山峯成為梯田或茶園，當中涉及樹木砍伐，才創作出如此豐富多采的景觀，也令他反思人類如何以持續性的方式與大自然共存。「過度開墾誠然會傷害自然，塑造地區文化時，也要顧及大自然的可續性。」或許正是這種平衡之道，這種獨特的人文風景才得以保留至今。

一方水土

日期：即日至3月22日

時間：11am-10pm

地址：海港城海洋中心二樓207號海港城美術館

圖片由Blue Lotus Gallery提供

原文見於果籽

圖片來源：https://bluelotus-gallery.com/

巨型動物照片無聲控訴人類

February 27, 2020Posted in ExhibitionTagged Blue Lotus Gallery, Earth Song, Inherit the Dust, Michael Jackson, Nick Brandt, 動物Leave a comment

澳洲山火持續多月，導致超過十億動物葬身火海，不禁令人傷心惋惜。天災使人淚流，而人類對動物的殺戮則讓人憤恨。過去數十年間，大自然環境不斷被破壞、野生動物數量一直減少，若然以這種速度繼續下去，大象、犀牛等動物將慢慢消失，我們下一代或許再無法見到多元化的地球，英國攝影師Nick Brandt鏡頭下的動物照片，就是對人類的無聲控訴。

啟發Nick Brandt走上攝影之路的，是已故歌手Michael Jackson，Nick曾為其《Stranger in Moscow》、《Cry》等MV掌鏡，1995年在非洲坦桑尼亞拍攝的《Earth Song》，更改變其想法。MV以充滿震撼力的畫面及反思的歌詞，向世人展示地球的傷痛與自然萬物的消逝，控訴人類犯下的錯誤如何令自己痛失家園及大自然。此行讓他愛上非洲，深受非洲野生動物與大自然生態影響，他漸漸放棄成功的導演事業，開始在非洲這片土地上，近距離捕捉野生動物生態。

一般的動物攝影都是遠距離拍攝壯觀的畫面，不過Nick Brandt總是用拍攝人像的手法為野生動物掌鏡，先是與牠們靜靜相處，等到動物對他的存在完全放下戒心，等待適合的天氣及特定的動物姿勢，才能拍攝出牠們最動人的一刻。更難得的是，他喜歡用中片幅菲林相機拍攝，相對龐大的相機也為拍攝增加難度，他甚少用長焦距鏡頭，只能盡量地靠近拍攝的動物，在相處過程中感受動物的情感。草原上形形色色的動物，大象、長頸鹿、斑馬、獅子……畫面華麗而神秘，深邃的眼神彷彿充滿靈魂，訴說一個個故事。

1:1真實尺寸　大象天橋下漫步

隨着拍攝次數越來越多，他越發感受到動物所面臨的惡劣環境，「十多二十年來，我走過無數地區，眼見那裏的動物慢慢減少，成為人們口中的『野味』，只剩下一大片廣袤土地。」他坦言，如果以這樣的破壞方式繼續下去，不用說下一代，可能數年之後，非洲農村兒童已無法在田野裏看見大象和長頸鹿，就好像已經消失的長毛犀牛一樣。「人類用數十億年才建立如此奇妙、多樣性的環境，然後短短幾年間，這種環境便消失了。」

2007年，他曾在肯雅Amboseli Park國家公園拍攝大象Igor，然而兩年後牠卻被偷獵者屠殺了，此事令他覺得這一切並非必然。過去十多年，有逾十萬頭大象的象牙被盜獵，若以這速度推算，野生大象將在20年內絕種。眼見亞洲對象牙的需求大增而引發更多大象屠殺事件（有報告指香港正是全球野生動物及象牙貿易的主要樞紐），2010年，他成立非牟利組織Big Life Foundation，組織巡邏隊阻止捕殺動物行為，制止在國家公園內的偷獵行為，十年來已拘留超過三千名偷獵者。

過去這些年，眼見非洲大陸一望無際的曠野變成荒涼廢墟及開發工地，城市發展與污染嚴重破壞當地面貌，非法捕獵、砍伐森林等更令動物痛失生命或家園，Nick不無心痛，啟發他創作《Inherit the Dust》系列作品。他將曾經拍攝過的那些瀕臨絕種的動物照片，以1:1的真實尺寸印刷在巨型畫板上，然後放置在牠們原本棲息的土地上再進行拍攝。大象生活的地方變成垃圾站，獅子奔跑的地方變成工地，那些商場或天橋，曾經是長頸鹿猩猩漫步之處，如今牠們都成為了亡魂。而這些破壞，不僅發生在過去的十數年間，此時此刻也在不斷重演。

為生活掙扎　忽略動物的命運

最令他印象深刻的，是當他在天橋下佈置巨型畫板時，有許多無家可歸的青少年正在吸膠毒（sniffing glue），有些人更是神情恍惚。另一邊廂，有位小男孩被巨型大象影像吸引，用類似小木棍的物體撫摸大象的腿，可悲的是他卻無法見到真正的大象。更絕望的是，這些露宿街頭的人，每天的生活都在苦苦掙扎，根本無暇理會動物的命運。「這些動物的命運和痛苦，應被視為所有人類的責任，缺乏同情心的人類，在動物保育這條道路上，我們迷路了。」

遺憾的是，創作《Inherit the Dust》後，他覺得大自然不但沒有變好，而且變得更差了，「隨着非洲人口急速增長，從今天的10億增加到2050年的19億，到時估計根本沒足夠空間讓野生動物棲息。」如果人類再不做些甚麼，或許不久之後，人類能繼承的便沒有動物，只剩下塵埃。要知道，人類與動物唇齒相依，動物消失了、大自然環境被破壞，人類最終會自食其果，同樣劫數難逃。

Inherit the Dust

日期：3月13日至4月22日

時間：星期三至日（11am至6pm）

地址：上環磅巷28號Blue Lotus Gallery

圖片由Blue Lotus Gallery提供。

原文見於果籽

封岩　用攝影展現日常物件的藝術視角

February 20, 2020September 5, 2025Posted in ExhibitionTagged 展覽Leave a comment

中國攝影藝術家封岩說：「在人們的慣性思維裏，鏡頭只能對準證明是有意義的事物，正如每處風景名勝都有一個最佳拍攝位置。」然而對喜歡拍攝日常物件的他而言，通過拍攝與日常生活感知密切的物件或細枝末節，以大尺寸畫面強調物件的細節，既令作品產生一種觀賞性及藝術性，藉此也呈現出物件在工藝中的視覺美感。他最近首次在香港舉辦同名個展，黑皮凳、木箱、並排的畫布看似瑣碎平凡，背後既潛藏他的個人情緒，亦隱晦地觸及幾代中國人的集體回憶。

在成為藝術家之前，封岩寫過小說、也拍過電影。1989年畢業於北京電影學院攝影系的他，曾擔任過張藝謀執導的電影《菊豆》的副導演，後來旅居美國拍攝紀錄片，當時不諳英文的他，經常依靠閱讀及寫作來打發時間。2001年回到北京後，他依然熱衷寫作，2004年完成兩篇長篇小說後，精疲力盡的他有感要轉換創作方式，於是重拾攝影機，這次不是拍電影，而是追求更純粹、個人的表達方式——攝影。

作品被視為「廢片」　艾未未卻看得懂

緊接三年，他連續創作三個攝影系列：《秩序》（擺拍日常物件的秩序感）、《山石》（山石的局部紋理）和《權力》（象徵着權力符號的事物），這些看似不經意捕捉的畫面，背後其實都被賦予特定意義，根據他的說法，是「從日常生活中表達事物的當代性」。至今仍有許多人對其作品感到不解，當時更是如此，形容他的作品像「廢片」，猶如沒意義的影像。能讀懂他的藝術家艾未未，則形容其作品「明確打破人們對攝影的慣性思維」，這也是攝影進入「當代藝術」的其中一個重點。

現場展出的《迷幻的竹子》、《紀念碑》、《繪畫》及《唐陵深草》，均是這種方法的延續，尤其是2010年創作的《紀念碑》。這系列第一件作品，是一張黑色皮凳，那是大陸的公共博物館常見的長凳，多年來有無數參觀者坐過。封岩將皮凳豎立起來拍攝，簡單一個動作，長凳彷彿被賦予一種「紀念碑」的意象。

在常規思維中，紀念碑通常為重要人物或事迹而豎立，藝術家從舊貨市場等買來的風扇、書櫃、木箱等，這些社會主義建設時期的物件是上一輩中國人的集體回憶，既蘊含功能、也投射了情感。然而當他將這些日常物件抽離原本身處的環境，再賦予它們充滿儀式感的展示方式，從而構成一座座「紀念碑」時，在在挑戰世人對紀念碑的想像，以及日常物件所蘊含的藝術感。

並排畫布側面　另類欣賞體驗

如果說《紀念碑》是關於公共物件的記憶，那麼《繪畫》便是他非常個人的經歷。系列始於2013至2014年間創作的繪畫作品，當時他剛結束攝影個展，忽然想停下攝影，去嘗試自己關注已久的繪畫，在畫筆遊走畫布的過程中，慢慢消弭心中不安的情緒。

在繪畫過程中，畫布是他最常接觸的事物，是他生活中的日常，他將十多幅畫布的側面並排成為一個藝術裝置，拍攝成《繪畫》系列。這些畫布在旁人眼中雖無意義，但對他而言卻有一種在繪畫以外、欣賞畫作的另類體驗。這不僅賦予畫布嶄新意義，同時將繪畫、裝置及攝影的概念融合在一張作品裏，最後以照片方式呈現。

封岩善於觀察日常生活物件，再以獨特微妙的攝影視角，呈現出物件的工藝或藝術感。他的作品不僅讓人們思考尋常物件所蘊含的歷史或政治意義，也鼓勵人們跳出慣性思維，去觀察、欣賞周遭世界的細節。

《封岩》個展

日期：2020年2月13日至3月13日

時間：11am-7pm（星期二至六）

地址：中環H Queen’s十樓當代唐人藝術中心

蘇慶強直視中國人四十年

January 29, 2020January 29, 2020Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 華南地誌, 蘇慶強, 香港藝術館, 卡拉瓦喬, 中國, 中國人, 人像Leave a comment

一位老婦姿勢端莊地坐在金色屏風前，臉上皺紋充滿歲月痕迹，屏風上的紋飾是「嚙指痛心」與「行傭供母」兩則二十四孝故事，令人對畫面中人物產生好奇。這幅細膩作品是香港攝影師蘇慶強《中國人》系列其中一張，此系列作品獲得2001年香港當代藝術雙年獎，去年末香港藝術館重開，當中「香港經驗．香港實驗」展覽部份，正展出館藏的這系列《中國人》作品。

早在1981年，蘇慶強已開始拍攝中國，「那時改革開放不久，內地生活環境與香港很不同，我跟家人返鄉探親，印象最深刻是，他們對世界發生的事幾乎一無所知，令我好奇為何大家都是中國人，思考方式會如此不同。」在交通仍不太便利的當年，那時他每逢假期就前往內地拍攝，由雲南、四川到西藏、新疆及哈爾濱，足迹遍及大江南北，拍攝眼前的所見所聞。10年前，他曾舉辦「第一個印象中國1981」展覽，顧名思義強調他對中國的第一印象，照片流露出他對周遭事物的好奇目光。

拍攝風景及街頭十多年，他漸漸感到不滿足，覺得攝影不只是如此，於是重回理工大學修讀攝影，「以前是很紀實的，那時對攝影的看法有所改變，從風景轉而拍攝人物，想深入了解人們的真實生活。」他將範圍收窄至與香港鄰近的廣東省，在1995年開始這系列《華南地誌》，也以哈蘇120格式代替最初的135格式，以捕捉更多生活細節。他既拍攝屋內擺設，也聚焦人物的表情神態，這系列《中國人》也是《華南地誌》一部份。

拍攝時，他時常帶上兩部相機，一部儍瓜機拍攝對方想要的照片，一部哈蘇相機捕捉自己追求的畫面。「拍攝過程很有趣，用儍瓜機時氣氛比較輕鬆，當用哈蘇相機拍攝時，他們會覺得很凝重。」在中文大學藝術系教授攝影的他，時常告訴學生，不同的攝影工具，既影響拍攝者觀看事物的方式，也影響被攝者心態，「有時他們見到哈蘇相機，甚至會穿上漂亮的衣服拍照。」

蘇慶強說，中國人向來較抗拒被人拍攝，也不隨便讓人進屋拍攝，因此花不少時間與拍攝者建立關係。「人物的表情、眼神會流露出訊息，我希望他們在鏡頭前自然地呈現自己，這不是隨便就能拍攝出來的。」不論是滿臉皺紋的老人、充滿稚氣的孩童，還是身穿紅色外衣的女人，幾乎都是喜怒不形於色，但他們的舉止似乎又透露出某些訊息。印象最深的是那幅屏風前的婆婆肖像，「她身穿的藍色衣服令我想起貴族的感覺，於是在金色屏風背景前拍攝，感覺再隆重些，有點西方肖像畫的感覺。」

蘇慶強很喜歡看畫作，覺得攝影與繪畫有密切關係，西方人像畫大多是貴族或有錢人，然而意大利畫家卡拉瓦喬（Caravaggio）卻背道而馳，畫過一批社會低下階層扮演歷史和宗教人物的畫作。這啟發他透過鏡頭將普通村民拍攝得恍如西方人像畫般有尊嚴、高貴，照片的顏色、光線與背景等，帶有油畫的影子。2014年，卡拉瓦喬名作《以馬忤斯的晚餐》在亞洲協會展出時，同場亦展示《中國人》照片，那是跨越近400年的藝術傳承。

過去近四十年，蘇慶強一直用類型學的攝影方法，系統地拍攝中國人肖像，從中呈現出他們的變化。回想當年，在偏遠的鄉村地區，純樸的人們似乎仍在維持着某些傳統價值。改革開放後，內地急速發展，如今重看，他坦言，「當中的改變是明顯的，不僅某些傳統改變了，甚至連人的精神面貌，都已截然不同。」

《中國人》@「香港經驗·香港實驗」

日期：即日至5月3日

時間：10am-6pm（星期一至三、五）、10am-7pm（星期六日及公眾假期）

地址：香港藝術館2樓香港藝術廳

圖片由蘇慶強提供。

原文見於果籽