「顯影堂」一週年展覽呈現中國攝影家楊延康代表作《心象》

香港攝影書店「顯影堂」一週年展覽,展出中國著名攝影家楊延康作品《心象》,展期是2026年7月10日至8月15日。這部被譽為當代藏區攝影的里程碑之作,不僅記錄青藏高原的風光與僧俗日常,更深刻呈現人與信仰的關係。

楊延康 (1954-) 是中國少數三十年如一日、專注於宗教信仰題材的攝影家。自1990年代起,他將拍攝天主教、藏傳佛教和伊斯蘭教徒視為某種精神天職,最終完成其「信仰三部曲」。他的鏡頭自覺地摒棄視覺奇觀與異域風情的獵奇視角,轉而溫柔地凝視中國不同信仰者的生命質地。

他鏡頭下的藏地,不是典型壯觀秀麗的風景,而是細膩動人的畫面。楊延康毫不急功近利,為拍攝最真實的畫面,從2003年到2013年,他歷時十年沉潛,多次進入藏區、深入了解當地人的生活,觀察並記錄他們最真實的日常,畫面平靜卻充滿詩意。

在這些年歲裡,楊延康不僅拍攝藏民的生活,更將目光投向僧侶,記錄他們如何在具體的修行中踐行信仰。在他的鏡頭下,僧侶們念誦經文、吹奏法螺、與貓嬉戲、表演藏戲。藏傳佛教那些往往被外界神聖化、甚至感到遙不可及的意象,在這些微小的瞬間變得和煦而可親。

在視覺表現上,楊延康始終堅持嚴謹而精緻的構圖,奠定他作品的視覺語言。然而,這種古典式的嚴謹並未削弱影像的抒情性;相反地,他成功地在僧侶們看似平淡的日常中,捕捉到戲劇張力與內斂的詩意。神聖的光芒透過世俗生活的細節流淌出來,散發著寧靜而深邃的精神氣場,令人動容。


楊延康為這系列作品命名為《心象》,彷彿這些畫面早已存在於他的腦海,只是藉著相機的心靈之眼呈現出來。在這段漫長的旅程中,攝影師早已超越「冷眼旁觀」的紀錄者角色,而是與這片土地建立起深刻的精神連結,並最終成為藏傳佛教的皈依者。

對他而言,攝影是一場從「觀看」走向「感悟」的內省歷程,如同踏上歸鄉之途,他在全然的交付中找到生命的定力。當攝影本身被提升至創作者的個人信仰高度時,按下快門彷彿已成為一種修持。從這個意義上說,這些影像不僅記錄藏地日常,更是一面鏡子,映射出楊延康自身的生命精神與靈魂軌跡。

《心象》展覽詳情

日期:2026年7月10日至8月15日

時間:星期三至六下午2時至7時(需預約

地點:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂

楊延康

1954年出生於貴州省,現居成都。楊延康1980年代開始攝影生涯,2001年簽約法國VU圖片社。作為中國傑出的紀實攝影師,楊延康以三十年時間完成著名的信仰三部曲,分別是《神貧的人》(天主教徒)、《心象》(藏傳佛教)以及《星月》(伊斯蘭教)。

顯影堂 

由香港攝影平台「顯影 PhotogStory」創辦人及攝影策展人劉東佩在2025年七月成立的「顯影堂 DEVEDO」,是香港罕有專注攝影書籍的書店。店內除了出售多種攝影書籍及相片,也會定期舉辦攝影文化相關講座及策劃攝影展覽。


DEVEDO 1st Anniversary Exhibition  The Reflection of Soul by Yang Yankang

DEVEDO is pleased to present The Reflection of Soul, a solo exhibition by Chinese photographer Yang Yankang, in celebration of the bookshop’s first anniversary, on view from July 10 to August 15, 2026. The exhibition centers on faith as lived and observed among monks and laypeople in the Tibetan regions. Hailed as a milestone in contemporary Tibetan photography, the work documents daily life while also exploring the relationship between people and their beliefs.

Yang Yankang (1954-) is a rare photographer who has devoted himself to photographing religious beliefs. Beginning in the 1990s, he spent thirty years photographing Catholics, Tibetan Buddhists, and Muslims, completing his “Faith Trilogy” as a mission. His lens avoids sensationalism and the exotic, instead recording the lives of believers with different faiths in China.

His photographs are not typical spectacular landscapes but rather delicate and moving images. Without seeking quick success, Yang spent ten years from 2003 to 2013 immersing himself in Tibetan life, repeatedly venturing into the region to experience the local people’s lives, observing and recording their most authentic daily routines. These images are serene yet imbued with poetry.

During the years, Yang not only photographed the lives of Tibetan people but also focused on Buddhist monks, documenting how they live their faith and how they steadfastly uphold their beliefs in practice. Through his lens, monks recite scriptures, play with toy cars, blow the Dharma Conch, play with cats, and perform Tibetan opera. The often unattainable and sacred image of Tibetan Buddhism becomes serene and approachable in these moments. 

Yang consistently maintains a rigorous, refined composition that forms the foundation of his visual language. However, this rigor does not detract from the lyricism of his images. On the contrary, he successfully captures visual drama and implicit poetry within the monks’ mundane daily lives. A sacred light shines through the details of everyday life, radiating a serene and profound spiritual aura and evoking a moving sentiment.

The photographer was fully immersed rather than merely an observer and became a follower of Tibetan Buddhism during these years. For him, photography was a continuous process of feeling and understanding, moving from observation to conversion; like a lamb returning home, he found strength in the process.

When photography itself is elevated to the level of the photographer’s personal faith, taking pictures becomes a practice of faith. In this sense, these images can also be read as a reflection of Yang Yankang’s own experiences and life.

Exhibition Details 

Date:  July 10– August 15, 2026

Time: 2:00–7:00 PM (Wednesday–Saturday, by Appointment

Venue: DEVEDO, 6J, Block 2 Kingley Industrial Building, 

33 Yip Kan Street, Wong Chuk Hang, Hong Kong

Yang Yankang 楊延康

Yang Yankang was born in 1954 in Guizhou Province and is now based in Chengdu. He began his photography career in the 1980s and has been represented by the VU agency since 2001.

As a prominent contemporary Chinese documentary photographer acclaimed for his deep, decade-long explorations of faith and spirituality, Yang is best known for his monumental photographic trilogy that captures religious life in China, including Catholicism in Shaanxi (The Poor in Spirit), Tibetan Buddhism (The Reflection of Soul), and Islam in northwestern China (Star and Moon).

DEVEDO 顯影堂 

DEVEDO is one of Hong Kong’s distinguished photography bookstores, founded in July 2025 by LAU Tung-Pui, photography curator and founder of the Hong Kong photography platform PhotogStory. In addition to offering a wide selection of photography books, DEVEDO also regularly hosts photography talks and exhibitions.

英國攝影師Keith Macgregor記錄1990至2000年代香港霓虹夜景

在英國攝影師Keith Macgregor眼中,香港街道的特色除了招牌,霓虹燈更塑造出獨一無二的夜景。「霓虹燈招牌是一種藝術,象徵著香港的多姿多彩。」五光十色的霓虹燈招牌影響香港的流行文化,在王家衛執導的電影《重慶森林》與《墮落天使》裡,不難見到霓虹招牌下的都市景象。1987年,達明一派在歌曲《今夜星光燦爛》裡如此唱道:霓虹亮透晚上/把城內也照亮,正好呼應十年後許美靜在其代表作《傾城》裡所唱,「霓虹熄了世界漸冷清」。

據悉,香港首個霓虹招牌誕生於1929年,並在二戰後為我城綻放出獨特而璀璨的光芒。1960-1970年代,隨著工業及經濟蓬勃發展,商舖、餐廳、國貨公司、夜總會等,紛紛利用招牌進行宣傳。未有互聯網的時代,以大取勝來突出形象是常見做法,加上當時缺乏完善的法例規管,結果市區街頭的招牌數目越來越多,而且越來越大,大家爭芳鬥艷互相遮擋,成為一道奇景。1980年代是全盛時期,全港霓虹招牌數量曾超過十萬塊,但時至今日,僅餘數百塊。

Keith Macgregor, ‘Nathan Rd at night’, Hong Kong 1999, Courtesy of Blue Lotus Gallery

1998年起,Keith開始在香港各地拍攝霓虹燈,從香港仔到筲箕灣、由尖沙咀到旺角、九龍城,再到西貢、元朗及荃灣等各區拍攝,這批照片也成為珍貴的影像檔案。回想那些年,「霓虹燈就像城市的布景板,大家習以為常,從未細想這些璀璨景致背後蘊藏的創意、技術、工藝與想像力,不料到它有日會逐漸消失。 」

2010年,政府推出新法規,小型工程監管制度的出現,抬高新增招牌的成本,行政程序變得複雜,變相令訂製的霓虹招牌逐漸減少。另一邊廂,當局以安全理由不斷拆卸霓虹招牌;店舖為節省開支,以燈箱或LED招牌取而代之,曾經的霓虹之城,已漸漸逝去。

Keith Macgregor, ‘Signs in Argylle street’, Hong Kong 1999, Courtesy of Blue Lotus Gallery

Keith說,相比起霓虹燈招牌,LED的確較省電,感覺卻毫無特色,看起來很沉悶,無法呈現香港的靈魂。「 我不反對環保或重建,然而重點是要變得更好,而非品味更差的美學。」

今年六月,他推出作品集《City of Lights》,輯錄數百幅從未公開的經典照片,可謂見證香港霓虹招牌的輝煌歷史。本書除了攝影作品,更深入發掘光影背後的匠人故事,收錄多位傳承霓虹技藝的前輩訪談,包括親手燒製玻璃光管的資深師傅、勇於高空作業的招牌安裝技師,以及致力守護霓虹文化未來的保育者與新生代創作者。

英國攝影師Keith Macgregor最新攝影集《City of Lights》, 黃竹坑攝影書店「顯影堂」有售。

隨著近年多間老字號結業,那些招牌也逐漸消失於街頭,部分則走進博物館,成為M+藏品。Keith的作品是關於香港街道與霓虹招牌的檔案之中,最完整及精彩的一位,因此這本攝影集更顯彌足珍貴。

《City of Lights》展覽詳情
時間:2026年6月18日至9月30日
地址:上環磅巷28號 @bluelotusgallery

專訪中國攝影師編號223:從博客時代的青春私密,到社交媒體時代的「關係副本」

編號223

在當代中國私攝影的脈絡裡,「編號223」(本名林志鵬) 是一個無法被繞過的名字。這個藝名源自王家衛電影《重慶森林》裡金城武的角色編號,散發著濃厚的香港電影情懷。戲中角色編號223身上流露出的孤獨感與電影中的夢幻氛圍,與攝影師鏡頭下當代青年在都市生活中的疏離與渴望,無疑有所相似之處。

原本是雜誌編輯的編號223,2004年開始使用菲林相機記錄身邊朋友的日常生活與情感狀態,年輕人的狂歡、迷惘、裸體與親密接觸,這種不以常規的個人敘事與私密感的拍攝風格,正是其作品的特色,令他成為中國攝影的代表人物之一。二十多年過去了,當年的博客平台早已關閉,雜誌的紙本時代也逐漸式微,但他依然在拍攝年輕人。

最近在香港德薩畫廊 (DE SARTHE) 的個展《關係副本》現場,「顯影」與他聊起已故攝影師任航的相識、雜誌對他的視覺啟蒙,以及他在這個「流量至上」的網絡時代裡,如何看待當下年輕人的多元與疏離。


一、 博客時代的起點,與任航的相識

問題:網絡上經常將你與任航的作品相提並論,你們也曾一起在香港畫廊展覽過,可以說說你們是怎麼認識的嗎?

編號223:2003年我在廣州創辦個人博客「北緯23度」,發表影像作品和文字,關注新生代次文化和生活狀態。大約2006年時,任航經常在我博客留言評論;2007年我去北京,那時他還在讀大學,有一次我去逛市集,他主動跑過來跟我打招呼,這算是我們第一次現實中見面。後來他開始拍照,並創辦電子雜誌《Moon》,邀請我擔任藝術總監的角色,他拍攝的第一期封面人物就是我,而我負責幫他做設計與封面。我們一起合作幾期,後來我因為工作太忙就沒再參與,他自己陸續又做幾期,之後也就停辦了。後來我們也有經常見面和交流,2013年一起在香港畫廊做展覽。

二、 雜誌人的底色

問題:你的藝名叫編號223,有段時間也常去香港,這座城市對你的創作有影響嗎?

編號223:我2000年左右開始上網,很喜歡在網上寫東西。當時不想用類似「水晶男孩」那種網名,剛好我很喜歡王家衛,就借用《重慶森林》裡金城武的角色編號223,覺得用數字當網名挺酷的。雖然我的作品跟電影沒有直接關係,但年輕時確實受到香港電影的影響(也以媒體身分報道過香港國際電影節),尤其是香港電影場景裡的那種風情萬種,潛移默化中對我的作品是有所影響的。不過,我覺得對我影響更深的其實是雜誌。我最早在廣州讀書和工作,做過時尚潮流雜誌編輯,也收集很多國外很酷的獨立雜誌。所以你看我的作品風格,其實是帶有一種「雜誌性」,你把這些照片放在雜誌上,一點都不會違和。

作品相片由DE SARTHE畫廊提供

三、 裸體題材與效仿現象

問題:早期在國內拍年輕人的裸體或比較大膽的題材,當時有任何顧慮嗎?

編號223: 完全沒有。早期我拍攝的基本上是身邊的朋友,那時候在雜誌社接觸的人都挺開放,大家二十多歲、玩得很開心,我只是把年輕人的精神狀態記錄下來。當時我還不認識Wolfgang Tillmans、Ryan McGinley這些國外藝術家,我只知道雜誌上常出現的Terry Richardson,覺得這個攝影師很狂野,所以我的風格,完全是從雜誌和生活裡自然生長出來的。

再者,20多年前的網絡審查制度,還不像現在這麼全面,依然可以在博客發表赤裸的照片,雖然尺度太大的話,相片還是會被屏蔽,但絕對不像現在會被「限流」。現在的那種審查太嚴格了,很難有機會去發表,不像原來早期博客的年代,還是相對自由些,可惜現在那些平台連同我的博客早就都消失了。

問:作為中國「青春私密」攝影的先驅人物,你的作品引來很多人效仿,你怎麼看這種現象?

編號223:現在的確很多人拍攝這種題材,每個人拿手機或相機都可以創作,拍攝記錄青春和身體的題材,我覺得挺好的。攝影沒有門檻,但要真正把攝影做成藝術,還是有門檻的。網上現在有很多「私房照」,但那多數是商业目的,你付錢就有人幫你拍,這還達不到藝術的層面。

相片由DE SARTHE畫廊提供

四、 從2000年代到2020年代:年輕人的性別多元與線下疏離

問:你拍攝年輕人二十多年,你覺得現在的年輕人和2000年代的相比,有甚麼不同?

編號223: 我覺得現在的年輕人更多元了。早期的年輕人主要是80後,那時網絡還沒那麼發達,如今的90後、00後是在互聯網時代長大的,對外面世界的認知非常廣闊,看法也更多元。比如我之前在國內拍過一個叫《100 Boys》的項目,雖然叫「男孩」,但其實也有40、50歲的中年人來參加,只要內心是男孩就可以。在拍攝這些20來歲的年輕男孩時,我發現他們對感情和性取向的概念非常模糊和多元,可以跟男生在一起,也可以跟女生在一起,現在甚至有第三性、第四性,而在我們那個年代,好像沒有這麼多元。


問題:拍熟悉的朋友和拍網上招募 (Open Call) 的陌生人,拍攝過程和狀態會不一樣嗎?

編號223: 狀態完全不同。拍朋友很Chill、很隨意,大家一起玩,相機拿起來就拍。但招募陌生人時間很短,我沒辦法在幾小時內跟對方變成老朋友,所以我需要事前準備。比如在疫情期間拍《100 BOYS》,或者2023年在巴黎透過Instagram招募華人或亞洲混血模特兒。我和陌生人相處三個小時,可能有一半時間是在聊天,用這種方式讓大家放鬆,卸下對相機的戒備心。

我很喜歡玩「快閃式」的隨機拍攝。比如在巴黎,我和模特兒走在公共區域的街上,看中某個場景,靈感來了,裸照拍個10秒鐘,然後拔腿就跑!這種完全沒有設計的東西很有趣。如果是室內拍攝,我會準備很多隨機買來的道具,像是去傳統市場買覺得好看的水果,或者買兩隻鴿子。我喜歡在這個過程中抓拍,給他們一個簡單的「小劇本」讓他們去演,帶有一點表演成分。

相片由DE SARTHE畫廊提供

五、 流量是把雙刃劍,而「書」是線上展覽的延續

問題:你在香港的展覽加入如Instagram裝置這樣的沉浸式互動,你怎麼看網絡對你作品的傳播?

編號223: 這次展覽有沉浸式和互動式的呈現, 因為我的作品從最開始到現在, 都很依賴互聯網傳播。現在很多年輕人因為社交網絡認識我的作品, 但我內心是不太樂意把自己做成「流量導向」的人。我本身是媒體出身, 很清楚怎麼做內容來博取流量, 但現在的流量不是我喜歡的那種。

早期博客時代的流量,是一群物以類聚、志同道合的人;而現在的流量是一把雙刃劍,它可以把你作品傳播出去,也可以帶給你很負面的評論,例如去年就有人在小紅書抨擊我展覽的照片擦邊,不過我也不抗拒這樣的反饋,因為在網絡上肯定有不同的聲音,這也是作品與公眾對話的有趣過程。

編號223近年其中幾本攝影集,顯影堂有售。

問題:你至今已經出版十多本攝影集,在快餐文化盛行的今天,為何仍堅持出版紙本作品集?

編號223: 雖然我的作品最先在網絡傳播,但我有很深的「紙本情結」。在手機或電腦屏幕上看照片是一種「快餐文化」,你很難透過屏幕去真正「凝視」一張作品,你也很少會在網絡上真正去「收藏」一個東西。對我來說,做一本書,其實就是一場「線上展覽的實體化」。它需要有主題、有編輯的思路與節奏。線下的展覽和書,是構成我作品完整性必不可少的方式。現在有國外獨立出版社願意持續幫我出書,這變相也是推動我持續拍照的動力。

相片由DE SARTHE畫廊提供

問題:你希望透過《關係副本》這個展覽主題傳達甚麼訊息?

編號223:這次展覽希望引發大家對愛情、人際關係的思考。現在因為社交媒體太發達,人與人的連結往往由屏幕維持,每個人都對著屏幕溝通,導致大家在線下產生一種疏離感。我的作品裡有很多真實、肉體與情感的接觸,希望藉此引起共鳴。

展覽標題是《關係副本》,我覺得真實的關係是本真(Original)的,而攝影作品則是真實關係的延伸與折射。這個「副本」不是去消解真實,而是對本真的延續。我沒辦法靠一張平面照片傳達所有真實的情感形態,但我希望透過這樣的方式,引起大家對當下真實情感與關係的思考。


編號223香港個展《關係副本》
展期:即日至2026年6月27日
時間:星期二至六 (11am-7pm)
地址:香港黃竹坑道29號維他大廈A座2樓德薩畫廊

顯影堂六月份三場講座:RDM PSYCHO新書發佈會|影像開卷-四位香港攝影師作品集分享會|藝術家何居怡展覽講座

1. RDM PSYCHO電單車迷熱衷改裝文化-兩年時間拍攝並自資出版攝影集

2024年在香港成立的RDM PSYCHO,由一群早已把經典電單車視為生命一部分的狂熱愛好者所組成,成員來自各行各業:紋身師、市場推廣、藍領技師、銀行界、時裝設計師,儘管身分不一樣,但在車房熬過無數夜晚所結下的情誼,令其成為騎行路上的兄弟。

他們以自己的方式打造和改裝電單車,把這些老鐵騎當作尋找自我的途徑。從拆解到重生,將其變成刻有個人印記、帶著各自靈魂的老式哈利;從換檔桿到手工焊接的硬尾車架,每個裝嵌細節都藏著他們的堅持甚至偏執,拒絕隨波逐流,正正是RDM的人生態度。

「RDM PSYCHO要傳達的,不只是分享電單車日常,更是人與車連結起來的靈魂故事。PSYCHO是瘋子意思,而我們正為因人生、因電單車而擁有的這份瘋狂感到自豪。」


自資出版攝影集《RDM PSYCHO: Never Not Riding》

在這本厚實而又彌漫菲林感的攝影集《RDM PSYCHO: Never Not Riding 一生騎行》中,本地攝影師、RDM最年輕成員Lucas Chan,用近兩年時間、數不盡的日與夜,記錄一幕幕RDM的騎行旅程。攝影集以逾280頁篇幅、隨著引擎聲啓動徐徐展開,跟著攝影師的視角,伴隨RDM成員Ben Chan和Matt Chan以最純粹的文字描述,真實地呈現不只屬於RDM騎行的片段,更多的是騎行以外的各種瞬間。

RDM們躲在昏暗車房裡,一次又一次把帶著各種傷痕的引擎修復再重生,各人指尖沾滿各種油垢,恍如戰績。相片裡不時看到各人叉起腰,皺著眉頭站在搖曳燈光下,神情凝重地討論著像一顆小螺絲鬆脫的狀況;然後翻到下一頁,看見各人鬆開眉頭,氣氛隨之輕盈起來,意味著他們再次找到奇怪招數,讓機車重新啓動,但其實重生的何只是電單車。

攝影師跟隨各人馳騁在路上,從粗獷的希雲街街角出發,穿越不同的城市道路,偶爾捕捉到電單車與速度交織的動人光影;還有無數次在不知名的山路遇上拋錨,從各人的特寫看到各種毫不妥協的凝視,似乎在彰顯UNFUCKWITHABLE的團隊信念。

Never Not Riding中文譯為「一生騎行」,源自於「一生懸命」的意念,代表著竭盡所能、因相信而花光一生力氣去做一件事——RDM說的不只是騎行,更是團隊堅信的人生態度。

講座詳情
時間:6月18日(星期四)6:30-7:30pm
講者:攝影師Lucas Chan, RDM成員Ben Chan, Matt Chan(廣東話進行)
地址:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂
費用:100HKD (當日可用於書店購書)
可私訊 「顯影堂」 報名


2. 影像開卷——四位香港攝影師作品集分享會

顯影堂「影像開卷」講座迎來第二場,邀請四位香港年輕攝影師介紹作品集,他們以不一樣的創作語言,探索關於疫情、山野旅程與古洞的回憶。

凌中雲的《黑月》拍攝佇立在旺角街頭的圓柱型防撞柱,柱頂斑駁的痕跡恍如月球表面。陳昊的《山言水道》以影像結合詩句/散文的表達手法,藉著一段段山野旅程道出內心情感。

Dion Leung將疫情期間在香港醫院做護工期間拍攝的照片結集成書,記錄那段不堪回首的日子。Beep Chui的手工書《The Island of Self》由古洞村民人手縫製,收錄她多次步入古洞拍攝的照片。

攝影集不只是相片的結集,也承載著情感的沉澱,而紙張的質感、影像的節奏,均令影像變得更有感染力,這也是社交媒體無法取締的閱讀體驗。

四位香港攝影師作品集分享會
時間:6月20日(星期六) 5:30pm-7pm
講座以廣東話進行,四位講者:
 陳昊凌中雲Dion LeungBeep Chui

主持:顯影堂創辦人 劉東佩
地址:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂
費用:100HKD (當日可用於「顯影堂」購書)
可私訊 「顯影堂」 報名


3. 藝術家何居怡個展《When The Shutter Closes》之展覽講座

當快門按下,一個瞬間結束,同時開啟另一段過程。何居怡個展《When The Shutter Closes》圍繞一個提問展開:按下快門是否就意味著影像的完成,抑或在定格之後仍持續延伸與轉變。

展覽呈現三個相互關連的系列——《TEAR》、《UNSTILL》與《STILL》。何居怡並不把照片視為單純的記錄,而是視其為可承受時間與痕跡的物件。影像在拍攝之後所經歷的變化,成為創作的核心;照片不再只是終點,而可能是一段過程的開始。

藝術家何居怡(Daphne Ho) 將於6月13日星期六4-6pm現身「顯影堂」,與大家介紹作品及交流。此外,「顯影堂」於6月27日舉辦展覽講座,邀請藝術家介紹三個系列作品的脈絡,以及她的作品如何受日本美學影響,有興趣的朋友可透過此link免費報名。

講座詳情

日期:2026年6月27日星期六5pm-6pm

講者:Daphne Alexis Ho|主持:顯影堂創辦人劉東佩

地點:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂

免費報名:https://bit.ly/4xfM6Of

展覽日期:2026年6月6日至7月4日

時間:星期三至六2-7pm ( 預約參觀 「顯影堂」 )

地點:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂

顯影堂台北呈現《Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited》——香港攝影師Rensis Ho以影像拼貼手法再現九十年代拍攝的坂本龍一肖像

1998年1月,坂本龍一走進香港一座唐樓的攝影工作室……

這位日本音樂巨匠當年46歲,早已享譽國際,從電子音樂到電影配樂,他的樂曲及旋律令人動容。他在多張專輯中的百變造型,散發著獨特的個性與魅力,而在香港攝影師Rensis Ho (何耀燊) 鏡頭下,則是一位隨和又寡言的智者。

1978年以日本傳奇電子音樂組合YMO出道的坂本龍一,當年正迎來入行二十年的日子,彼時他到香港宣傳《Discord》專輯的國際版,接受《新誌向 MAGPAPER》的訪問。在攝影師的工作室裡,沒有預設的腳本,只有簡潔的背景。教授在鏡頭前展現自在一面:他時而直視鏡頭,時而隨興躺臥,甚至與攝影師的寵物狗親密玩耍。

攝影師擅長捕捉被攝者的獨特神情,鏡頭下的教授有時托腮、有時撥弄頭髮,整個過程輕鬆而自然。多年後回首,Rensis仍難忘當初相遇的時刻,坦言教授是一位思想豐盈、魅力四射的藝術家,說起拍攝當天的細節,他歷歷在目。「他的動作很即興,瀟灑而迷人,我透過鏡頭捕捉他的不同神韻。」

這些曾沉寂於已停刊雜誌中的影像,終於在去年透過香港書店空間「顯影堂」首次完整展出,不僅是坂本龍一肖像的再次顯影,也是這位教授與香港這座城市共同留下的時代回聲。

展覽《間まMA:Ryuichi by Rensis》迴響熱烈,也促成作品集《Ryuichi Sakamoto 1998》的誕生,是顯影堂踏足攝影出版的首個企劃。這些影像猶如1998年教授的「香港篇章」,因此設計靈感以唱片為概念,外觀恍如一張黑膠,裏面包括一本36頁攝影集、一張24吋海報,以及一張沒有音樂但充滿禪意的12吋密紋唱片。

Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited

28年過去,這些菲林底片變成精美攝影集,Rensis的坂本龍一肖像作品也從香港走向台灣,即將於五月底在台北藝文空間「一格一隅」展出。展覽名為《Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited》,攝影師重新拍攝當年的底片,透過影像拼貼(Collage)的創作手法,以「現在」的眼光對「過去」的碎片進行重新解構與縫補,用全新方式呈現當年的坂本龍一照片。

相較於台北市立美術館即將舉行《坂本龍一|觀音.聽時》的大型音樂裝置作品,這次在「一格一隅」的肖像展,則像是一段私密的插曲、一場輕輕的前奏——在Rensis的影像中,我們彷彿能聽見那年冬天,香港唐樓裡那段安靜且禪意的旋律。

《Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited》

日期:2026年5月30日至6月28日

時間:2-8pm(星期四至日開放)

地址:臺北市松山區復源里八德路三段142號2樓「一格一隅」

開幕講座
日期:2026年5月30日下午3-4時
講者:攝影師 Rensis Ho、攝影集設計師Benny Au、顯影堂創辦人劉東佩
座位有限,先到先得,按此報名。

關於Rensis Ho

三十年來,Rensis Ho (何耀燊) 拍攝過無數中外名人,如著名演員Isabella Rossellini和Chloe Sevigny、模特兒Kate Moss、LV男裝創意總監Pharrell Williams、日本潮流教父NIGO等,也拍攝過梅艷芳、周星馳等香港明星。Rensis擅於靜物和人像攝影,他認為人像攝影最重要的是捕捉被攝者的內在特質,這在他的黑白照片中也顯而易見。

關於顯影堂

由香港攝影平台「顯影 PhotogStory」創辦人及攝影策展人劉東佩在2025年成立的「顯影堂 DEVEDO」,是香港罕有的攝影書店空間。店內除了出售多款攝影書籍外,也會定期舉辦攝影相關講座及舉辦攝影展。

關於一格一隅

一格一隅 a frame a corner」由台灣攝影師蕭希如與 Jason共同創立,名稱來自影像中的片段與角落概念。空間以實驗性與跨領域創作為核心,關注攝影、展覽、藝術計畫與品牌合作等多元形式。透過自由開放的策展方式,嘗試讓藝術回到更貼近日常與真實感受的狀態。


DEVEDO Presents Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited in Taipei

exhibiting Hong Kong Photographer Rensis Ho’s Portrait of Ryuichi Sakamoto in 1998 

It all began in January 1998, when Ryuichi Sakamoto stepped into a photography studio inside a Hong Kong Tong Lau (tenement building).

Having debuted in 1978 with the legendary Japanese electronic group YMO, Sakamoto gained his worldwide recognition through film scores in the 1980s and 1990s. Back in 1998, the 46-year-old musical maestro visited Hong Kong to promote the international version of his album, Discord, and did an interview with MAGPAPER. 

Across his many albums, his ever-changing styles radiated a unique personality and charm; however, through Hong Kong photographer Rensis Ho’s lens, he appeared as a relaxed man of few words, yet full of wisdom.

In the photographer’s studio, there was no preset script—only a minimalist backdrop. Sakamoto revealed a natural side of himself before the camera: at times staring directly into the lens, at others lying casually, and even playing affectionately with the photographer’s dog.

Rensis Ho, skilled at capturing the unique expressions of his subjects, photographed Sakamoto resting his chin on his hand or running his fingers through his hair. Looking back years later, Rensis still vividly remembers their encounter, describing him as a thoughtful and charismatic artist. Recalling the details of that day, he says, “His movements were very impromptu and chic, and I captured his different auras through the lens.” 

These images, which had long lain dormant in a defunct magazine since 1998, were finally exhibited in full last year at the Hong Kong bookstore and space DEVEDO in 2025. This was not only a re-emergence of Ryuichi Sakamoto’s portraits but also a temporal echo shared between the composer and the city.

The exhibition, titled MA: Ryuichi by Rensis, received an enthusiastic response, leading to the creation of the photo book Ryuichi Sakamoto 1998. This marked DEVEDO’s first venture into photography publishing. 

These images were imagined as Sakamoto’s uncharted “Hong Kong Music Note,” and the design was inspired by the concept of a vinyl record, which includes a 36-page booklet, a 24-inch poster, and a 12-inch vinyl that contains s no music but a zen of silence.

Nearly three decades later, these negatives have been transformed into an exquisite photo book. Rensis’s portraits of Ryuichi Sakamoto are now traveling from Hong Kong to Taiwan, with an exhibition at the Taipei arts space, a frame a corner, this May. 

Titled Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited, the exhibition represents a layered dialogue across time. By re-photographing the original negatives and collaging the images, Rensis Ho does not merely document the past, but also deconstructs and mends the fragments of memory through a ‘present’ lens. 

This exhibition in Taipei is like a private interlude or a gentle prelude. In Rensis’s images, we can almost hear that quiet, Zen-like melody from that winter day in a Hong Kong tenement.

Ryuichi Sakamoto 1998 Revisited

Date: 2026.05.30-06.28

Time: 2-8pm (Thursday to Sunday)

Venue: a frame a corner, 2 F., No. 142, Sec. 3, Bade Rd., 

Songshan Dist., Taipei City 105046, Taiwan (R.O.C.)

About Rensis HO

Over the past three decades, Rensis Ho has photographed countless celebrities, including actresses Isabella Rossellini and Chloé Sevigny, model Kate Moss, and Pharrell Williams. He has also photographed Hong Kong stars like Anita Mui and Stephen Chow. Rensis specializes in both still life and portraiture, believing that capturing the subject’s inner qualities is paramount, a quality evident in his black-and-white images.

About DEVEDO

顯影堂 DEVEDO is one of Hong Kong’s distinguished photography bookstores, founded in July 2025 by LAU Tung-Pui, photography curator and founder of the Hong Kong photography platform PhotogStory. In addition to offering a wide selection of photography books, DEVEDO also regularly hosts photography talks and exhibitions.

顯影堂6月新展覽——何居怡《When The Shutter Closes》

香港攝影書店空間顯影堂將於2026年6月6日至7月4日為香港攝影藝術家師何居怡 (Daphne Alexis Ho) 舉辦個展《When The Shutter Closes》。

當快門按下,一個瞬間結束,同時亦開啟另一段過程。展覽圍繞一個提問展開:按下快門是否就意味著影像的完成,抑或在定格之後仍持續延伸與轉變。

展覽呈現三個相互關連的系列——《TEAR》、《UNSTILL》與《STILL》。何居怡並不把照片視為單純的記錄,而是視其為可承受時間與痕跡的物件。影像在拍攝之後所經歷的變化,成為創作的核心;照片不再只是終點,而可能是一段過程的開始。

始於2023年的《TEAR》系列,透過對撕裂與修復影像的手法展開思考。照片被撕開後重新拼合,受日本傳統修復工藝金繼所啟發,以「手繪金粉」接縫影像。裂痕保留於畫面之中,破壞與修補並存,使影像同時顯露其脆弱與承受力。

《UNSTILL》系列延續影像的探索,顆粒狀的白色、黑金與黑銀的顏料散落於單色風景之上,打破畫面的靜謐。顏料為原本定格的影像引入流動與不確定,使景觀在聚合與散逸之間徘徊。

《STILL》系列則保持作品原貌,這種未經改動並非拒絕變化,而是一種接納。影像在其原有狀態中自成完整。

三個系列共同圍繞無常與轉變展開。無論經過改動或保持原狀,照片皆不被視為終點,而是在觀看與停留之間逐漸顯現其意義。

展覽詳情

日期:2026年6月6日至7月4日

時間:星期三至六下午2時至7時(需預約

地點:黃竹坑業勤街33號金來工業大廈二座6J室·顯影堂


何居怡 (Daphne Alexis Ho)

2011年獲香港藝術學院與澳洲皇家墨爾本理工大學(RMIT University)合辦之藝術學士學位,2014年獲藝術碩士學位,並於2018年取得澳洲皇家墨爾本理工大學哲學博士學位。

顯影堂 

由香港攝影平台「顯影 PhotogStory」創辦人劉東佩在2025年成立的「顯影堂 DEVEDO」,是香港罕有專注攝影書籍的書店。店內除了出售多種攝影書籍,也會定期舉辦攝影文化相關講座及策劃攝影展覽。

藝術家自述

在《When the Shutter Closes》中,我思考一張攝影作品究竟在何時、或是否能被視為完成。

透過《TEAR》、《UNSTILL》與《STILL》三個系列,我追索影像在按下快門之後的生命。無論是潑灑顏料、修補裂痕,或選擇不作改動,每一個動作都是一種傾聽——聆聽影像如何繼續展開,如何在可見的畫面之外延續。

我對影像與意識之間那片未明的空間深深著迷。攝影似乎指向定格與終止,但對我而言,它更像是一場對話的開端,一種轉化的契機。我守候快門落下之後的片刻,那段幾乎無形的靜止時刻。在其中,意義悄然轉移、散開,又重新開始。

我的創作深受日本美學「間(ma)」的啟發——那是一種活著的停頓,是片刻之間得以呼吸與生成的空隙。這種開放感貫穿於我的創作過程:堆疊、撕裂、等待。對我而言,攝影是一種沉思的實踐,是在行動與靜止、完成與延續之間尋找平衡的過程。而那份節奏,唯有在快門闔上的瞬間,才會浮現。


When The Shutter Closes

DEVEDO is pleased to present When The Shutter Closes, a solo exhibition by Hong Kong photographic artist Daphne Alexis Ho, on view from June 6 to July 4, 2026.

When the shutter closes, something ends — yet something else inevitably begins. In the exhibition, Ho considers whether a photograph ever truly reaches completion, or whether each image continues to unfold beyond the moment of capture.

The exhibition brings together three interconnected series — UNSTILL, TEAR, and STILL. Rather than treating the photograph as a fixed record, Ho approaches it as both surface and object, capable of change. What happens after the image is taken becomes central: the photograph is not an endpoint, but the beginning of another process.

In UNSTILL, granulated natural pigments of white, black gold, and black silver scatter across monochromatic landscapes. The pigments disrupt the image’s apparent stillness, loosening its structure and introducing movement and uncertainty. Landscapes hover between formation and dispersal, suggesting that the photographic image is never entirely static.

The TEAR series extends this inquiry through acts of rupture and repair. Photographs are torn and meticulously rejoined along seams traced with gold pigment. Fractures remain visible; what first appears as damage becomes a careful act of restoration. The works hold destruction and mending in tension, revealing the photograph as both vulnerable and enduring. 

By contrast, the works in the STILL series remain untouched. Their stillness is not a refusal of change, but an acceptance of what already exists. Without intervention, these images suggest that completion may reside within the photograph itself — a quiet presence that requires no further alteration.

Across the three series, Ho reflects on impermanence and transformation. Whether altered or left intact, each photograph exists in a state of becoming. Completion is not presented as a fixed conclusion, but as an awareness that emerges through sustained looking and attention.

Exhibition Details

Date: June 6 – July 4, 2026

Time: 2:00–7:00 PM (Wednesday–Saturday, by appointment)

Venue: DEVEDO, 6J, Block 2 Kingley Industrial Building, 33 Yip Kan Street, Wong Chuk Hang, Hong Kong

Daphne Alexis Ho

Daphne received a Bachelor of Fine Arts (2011) and Master of Fine Arts (2014), co-presented by Hong Kong Art School and RMIT University, and a Doctor of Philosophy (2018) from the Royal Melbourne Institute of Technology (RMIT), Australia.

DEVEDO 顯影堂 

DEVEDO is one of Hong Kong’s distinguished photography bookstores, founded in July 2025 by LAU Tung-Pui, photography curator and founder of the Hong Kong photography platform PhotogStory. In addition to offering a wide selection of photography books, DEVEDO also regularly hosts photography talks and exhibitions.

Artist Statement

When the Shutter Closes

In When the Shutter Closes, I explore when — or whether — a photographic work can ever be considered complete. Through three series — UNSTILL, TEAR, and STILL — I trace the life of an image after the moment of capture. Each gesture, from scattering paints to mending ruptures or leaving a photograph untouched, becomes a way to listen to the photograph’s unfolding, to what continues beyond the visible frame.

I am drawn to the uncertain space between image and awareness. The act of photography often suggests finality, yet for me it is the beginning of dialogue and transformation. I am interested in what happens in the interval after the shutter closes: an invisible moment of stillness where meaning shifts, disperses, and quietly begins again.

My work is guided by the Japanese aesthetic sensibility of ma — the living pause, the space between moments where things breathe and become. This sense of openness echoes through my process: layering, tearing, and waiting. Photography, for me, is a contemplative practice — a search for the balance between action and rest, completion and continuation. Within that space, I find the rhythm of my work — discovered only when the shutter closes.

「京都國際寫真祭」回顧展,森山大道還能帶來甚麼啟發?

得悉今年「京都國際寫真祭 KYOTOGRAPHIE」有森山大道回顧展 (KG+也有兩個小型個展),原本並未有很大期待,結果展覽卻是出乎意料般精彩。現場展出逾200幅作品、逾400頁的雜誌及出版物內容,系統地梳理森山大道逾60年的攝影生涯,清晰地指出各個時期創作上的想法與轉變。觀展過程中,我一直在思考一個問題——今時今日看森山大道的作品,觀眾還能得到甚麼啟發?於是我稍微整理當時的幾點思考,也歡迎觀展的朋友分享想法。

1. 容易記得的名字很重要
雖然我不會建議攝影師一定要用藝名,但回顧攝影史,不少容易記得的大師,名字確實並非真名,如Man Ray原名是Emmanuel Radnitzky、Brassaï原名是Gyula Halász,最廣為人知的Robert Capa,是匈牙利攝影師Endre Friedmann和女友Gerda Taro虛構的「美國攝影師」。儘管森山大道的日文名字沒變,但英文寫法卻從Hiromichi Moriyama改為Daido Moriyama,容易發音,也更有辨識度。

2. 形成自己的風格,變成一種符號。
森山大道1959年學習攝影、1964年成為自由攝影師,並在1968年確立標誌性的「粗糙、模糊、失焦」(Are, Bure, Boke)風格。雖然這種風格並非他首創,但逾半世紀如一日的拍攝寫法,早已將其劃上等號,也影響許多後來攝影師,包括他的學生北島敬三等,但重點是北島先生很快跳出這種風格,形成自己有辨識度的風格。

3. Outtake的照片先不要刪除,多年後看可能有新的想法。
當你以某種標準去看照片時,它可能是不及格的作品,但並不代表它是不好的。1972年,森山大道出版攝影集《写真よさようなら》(Shashin yo Sayonara),書中收錄的,就是他過往棄用或忽略的照片,看似毫無關聯,也缺乏敘事性,道出現實世界與其影像之間的割裂感。

二戰後的日本追求寫實主義風格的攝影,但森山大道卻對「展示攝影意義的照片」及「攝影取代現實」的說法感到厭惡,因此藉著此書告別這種寫真風格。攝影集出版之初並未引起太多關注,但在隨後幾十年,卻被視為對攝影本質最深刻的探討之一。

4. 嘗試未接觸的攝影器材、嘗試特殊的焦距,可能有意想不到的效果。
許多攝影師會習慣性地使用某種器材,但不同的器材可能會觸發不一樣的靈感。以大片幅風景照片為人所認識的Ansel Adams,其實很擅長用中片幅 (代表作之一Moon and Half Dome就是用哈蘇相機拍攝的),也使用135相機和寶麗來。

說回森山大道,他一生主要以35mm相機拍攝,曾使用Canon 4Sb、Minolta SR-7菲林相機以及Nikon Coolpix、Ricoh GR等數碼相機,但這次展覽頗令我驚喜的,是他1971年首次去紐約時,使用Olympus半格相機拍攝的照片,兩張半格的照片有的關聯、有的跳脫,形成不一樣的敘事風格。

5. 在特殊的年份、時間拍攝一些看似輕描淡寫的日常。
森山大道1969年在日本攝影雜誌《朝日相機》(Asahi Camera)的12期專欄,足見他的前衛想法及對攝影思考。1月號的「Accident」系列作品聚焦在Robert F. Kennedy遇刺事件,遠離新聞現場的他,重新拍攝報紙、雜誌及電視的新聞報道,審視媒體如何決定事件的影響,也探討真實事件與其媒體報導之間日益擴大的差距。

另一個例子是,在日本311大地震之後,許多日本攝影師紛紛把鏡頭聚焦日本東北地區,拍攝的是日常生活、未必是頹垣敗井的景象,但由於事件的標誌性,在許多年之後重新觀看,還是能產生一種情感上的連結。

6. 「成名要趁早」的迷思?
「成名要趁早」是張愛玲的經典名句,但其實很值得反思。許多喜歡拍照的人,總想著成名、有人購買自己的作品。回顧森山大道的攝影生涯,儘管他在1967年已獲得日本寫真批評家協會新人賞、1974年已參加過紐約MoMA的聯展,但真正在國際上有影響力,是在1999年三藩市現代藝術博物館(SFMoMA)的大型回顧展《Stray Dog》之後,接著在2000年代,他的攝影作品才在商業市場上獲得青睞,被全球藏家追捧。這時候的他已60多歲,在攝影圈深耕逾40年,才有這樣的成就!

布列松邀請他加入Magnum Photos,記錄多元印度逾60年的攝影師Raghu Rai逝世

I want an image that says many things—— Raghu Rai 

1977年,35歲的印度攝影師Raghu Rai (洛古雷) 在著名攝影師布列松引薦下加入Magnum Photos,是圖片社裡屈指可數的亞洲人。

Raghu Rai的鏡頭聚焦印度的人生百態,他非常注重細節及善於捕捉畫面,拍攝的照片層次非常豐富,展現出多元文化的印度社會。年輕時他曾做過工程師,20歲時對攝影感興趣,23歲正式投身攝影工作,加入印度著名的《政治家報》(The Statesman)擔任攝影記者,多年來出版過逾30本攝影集。在他逾60世紀的攝影生涯中,拍攝過戰爭、政治、社會等議題,最為人所知的攝影作品包括年邁的德蘭修女(Mother Teresa)。

Mother Teresa in Her Prayer, Kolkata, 1995

德蘭修女生於巴爾幹國家馬其頓首都斯科普里(Skopje),當時屬奧斯曼帝國,1929年她來到印度,後加入印度籍,一生主要為加爾各答的窮人服務,所以有「加爾各答的天使」之稱。這張照片正是在加爾各答拍攝,由印度著名攝影師Raghu Rai操刀,修女雙手合十緊貼臉部進行禱告。攝影師原本在修女後面拍攝,見她正在禱告便行到前面拍攝。事後攝影師向修女告解,修女笑說是神的旨意。

Traffic at Chawri Bazar, Delhi, 1964

2014年,他曾出席香港國際攝影節在太古坊ArtistTree舉辦的《微光中的印度:洛古雷攝影展》展覽,現場展出100幅他的經典黑白及彩色照片,一身黑色衣服、披著紅色圍巾的他仿似聖人,從容地回答記者提問。


1. 甚麼原因令你堅持拍攝這麼多年?而且一直堅持拍攝印度題材?

印度是一個幅員遼闊的國家,有喜馬拉雅山、沙漠、山谷等各種面貌,有多元的宗教和語言,不同地區的人有一樣的故事,有很多事情都是值得紀錄的。大自然和生命每分每秒都在變化,即使你窮盡一生去拍攝,又能拍攝其中的多少呢?

2. 甚麼情況下你會按下快門?

以前有採訪任務時,是我的報社或編輯安排我去拍攝題材。現在我的經驗是,當我看到一個非常特別的場景時,那個場景似乎會告訴我,來吧,按下快門吧。 

3.你經常在訪問中提及達顯(Darshan)一詞,它所指的是一種甚麼境界?

Darshan是印地語,簡單說就是看見,但不只是看見全部,而是指體驗整個情境。現在網上有各式各樣的知識,你可以隨時知道不同資訊,但很多東西只有你真正經歷過,才是你自己的。

4. 攝影之外,有何興趣呢?

我喜歡大自然、聽古典音樂,也非常喜歡小孩子。我有三個孫子,他們眼中的純潔,令人感到年輕及活力。

Images credit to @magnumphotos & @raghurai.official

顯影堂創辦人劉東佩策展—香港攝影藝術家京都KG+聯展《彼岸之藍|Cyan from the Other Shore》

在佛教用語中,此岸 (This Shore) 是眾生居住的娑婆之地,彼岸 (The Other Shore) 則是理想的彼方世界。放諸攝影裏,此岸可指我們身處的真實世界,而彼岸則是超越當下現實的境界,是一種精神上的追求與探索。

三位香港藝術家的作品,不論是鍾寶倫的紅外線攝影、王禾璧的AI生成圖片,還是田禮文以高斯潑濺 (Gaussian Splatting)創作的圖像,三者皆跨越現實的邊界,到達影像上的「彼岸」世界。

彼岸是甚麼顏色?在三位藝術家作品中,「彼岸」無疑是藍色的——那是深邃而靜謐的藍曬之色調。藍曬 (Cyanotype)作為一種古老的印相技術,影像呈現典雅而迷人。來到21世紀,古典工藝也演變出別樣的呈現方式,從鍾寶倫的玻璃藍曬、田禮文的數碼藍曬效果,到王禾璧以藍曬花卉所構成的雕塑裝置,藍曬成為一種影像的煉金術,將生命經驗、自然、AI圖像融為一種冥想。

藝術家們的作品也與佛教有無形連結。此岸是煩惱與苦海的世界,彼岸則是解脫後的極樂之地,鍾寶倫幻想父親彌留之際所見到的畫面,是滿天的花朶、霧中的身影,抑或是猛烈陽光下的佛像?他以紅外線相機捕捉生死之臨界,以透明玻璃承載不可見的光譜,彷若靈魂的影像,似在揭示生命在臨界時刻的模糊景象——霧、光、花與熱能化為彼岸的徵兆。

王禾璧的作品靈感源自胡金銓導演的《空山靈雨》,這是一部結合武俠與佛教的電影。藝術家延續對經典電影的探索,將電影中對自然世界的敬畏轉化為一首沉浸式的頌歌。她將藍曬影像摺疊成花卉,結合AI生成的電影畫面及短片,構建出一個結合視覺、聽覺、工藝和科技交織的多感官環境。


田禮文的作品重新呈現香港最高峰大帽山,以及坐落於其郊野公園山區的凌雲寺菩薩聖像之形貌,探究形相在因緣條件下的生滅流轉。每一次的重構,皆是一場關於無常、緣起與轉化的觀照。

《彼岸之藍》以「藍曬」為影像與感官的橋樑,貫穿「此岸」與「彼岸」的哲學隱喻。三位藝術家的創作透過不同科技手段重構彼岸世界,使影像從物象轉為精神象徵,構建出一種使觀者彷彿置身異境的視覺體驗。

日文名稱:彼岸の青 (Higan no Ao)
Cyan from the Other Shore

Artists: 鍾寶倫|Alex CHUNG Po Lun, 田禮文|TIN Lai Man, 王禾璧|WONG Wo Bik
Curator: 劉東佩 |LAU Tung-Pui
Date: 4/18-4/27, 11:00-18:00 (daily)
Venue: meda: gallery, 353-1 Tsukinuke, 2chōme, Shimogyo Ward, Kyoto
〒600-8364 京都府京都市下京区突抜二丁目353-1


Cyan from the Other Shore

In Buddhist teachings, This Shore refers to the Sahā world—the realm of sentient beings where suffering and desire reside. The Other Shore, by contrast, symbolizes an ideal realm beyond, a state of spiritual liberation and enlightenment. Within the realm of photography, This Shore may be seen as the tangible world we live in, while The Other Shore becomes a metaphor for transcendence—an inner pursuit of vision and spirit through the image.

In the works of three Hong Kong artists—Alex Chung, WONG Wo Bik, and Man Tin—image becomes a vessel that voyages across the boundaries of reality. Whether through Chung’s infrared photography, WONG’s AI-generated images, or Man Tin’s visuals using Gaussian Splatting, each artist traverses the threshold between the visible and the unseen, arriving at their own Other Shore of the image.  

Then, what color is The Other Shore? In the works of these artists, it is, without doubt, blue—the deep, tranquil hue of cyanotype. As an early photographic printing process, cyanotype exudes a classical, contemplative elegance. In the twenty-first century, this technique has been renewed through diverse contemporary expressions—from Alex Chung’s cyanotypes on glass plate and Man Tin’s simulated digital cyanotypes to WONG Wo Bik’s cyanotype-flower sculptures. Cyanotype here becomes an alchemy of the image—fusing lived experience, nature, and visual illusion into an act of meditation.

Each artist’s work resonates with Buddhist thought in invisible ways. This Shore is the world of delusion and distress; The Other Shore is the realm of liberation beyond. Alex Chung imagines what his father might have seen at the threshold of life and death—fields of flowers, spectral silhouettes in mist, or perhaps the blazing radiance of a Buddha. With an infrared camera, he captures that liminal moment, using transparent glass to bear the invisible spectrum of light—images of the soul itself, revealing the ambiguity between being and dissolution. Mist, light, blossoms, and heat shimmer as omens of the Other Shore.

WONG Wo Bik’s work draws inspiration from King Hu’s film Raining in the Mountain—a cinematic meditation that unites Buddhist philosophy with martial-arts elements. Extending her engagement with classical cinema, she translates the film’s reverence for nature into an immersive visual hymn. Folding cyanotype images into floral forms and intertwining them with AI-generated imagery and moving images, she composes a multisensory environment where vision, sound, craft, and technology converge.

Man Tin’s work re-envisions Hong Kong’s highest peak—Tai Mo Shan—and the Bodhisattva statue at the Ling Wan Monastery in Kwun Yam Shan in the nearby area. Through digital reconstruction, he reflects upon the arising and passing away of form under causation. The visuals become a meditation on impermanence, dependent origination, and transformation.

This exhibition adopts cyanotype as both a medium and a metaphor—a luminous bridge between This Shore and The Other Shore. Through varied technological vocabularies, the artists reconstruct worlds beyond, transforming the image from material representation into a spiritual symbol, and their works invite viewers into a contemplative space.