女同志的手 想像戀人性事

手,是身體常用的部位,吃喝玩樂離不開它。在王家衛的《愛神:手》,手也被賦予一種慾望及私密。然而對女同志而言,手更有一種更深層的含義。香港攝影師Nicole Pun過去幾年訪問及拍攝美國、台灣及香港的女同志,邀請她們想像與愛侶撫摸做愛的情景,通過一系列不同手部動作的照片,來呈現女同志的慾望,每雙手就是一對戀人的性事。

 

In _ Out series_9

Nicole並非很前衞的人,用女性角度去觸及性愛話題,她也有些顧慮,擔心大眾用獵奇角度去看作品。最近她在香港舉辦首次個展,事前上載作品相片至facebook公佈展訊,沒想到不久後就收到facebook的警告訊息。「其實這些相片並不挑逗情慾,可能展覽的文字陳述過於直白,有人覺得很敏感。」她的擔心不無道理,在大衛像都被評為不雅物品的香港,性依然是難以啟齒的話題。

2012年在中文大學畢業後,Nicole前往美國加州藝術學院(California Institute of the Arts)修讀攝影藝術,某程度上改變她對性的看法。加州是美國較早允許同性婚姻的州分,當地人的性態度很開放,對同性關係也包容。「讀書期間接觸許多關於人體及女性主義的藝術,令我萌生研究身體及Queer Art的念頭。」


她沒有沉浸在當地的性文化氛圍,在研究世界同志文化的過程中,反而從香港過往的相關法例切入。香港受英國殖民地影響,也沿襲英國的雞姦法(Sodomy Law),這條法例在改革(1991年非刑事化)之前,是禁止男女及男男進行肛交的,可相應條文並無限制女同志的性行為。


「攝影本質就是將invisible的東西變成visible,在這條法例之下,男同志的身份變得visible,而女同志則是invisible的,這與攝影本質恰好脗合。」她的攝影,就是將女同志的invisible變成visible,借用手部來表現出自己對女同志性行為的思考,同時呈現這群性小眾的私密時刻。「手是大家熟悉的元素,有時亦會用在私密的地方,我嘗試將私密性放大。」


最初她在加州街頭隨意拍攝女同志的手部,試試陌生人的反應,發覺大家並不羞於表達,這也給予她鼓勵,邀請女同志到學校的工作室拍攝,慢慢再接觸到不同年齡及種族的受訪者。拍攝時她故意隱藏背景,讓影像集中在手部動作,微妙地重現那一瞬間,將日常私密轉換成看得見的影像。


2015年畢業回港後,她繼續在香港及台灣創作這系列作品。「既然是探討這種文化,我也希望拍攝對象比較多元化,況且我也好奇亞洲人對這方面有何看法。」她說香港人對這個議題會比較敏感,也不習慣用身體去表達,拍攝時也較害羞,「可能是文化上的差異,美國人通常較expressive,動作上做得比較明顯,肢體動作很自信。」細看手部姿勢,大概也能看得猜測手的主人來自甚麼年齡及種族,有些是輕撫胸部的動作,有些則是觸摸私處的手勢。Nicole說,既有Staged Photography的表演性質,當中又有存在真實性。

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展覽現場門口有一塊黑色蕾絲布,既透視又有私密的感覺,對應展覽內容。


展覽名為《In & Out》,難免令人聯想到性行為,究竟女同志的私密時刻是「In」還是「Out」呢?Nicole不想說得直白。回港後她曾在不同媒體做過文字及攝影記者,對她而言,文字有時解釋太清晰,「我喜歡影像的含糊性。」在InOut之間,其實有第三種可能性,正是這種含糊性賦予了影像的想像空間。

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In & OutNicole Pun 個展

時間:即日起至6月30日

時間:上午11時至下午1時;下午2時至6星期二至日

地址:石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心(JCCAC)二樓十室光影作坊

 

分享會

1.「女體動作和慾望想像」

日期:616 (六)下午3時至5時

嘉賓:鄧芝珊(港大社會學系高級講師) 、俞若玫(獨立創作人)

2.「我們是如何認知自己的性?」

日期:623 (六)下午3時至5時

嘉賓:黃鈺螢(女影香港電影節創辦人)、Nicole Pun

卓別靈 喜劇人生

卓別靈(Charlie Chaplin)是二十世紀著名的戲劇演員及導演,他頭戴圓帽的鬍鬚佬形象深入民心,影響至今。忽然提起這位上世紀的電影巨人,皆因最近上海正舉辦卓別靈展覽,由瑞士的愛麗舍攝影博物館(Musée de l’Elysée)與余德耀美術館合作,展出逾300幅相片及電影片段,以及Fernand LégerMarc ChagallErwin Blumenfeld等藝術家創作的卓別形象作品,盡現這位喜劇大師的魅力。

在卓別靈的年代,電影僅被視為一種娛樂,他是首批甚至乎最早將電影提升至藝術的演員。1889年,9歲時他加入了劇團The Eight Lancashire Lads,接受馬戲團及歌舞劇的訓練。1908年,他加入著名默劇團Karno,憑短劇《Mumming Birds》的醉漢角色為人所認識,之後這齣劇以《A Night in an English Music Hall》為名在美國巡演,他也隨團在海外演出。1913年,他加入Keystone電影公司,開始在美國喜劇舞台站穩陣腳,這一年他才24歲。

1914年,他出演首部電影短片《謀生》(Make a Living),同年另一部電影《威尼斯兒童賽車》(Kid Auto Race at Venice),他塑造出經典的流浪漢形象,之後的《流浪漢》(The Tramp),更奠定了經典的銀幕形象,手持竹拐杖、頭戴圓帽的鬍鬚佬,從此成為其標誌。那是他最瘋狂的一年,他演出了逾30部短片,接著十年也參與了另外逾三十多部短片的演出。

以演員身份入行,演而優則導,1921年開始執導首部長片《尋子遇仙記》(The Kid),後來的《城市之光》(City Lights,1931年)、《摩登時代》(Modern Times,1936年)及《大獨裁者》(The Great Dictator,1940年)等都大受好評。他在電影中賦予流浪漢不同的使命,例如1918年的《狗的生活》(A Dog’s Life)及《從軍記》(Shoulders Arms),就呈現出一個反對權威與不公的形象,最後一部默片作品《摩登時代》反映經濟大蕭條時期工人受壓搾,首部有聲電影《大獨裁者》更諷刺納粹主義,引起極大迴響。

愛麗舍攝影博物館2011年開始受卓別靈協會(Association Chaplin)委託,管理卓別靈的檔案資料,包括約二萬張菲林及印刷品。這些檔案完整地呈現了這位喜劇大師的一生,亦見證其電影形象的演變。

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《查理·卓別林:卓眼視界》

時間:即日起至2018年10月7日

地點:上海徐匯區豐谷路35號余德耀美術館

陳的  解剖室窺探人體奧妙

你了解你的身體嗎?

有一樣東西,它既像蔬菜又似雪山,某個部位更如新娘頭紗般美麗,令人難以置信!如此神奇的東西其實人人都有。沒錯,正是人的身體,只是常人不得而知。

在應邀拍攝人體之前,攝影師陳的(Chan Dick)對此亦是一知半解,潛意識裏甚至覺得有些許恐怖,走進實驗室後才發現,「人體真的很奧妙,結構很精密、很漂亮。」害怕源自不了解,在陳的最新攝影集《探》裏,他用影像的美感來呈現不同的身體部位,用非一般的角度帶領大家認識人體的神奇,「最好的風景就在我們的身體裏,值得我們花時間去了解。」

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大網膜(Greater Omentum)

近年社會上多了討論生死教育大體老師等話題,早些年的《禮儀師之奏鳴曲》,更將嚴肅話題搬上大銀幕,然而要社會大眾接受人體解剖,又談何容易。香港過往曾舉辦過「人體奧妙展」,可教科書式的宣傳海報令人卻步,加上從小接受的資訊,也令人覺得解剖等同血肉模糊的畫面,自然有所避忌。收到香港大學解剖學副教授陳立基的邀請拍攝人體標本時,陳的也有類似感受,「第一次來到實驗室門口時,我跟自己說,『如果入去一刻可以接受,我就去做。』」

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腳跟的矢狀切面(Sagittal Section of Heel)

踏足實驗室,看完所有標本後,他才覺得當初想得太多,了解之後其實並非太可怕,「很多時我們抗拒一件事,是心理感覺多於實際接觸。」儘管如此,但他仍決心忘記所見所聞,「我不想有前設,變成從醫學的角度去看這件事。」奈何接着一個月,睡覺時總會想起人體標本的畫面,不知如何是好。陳的擅長拍攝靜物,不太喜歡拍攝人像,然而面對標本,卻不知以哪種心態去面對。「這些標本曾經是有思想的人,但又不是真正的人;我亦無法當是物件,這會顯得很不尊重。」他既期待又害怕,有些不知所措,他明白,「如果處理得不好,大眾不會願意去接觸這件事。」

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胎兒顱骨穹頂(Fetal Skull Vault)

人體的獨特形態

拍攝時,陳的避免從醫學角度看人體,也沒有拍攝人體全貌。在實驗室裏,許多標本均浸泡在藥水裏,缺乏想像力,根本無從下手拍攝,有時陳的拿起標本毫無頭緒,便先擱置一旁。與標本相處數日,他慢慢懂得與它們「溝通」,先從細小標本入手,從肌肉到骨頭,慢慢發現身體部份的獨特形態。看攝影集裏的影像,胸骨像領呔、腳跟切面似山峯、盆腔肌肉好比雪山、大網膜如新娘頭紗,令人大呼不可思議。陳的以黑白影像減低畫面的震撼,令相片風格一致,也較易令人接受。況且標本血管的顏色,亦並非百分百人體原有,黑白影像能避免這種誤會。「黑白亦代表了過去,象徵着這些標本曾經的生命。」

The Trek
盆骨(Pelvis)

訪問當日,陳的一邊指着相片,一邊展示相應的身體部位,明顯對人體結構已相當熟悉。他拿着顳骨的照片考我,你知道在哪裏嗎?「其實就在髮鬢附近的位置,教授跟我說,髮鬢是最先變白的頭髮,也就是說人開始老了。」這塊骨的學名叫Temporal Bone,意思是時間之骨,解剖學原來也有詩意的瞬間。「近幾年我經常周圍去,表面上大家的膚色不同、言語不通,可身體裏面還是一樣的,所有人都看得明白。」 

The Trek
顳骨(Temporal Bone)

說起拍攝時的發現,他仍覺不可思議,「原來女性盆骨的出口是心形的,我覺得很神奇。」整個拍攝過程共六日,前後拍攝約40件標本,他說盆骨算是最難拍攝,觀察了數小時才看到想要的畫面,出來的效果彷彿一片雪山,「拍攝時或多或少也覺得相似,拍攝現場有好幾個人,原來大家看的東西不盡一致。」這也令他明白,其實這個世界不是只有一個角度看事物,做創作的人,應該嘗試用不同的角度看事情。正如這本攝影集,在解剖學工具書以外,提供另一種不同的視野。攝影集名為《探》(The Trek),他希望讀者能像徒步旅行一樣,真正慢慢去探索、感受人體的世界。

陳的第三本攝影集《探》,由brownie publishing出版,售價380港元,PhotogShop 有售。

Agnès Varda 中國之旅

許多人知道Agnès Varda,是其「新浪潮祖母」的身份,這位唯一的新浪潮女將,去年獲得奧斯卡終身成就獎,也是對她逾六十年電影生涯的肯定。Agnès Varda今年九十歲,至今仍熱衷創作,喜歡她或電影的朋友,不妨留意百老匯電影中心的「新浪潮之母—艾麗絲華妲Agnès Varda」活動,放映多套她歷年的代表作。

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電影之外,她也是個出色的攝影師,這一點正如寇比力克。生於比利時的她,在法國成長,年輕時曾修讀攝影及藝術史,之後成為一名全職攝影師。她人生第一位伯樂是法國劇場大師Jean Vilar1948/1949年,年紀輕輕的她,已在亞維農藝術節( Festival of Avignon)拍攝Jean VilarGerard Philipe,之後跟隨Jean Vilar巴黎國立人民劇院(Théâtre National Populaire)擔任劇場攝影師,一做就是十年,期間她拍攝了第一部電影《短角情事》(La Pointe Courte),1957年也曾到訪中國拍攝。

1957年,遙遠的年份,當時中法尚未建交,那些年要進入中國,比現在踏足北韓要難一百倍。法國人Marc Riboud是最早進入中國的外國媒攝影師之一,1956年他在印度拍攝了周恩來,在法國外交界幫助下獲得簽證,1957年初經香港北上廣州再到北京。Agnès Varda比他晚些踏足中國,當時她得到法國導演Chris Marker(1956年曾到中國拍攝短片《北京的星期天/Dimanche a Pekin》)推薦,受邀到中國拍攝兩個月,走遍大江南北,從重慶沿著長江到上海,又在東北及雲南拍攝。

 

當時她對這個東方國家認識不多,文化及視覺上的衝擊,令她覺得處處是驚喜。她帶著RolleiflexLeica M3等相機,在城市及鄉村拍攝了許多彩色及黑白照片,當地人見到一個外國女人全身背滿鏡頭及相機,也覺得非常有趣。多年後她憶述起這段往事,她說街上的人很友善,所有人都穿著藍色衣服,周圍都是單車……還提到四川的食物很辣。

這些照片與她後來在1960年代拍攝的古巴照片一樣,一直未展示過,即使在法國,也甚少人知道這批照片。她說當時Marc Riboud及布列松也在中國拍攝了許多照片,發佈在《LIFE》等雜誌上,自己籍籍無名,因此沒這麼做。2012年她在北京舉辦回顧展,其中一部份內容就是當年拍攝的中國照片,這段往事才重新被世人提起。1960年代,她也拍攝過哲古華拉及美國黑豹黨,這些都是非常珍貴的照片。

 

攝影也為她的電影之路鋪墊,她說1954年拍攝《短角情事》時,自己毫無經驗,未曾擔任過助手或在電影學院進修過,拍攝時的一切參照,如何運用燈光、鏡頭角度、相機距離等,都是來自拍攝照片的經驗,當時連攝影機也是租借的。這部影片由阿倫雷奈剪接,當時新浪潮電影尚未興起,所以後來人們也把Agnès Varda稱為「新浪潮祖母」。

人體美感 Robert Mapplethorpe

Robert Mapplethorpe是美國上世紀最受爭議的攝影師之一,其攝影生涯不斷挑戰傳統道德的極限,拍攝很多男性裸體、被虐等題材,這些影像極具衝擊力,至今仍備受爭議。另一方面他是非常注重美感的攝影師,不論拍攝人像、花卉還是人體,他對構圖及光線均有嚴謹的要求,但這一點卻是絕無異議的。

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人體攝影

Robert Mapplethorpe生長於紐約皇后區的一個天主教家庭,小時候已展現出過人的藝術天份,十分投入在裝置藝術與繪畫世界中,後來在紐約Pratt Institute學習設計。最初他對攝影並不感興趣,之所以拿起相機,據悉是為拍攝製造拼貼的材料,節省尋找素材的功夫。沒想到一時的小聰明,卻激起他的攝影潛能。

1960年代末,他開始用寶麗來拍攝照片。1970年代攝影的藝術地位上升,以嚴謹的構圖及對古典人體美感的拿捏,慢慢在藝術家雲集的紐約嶄露頭角。當時他開始用哈蘇中片幅相機拍攝身邊朋友和名人,包括藝術家、作曲家及社會名流,包括Andy Warhol、Keith Haring及老佛爺Karl Lagerfeld等

在這段時間,他與藝術家George Dureau成為朋友,George Dureau以素描及黑白攝影為人所知,Robert受他的一系列侏儒及截肢裸體照片所影響,摹仿他早期的作品。Robert一生拍攝過很多照片,包括名人、靜物等,當然最為人所知、最受爭議的自然是充滿情色意味的照片,當時他經常拍攝輪廓優美的黑人男性裸體照片。19701980年代美國同性戀運動正如火如荼進行,這些作品探討同性話題,也描寫紐約BDSMB/D是指BONDAGE & DISCIPLINE,綑綁與調教;S/M是指SADISM & MASOCHISM,施虐與受虐)次文化。

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他的影像講求構圖與細膩的光影,畫面十分講求平衡及簡潔,利用柔和的光線襯托出男性的肌肉與皮膚,他所拍攝的大膽裸露的照片以及同性戀、性愉虐等題材在當時來說可謂驚世駭俗。即使在他死後很長一段時間裡,他作品的爭議仍從未間斷,甚至相關的展覽與書籍仍屢遭抵制。現在他的作品身價格輒百萬元,2006年,他的一幅Andy Warhol照片以約500萬港元成交,是他最昂貴的照片。  

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精神伴侶Patti Smith

Robert MapplethorpePatti Smith均是生於1946年,他們相識於1967年,並一同居住於紐約Chelsea Hotel,這間旅館多年來有眾多作家、藝術家入住,年輕的他們充滿著夢想,一同在這裡創作藝術。起初二人是戀人關係,後來他發現自己是同性戀,但這並沒有致使二人分開,他們仍維持友好的關係,二人坦然面對,互相理解,多年來一直是創作上的伴侶。

當時Patti SmithBruce Springteen合作創作<Because  The Night>這首膾炙人口的歌曲,當時她錄完歌曲後,Mapplethorpe是第一位聽眾。而也經常是他鏡頭下的主角,包括她1975年專輯《Horses》的封面照片。

當時她身穿白恤衫吊帶褲,頭髮有點蓬亂,雙眼望著鏡頭,背景是陽光斜照的白牆,正好凸顯她的叛逆形象,成為首張專輯的封面。其他較著名的作品還有根據德國畫家杜勒(Albrecht Durer1500年的一幅自畫像為Patti Smith所拍攝的照片。

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1989年, Robert Mapplethorpe死於愛滋病,臨死前他跟Patti Smith交代要向世人說出他們二人的故事,而她用了逾20年,終於在2010年才完成回憶錄《Just Kids》(中文版《只是孩子》),此書集中描寫她和的感情。在這之前,Patti Smith曾在1996年寫過一本書籍《The Coral Sea》向他致敬,2008年再推出同名專輯。直至而今,當人們談起Robert MapplethorpePatti Smith時,都會特別提到二人的故事。

賴朗騫 用手機捕捉生活的不尋常 

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攝影師賴朗騫用相機拍攝大量事物的不尋常狀態,展覽時將其整合,這部分作品集中呈現人的腳部。

影像氾濫的年代,甚麼會吸引你的目光,美食當前還是亮麗的風景?對攝影師賴朗騫來講,卻是事物的不尋常狀態,例如人或動物的趣怪表情、肢體動作的奇特瞬間。過去幾年他每日用手機無間斷地拍攝,捕捉數萬張這樣的畫面,難怪資深攝影師黃勤帶笑說他與日本攝影師中平卓馬一樣,是個「變成相機的男人」。然而賴朗騫卻如此總結過去幾年的拍攝經歷,「我不是以拍攝獲得快感或慰藉,而是想建立一種看事物的方法。」


手機攝影早非新鮮事,尤其智能手機普及,以手機攝影來創作或舉辦展覽,已屢見不鮮。賴朗騫並非那種走在科技尖端的人,接觸Instagram也只是近兩三年之事,實際上他是傳統攝影出身,很長的一段時間都以菲林、寶麗來甚至哈蘇大片幅相機進行創作,用後者拍攝的《逃離理性的夜晚》,更被香港文化博物館收藏。傳統的攝影教育對美學及畫質均有一定要求,賴朗騫曾覺得菲林才是創作,如今卻放棄使用專業相機,轉用手機來拍攝,這種重大的改變也意味着他走出傳統攝影的束縛。

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兩張照片往往產生第三種效果,受傷的手與貌似整容的韓國女士,隱藏著一絲幽默。


「有年夏天在咖啡店見到聖誕節裝飾,覺得很有趣,便用手機放大畫面拍攝,發覺原來可以這樣來看事物,那種效果很吸引。」在他而言,用手機拍攝純粹是方便、不易被人察覺,也很適合他抓拍的創作模式。拍攝時他很隨心,蚊子狗隻與大廈,在他的鏡頭下都是等價的,甚麼古靈精怪的事物都可以是拍攝對象,「我甚至開始不介意翻拍影像,嘗試在其中提取某些適合我想法的元素。」正如那幅自助快相機的廣告圖像《蓮達》,這幅肖像是根據人臉的一半來複製及翻轉,從而呈現出所謂的完美狀態。


創作時他會放大畫面來獲得想要的構圖,演練他獨特的觀看方法,儘管這會犧牲相片的畫質。「我不介意影像是否清晰或有mood,漂亮的光線及顏色也可以不要,反而頗在意畫面中缺乏或出現多餘的元素。」當攝影技術變得次要時,他反而可以更專注在構圖上,而放大的照片會變得起格、失去立體感,有時甚至模糊不清,令拍攝對象變得抽象、不真實。

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賴朗騫爲每幅作品改名,左至右分別是《死去的蚊》、《大廈的左面和右面》及《眼睛的線》。

在傳統的攝影角度來看,這些照片不夠清晰銳利,很容易被視為失敗之作。究竟照片應該展示現實,還是反映攝影師的思考更重要?新聞攝影出身的黃勤帶對賴朗騫此系列作品評價甚高,「很多時大家都習慣用畫質來定義影像是否清晰,這些照片的細節及賴朗騫對事物的反應,我覺得比他以往用哈蘇相機拍攝的相片還要清晰。」這背後,當然是賴朗騫多年來的觀察與拍攝的累積,他笑說,即使身處自己房間,他也可以照樣拍攝,找到看事物的慣性。


賴朗騫將自己的創作稱為大量製造影像的過程,他有個很大的圖片庫,也會不斷在社交網絡發佈這些相片,至今在Instagram已發佈了逾五千張。月前他出版了首本攝影集《瞬間轉移》,收錄的正是近幾年用手機拍攝的作品,在書中他以睜眼/掩耳或傾斜/靠前等動作為主題,整理成不同的章節。「在網路上可沒限制地發佈,攝影書籍能幫助我收窄及梳理過去幾年拍攝的東西,令自己的創作方向及脈絡更清晰。」物體與物體之間往往有無形的聯繫,況且在書籍裏,互相對應的兩張照片會產生第三種意想不到的效果。

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書籍的內容也促成展覽的誕生,對賴朗騫而言,展覽是進一步整理照片的方法,令主題更加清晰。如何在展覽空間裏,將照片呈現出與書籍及社交網絡不同的效果,帶出一種新的觀看經驗,這對賴朗騫及畫廊來說都是一種挑戰。


刺點畫廊Blindspot Gallery)總監秦美娜與賴朗騫進行了多次討論,既從圖像的形狀、形式及顏色等來區分,就如那六幅集中在腳步動作的照片;又以賴朗騫對人性的關注來展現他過去幾年的攝影實踐,例如將在校車上補眠的小學生及鞦韆上的沮喪女孩並列,促使觀者去思考他們的狀態。這些都是日常生活中的不尋常。

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《眼挑針》賴朗騫個展
日期:即日至630
時間:10am-6pm(星期二至星期六)
地點:黃竹坑道28號保濟工業大廈15樓刺點畫廊

*原文刊於果籽

操上和美
 廣告攝影大師

木村拓哉工藤靜香的女兒——15歲的木村光希(藝名Koki),最近登上日本《ELLE》雜誌封面,消息一出旋即在網絡廣為流傳,人人說她與木村拓哉近乎餅印,星味十足。同樣值得關注的,還有為她操刀拍攝封面的攝影師——82歲的操上和美(Kazumi Kurigami)。

操上和美與篠山紀信Kishin Shinoyama)是同期的廣告攝影師,甚至還要比他年長四歲。1961年,操上和美畢業於東京綜合寫真專門學校Tokyo College of Photography),及後開始從事商業攝影,活躍至今逾半世紀,在日版《Vogue》及《GQ》雜誌仍不時看到他的作品。

19701980年代,他拍攝過許多前衛的廣告作品(收錄在作品集《Alternates》),他曾找來一隻大象拍攝Sony的卡式帶收音機,英國歌手David Byrne那張好似Pop Art作品的《Rei Momo》唱片封套,亦是出自他之手,他也曾為渡邊貞夫、阪本龍一前妻矢野顯子(Akiko Yano)等歌手拍攝過唱片封套。攝而優則導,2009年時更導演過一部懸疑驚悚電影《Gelatin Silver, Love》。

商業攝影之外,操上和美也創作過不少個人作品,例如拍攝故鄉北海道的《Northern ,以及用寶麗來SX-70拍攝的《Hi To Hone II》,這系列作品續創作了近四十年,2011年曾在東京Taka Ishii Gallery展出。

要數最廣為人知的作品,相信是他的人物肖像系列《Portrait》,Sean ConneryKeith Richards北野武金城武以及月前逝世的霍金,都曾出現在其鏡頭之下。操上和美的黑白人像風格有點似Richard Avedon,用簡單的背景去捕捉、凸顯出拍攝對象的情緒,在這輯木村光希的照片,或許可見一斑。

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【延伸閱讀】
1.早期廣告作品集《Alternates》:https://www.vfiles.com/vfiles/10408
2. Sony與大象廣告:https://www.youtube.com/watch?v=2szqSDTg1_8
3. 唱片封套作品集:https://www.discogs.com/artist/2265672-Kazumi-Kurigami

《號外》500期封面展覽

近年常有紙媒寒冬的說法,連著名藝術家Andy Warhol創辦的《Interview》雜誌日前也宣佈停刊。數碼時代下,實體雜誌不只是一種載體,更是一種理念。一本雜誌屹立42年,絕不容易,沒錯說的是創辦於1976年的《號外》(City Magazine​)。

我曾在《號外》工作過兩年多,說不上有什麼貢獻,反而獲益良多。最初返工時不太忙碌,得閒時就去書櫃看舊《號外》,尤其是1980及1990年代的雜誌,當時的樂壇影壇巨星,許多都出現在封面之上,張國榮、羅文、梁朝偉、林青霞、王家衛等,而且還不只一次,劉德華、郭富城、周潤發都出現過五次,張曼玉更出現了七次之多,許多造型放諸當下,仍覺經典。

《號外》最近在Space 27​舉辦500期封面展覽,來個大晒冷,作為當年雜誌的重要人物之一,劉天蘭在展覽現場分享了當時創作封面的趣事。她先是作為模特兒出現在1979年9月的封面《中國靈感》,照片是梁家泰拍攝的,八十年代從加拿大回港後,才當上《號外》執行編輯,參與了逾60多個封面的創作(《號外》30周年時的數據)。那時候的《號外》團隊與影藝圈中人物熟稔,請人做封面人物是舉手之勞,你數得出的影星歌星,除了張學友,大概都曾是封面人物。

 

1982年4月,《號外》由小開本變成17吋x11吋的大雜誌,改寫了雜誌面貌。那個年代的美好,除了封面人物自身的魅力,以及張叔平的美術指導,也在於雜誌能夠純粹地由創作本身出發,即使前衛、尺度大(例如吳彥祖那個封面),也不會覺得有冒險,沒有文字(除「號外」二字)的封面也成為了特色。

聽劉天蘭憶說,當時羅文也嚷著要上《號外》封面,結果在1986年如願以償。最經典不得不提1991年12月張國榮反串花旦的封面,當年他尚未參演《霸王別姬》;還有2001年5月的「Punk Look」造型,將張國榮的魅力展現無遺,難怪展覽也吸引了不少哥哥fans前來捧場(現場也會播張國榮的歌曲)。

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常聽說《號外》是一代香港人(至少是從事創作或文化人)的精神食糧,為展覽策展的陳幼堅,也笑說以前總是拿著本《號外》扮有型,多年來儲下3、400本《號外》。

在展覽現場,觀眾可以翻閱過去多期雜誌內容,看看當時的城市文化,重溫那個年代的青春美好,而《號外》亦邀請當下香港新一代的歌手及演員,重新演繹當年的十個經典封面。無獨有偶,當年為張國榮創造造型的劉天蘭,今次也女兒岑寧兒演繹另一次反串的封面。

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《號外》500封面展覽

時間:即日起至6月3日

地址:鰂魚涌英皇道653-655號東祥工業大廈A/B座10樓SPACE 27

朱德華 超現實的東江水時光隧道

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水,無處不在,可它的存在感很低。在香港,水意味着東江水,賦予了一種政治意味,在不知不覺間融入生活。東江水輸水管其實也無處不在,只是多隱藏在地下或偏遠地區,不太為人所知。攝影師朱德華(Almond)喜歡踩單車四圍去,自從無意中在大嶼山發現輸送東江水輸水管後,偶爾也會重遊這秘境,有次發現水管上寫着「時光隧道」四字,覺得很有趣,「原本這地方已不太像香港,加上這幾個字,感覺很超現實。」這也啟發他創作出《時光隧道》這系列黑白作品。

在展覽現場,朱德華將十幅作品並置在長枱上,看起來像一條連接着的輸水管。作品中的輸水管形狀如隧道,象徵着東江水從一個時空運送到另一個時空,恍如一條「時光隧道」。在這個脫離現實的空間,他不是單純地拍攝輸水管,還請來舞蹈家蘇淑置身其中扮演墮落天使,其獨特的肢體語言與輸水管顯得格格不入,隱喻東江水背後的矛盾。在香港,東江水既是民生問題,也是政治議題,可詭異的是,東江水在中港兩端,卻是兩種截然不同的命運,在其發源地附近的許多內地城市都在搶水用,香港這端卻是多到用不完。


巨大的輸水管,是輸送食水的重要管道,也正如維持生命的血脈。朱德華在相片上畫上一條紅線,象徵東江水與港人的血緣關係。八十年代他在日本讀攝影時,曾嘗試將攝影與繪畫結合,這次他除了加上色塊,也在某些暗位處加上金箔,令平靜畫面忽然顯得跳躍。這系列作品以古老而高貴的鉑金印相法印製,畫面效果精緻,與畫面中的色塊感覺南轅北轍,這何嘗不是一種矛盾?

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《遊行》系列作品

用攝影探索社會議題

今年55歲的朱德華從事商業攝影超過20年,也曾是香港專業攝影師公會(HKIPP)會員,在行內是家喻戶曉的人物。不過他坦言,商業攝影是滿足客戶需求,個人創作才是表達自己的感受,「經濟許可的話,想盡量做自己的創作。」實際上,他自八十年代求學時期已拍攝人像作品,一直至今,其間也涉獵過人體、馬、花、城市風景等不同題材。


對朱德華而言,攝影不只是美學上的追求,他也用攝影探索社會議題,2003年七一,50萬人上街,啟發他創作《遊行》系列作品,他將真實場景結合虛構人像,合成鋪天蓋地的遊行隊伍。這系列作品共有15張,橫跨逾十年,回應着不同的社會事件,包括2014年的雨傘運動。他還有一個系列叫《人工地景》,在堆填區、廢物回收站及儲水庫等地方拍攝人為的「垃圾風景」,讓人反思對大自然造成的破壞。


常說藝術源自生活,朱德華正是活生生的又一例證。「人的想像力是很有限的,真正很solid的作品都是從生活感受出來的。」他以前喜歡騎馬,一個禮拜要騎三次,啟發他創作了一系列馬匹的作品。近年他愛上踩單車,這同樣給了他靈感,2012年的《你眼:望我眼》展覽,朱德華展出的正是兩幅單車人像的攝影作品。又例如最近《時光隧道》這系列作品,同樣是他踩單車周圍去的前提下孕育出來的。「社會上發生的許多東西很自然令你有想法,我覺得這系列作品是很自然而然誕生的。」

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《時光隧道》展覽現場@La Galerie

《時光隧道》

期:即日起至201864

地點:中環荷李活道74號地舖La Galerie Paris 1839

· 原文見於果籽