【顯影】日系相片 是地域抑或風格

日本流行文化對港人影響深遠,從音樂、電影到時裝、飲食,無不如此。攝影固然更無法置身事外,從老一輩的荒木經惟與森山大道,到新一代的梅佳代蜷川實花,各有追捧者。近些年來更十分流行所謂小清新感覺的「日系相片」,Instagram上模仿的照片比比皆是,難道這才是新生代理解的「日本攝影」?八十後業餘攝影師周生,最近推出攝影集並舉辦展覽《日系照片》,開宗明義講明,在日本拍攝的照片,才是日系相片。

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低對比度、+1.5EV、偏青色,這些都是所謂日系相片的特色,在川內倫子、濱田英明、岩田俊介、橫浪修、小林紀晴等日本攝影師的作品中,不難發現這種淡然、明亮的拍攝風格。相片散發着一種恬靜氣息,令人有一種很舒服、悅目的感覺。月前在台灣攝影家張照堂《歲月之旅》的講座上,有年輕聽眾問他當下的攝影是否比以往更局限。其實局限的是人們自己的眼界,奈何社交平台上盡是千篇一律的照片,難怪會有如此疑問。

歸根究柢,這種風格的流行,大概因為港人「哈日」,又容易人云亦云,見到這種風格漂亮,難免想模仿。網上有大量指南教你拍攝日系照片,在東涌營造出東京的感覺,近幾年Instagram的流行有推波助瀾的作用,某些相機品牌更直接以此種風格作招徠。一時間,日系相片蔚為風潮。「其實荒木經惟或森山大道拍攝的都是日系照片,坊間也有很多人模仿,為何不能稱為日系相片呢? 」

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「旅行拍攝沒感情可言」

一言驚醒夢中人。其實在日本人眼中,並沒有所謂日系相片的說法,假若要談到日本攝影,卻非幾個關鍵詞能總結。反倒是在香港(台灣稱為小清新),這種說法相當流行,周生以地域性來定義這種風格,「我覺得在日本拍攝的就是日系相片,在香港模仿日系照片沒有意思,那種風土人情模仿不了。」

周生很喜歡日本,十多年來踏足逾廿次,反觀他在日本旅行拍攝的日系照片,沒有工整唯美的構圖,也沒有明亮柔和的色調,可說與坊間普遍定義的日系相片風格背道而馳。若仔細觀看他的照片,卻不難發現畫面中的趣味點,例如一片黑褲中的白褲、貼上假眼睛的後腦杓,看得出是刻意捕捉的詼諧畫面,如梅佳代的照片一樣戳中觀者的笑點。更何況,在攝影書中並排相似元素的照片,也加強了這種效果。

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「旅行拍攝到的東西其實有點走馬看花,沒甚麼感情可言。相反一個地方居住久了,才能產生一種親切感。」由十多年前購入Leica M6開始,他幾乎每天都會帶着相機,隨心所欲地拍攝,在大量按下快門之後,摸索出適合自己的snapshot拍攝方式。「攝影某程度上是個人性格的呈現,我份人好『求其』,很適合snapshot這種很casual的風格。」2017年,他出版了首本攝影集《旅行》,收錄在香港拍攝的趣味相片,將多年來對這城的觀察,透過相片呈現出來——熟悉的畫面,滑稽的瞬間,令人忍俊不禁,他稱之為港系照片。

由港系照片到日系照片,詼諧依舊、風格依然,改變的只是拍攝的地方,再次印證日系相片的地域性之說。

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「我覺得在日本拍攝的就是日系相片,在香港模仿日系照片沒有意思。」

《日系相片》攝影展

地址:西環保德街6-20號保基大廈地下5號舖.JPG 

日期:即日至110日(11am-6pm,星期三休息)

·原文見於果籽

蕭偉恒 多元攝影探討本土議題

香港藝術家蕭偉恒的錄像作品《打開大公報》,2018年獲得「香港人權藝術獎」冠軍,作品攝於2017年七一遊行,遊行隊伍途經灣仔國華大樓時,與《大公報》大屏幕的歡迎習近平訪港標語形成強烈對比。藝術家在定點位置拍攝路過的人群,然後利用電腦軟件處理成拉長畫面的效果,感覺就像運輸帶上慢慢移動的人群,象徵沒有終點的民主之路。

以狹縫掃瞄攝影的方法創作《打開大公報》,獲得2018年「香港人權藝術獎」冠軍。

由紀實攝影到多元拍攝手法
作品以狹縫掃描攝影(Slit-Scan Photography)的方法創作,2018年曾於黃竹坑The Hive Spring空間展出,與此同時,石硤尾的「JCCAC藝術節2018」展覽上,另一件作品《虛空中織人》亦以此手法創作。近幾年來,蕭偉恒一直以非傳統的攝影方式創作,從手翻書(flipbook)、熱敏紙到狹縫掃描攝影,他說:「攝影創作其實可以開放一些。」

《逐「綠」都市》

話雖如此,1986年出生的蕭偉恒,其實是從傳統的紀實攝影走過來。在城市大學修讀創意媒體期間,他跟隨老師兼資深攝影師吳文正,用兩年時間仔細記錄牛頭角下邨,「2009年舉辦《牛下開飯》展覽時,傳媒訪問的光環都給創作者,而不是屋邨的居民,感覺好似利用了他們。」

這讓他開始反思傳統的拍攝方法,慢慢嘗試以非紀實攝影及當代攝影的形式,繼續關注香港社會議題。2010年的畢業作品《X》以巨型全景照片拍攝城市景觀,同年尾的個展《逐「綠」都市》,用紅外線拍攝城市石屎森林中的樹木,突出香港正不斷消失的綠色空間。之後的《路邊·草》,以類型學的手法拍攝從香港不同地方收集的路邊植物,反映空氣污染問題,作品獲得2014年的WMA大師攝影獎。

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《捉不到的》以不斷轉動的影像,來呈現港人對解放軍營的模糊感覺。

生於斯長於斯,蕭偉恒十分關心香港,他嘗試從歷史、地理環境、空氣等議題重看這城,再通過攝影表達出來。2015年創作的作品《捉不到的》,他拍攝新圍、九龍塘、石崗、槍會山等幾個較近民居的解放軍軍營,每兩步距離拍攝一張照片,以30張照片為一組,安置在裝有摩打的裝置上,原理就像一本手翻書,當影像不斷轉動時,營造出一種模糊的動感。蕭偉恒以此來模擬在軍營外走來走去,卻永遠看不清楚的視覺經驗。

翌年的《顧客》系列,他向身邊多位朋友收集一年來的超市及便利店等生活單據,再將朋友肖像打印在拼湊的熱敏紙(thermal receipt)單據上,作品尺寸因應個人消費習慣的多少而定。熱敏紙會隨時間不斷褪色,因此肖像的印墨也深淺不一,令其成為一件不斷變化的作品。熱敏紙是很常見的垃圾,卻構成了一個人的身份,「它不單記錄了個人的消費行為,同時間也記錄了一個人的生活習慣。」

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《虛空中織人》同樣以狹縫掃瞄攝影方式創作,將十分鐘錄像轉換成七米長的幻燈片影像。

狹縫掃描攝影 「呈現生活壓迫」
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年開始創作的狹縫掃描攝影作品,更為他的作品帶來嶄新的呈現方式。以《虛空中織人》為例,他先是在灣仔天橋定點拍攝錄像10分鐘,再以每秒60格的方式提取畫面中的一條線/狹縫,編寫程式將其轉換成影像,感覺就像織冷衫,最後做成七米長的幻燈片影像,隨着摩打不停轉動。狹縫掃描攝影與速度、時間息息相關,移動的物體在畫面中會扭曲變形,越快的物體越扁、移動得越慢則會越闊。「這種感覺好像生活在都市裏的人,人人想在越短的時間做最多的東西,這種急促的感覺將人壓縮,呈現出生活上的壓迫。」

蕭偉恒覺得形式與內容的配合很重要,「靜態影像有其限制,不同的攝影方法能改變我們觀看事物的方法。」他說19世紀時,人們對待攝影的方式亦十分開放,身處影像氾濫的年代,攝影的定義其實應更廣闊,去探索更多可能性。

《熱X像》

疫情下,探熱成為新日常,啟發蕭偉恒創作《熱X像》。2021年,他曾參與WMA Space的聯合展覽,燈箱上放有多塊恍如骨牌的亞加力膠,膠片上是以紅外線熱成像測溫儀拍攝的頭像,以及寫有時間、溫度等數字。每個濃豔色彩的影像代表某個人的身分及資料,究竟這些數據資料何去何從?當數以百計的亞加力膠並列而排,很容易讓人聯想起「神主牌」,這場疫情埋葬的除了自由,還有私隱。

註:「JCCAC藝術節2018」展覽,2018年12月至2019年1月於JCCAC地下及1樓展出。原文見於果籽

2018年回顧 之 攝影書籍與雜誌

實不相瞞, 顯影 PhotogStory 這個專頁早在2014年已誕生,不過今年開始才較認真地經營,長長短短的文章,這年寫了近百篇(希望下年仍有此心力);與此同時亦搜羅了一堆攝影書、攝影雜誌及攝影集,連書櫃也塞滿了,以下就來介紹比較喜歡的一些吧。

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1.PROVOKE

今年是《PROVOKE》雜誌誕生五十週年,香港國際攝影節帶來《PROVOKE & BEYOND》及《中平卓馬》兩個精彩展覽,這套復刻版自然不能錯過。相關文章——PROVOKE》五十載 日本攝影的挑釁時代 / 策展人黃亞紀:《中平卓馬》是很可憐的人  / PROVOKE》外的別樣風景

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2.《攝影之聲》

台灣的《攝影之聲》(Voice of Photography)大概是華文世界裏做得最好也最學術的攝影雜誌,從不同途徑找到不同期數,如果大家知道哪裏可買到110期,煩請告知。

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3. Photography Is Art 攝影是藝術

《攝影是藝術》是香港唯一的攝影月刊,不過出版完12期後,月初也宣佈停刊了,雜誌有許多改善的地方,不過就此曇花一現,也是可惜。相關文章——黃曉亮 從回憶的黑白到彩色的當下 /  Catherine Opie 女性主義的風景 

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4.Lens視覺/目客/文景》

最喜歡的內地攝影雜誌,非常善於利用圖片來說故事。《Lens視覺》曾因報道敏感內容被停刊了,後來換成月刊《Lens文景》,之後又重新出版《Lens視覺》(多元話題)及《Lens目客》(特定話題)(相關新聞)。 

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5. KLACK

KLACK》攝影文化誌算是半年刊,創立於2010年,只出了四期,是我很喜歡的雜誌。很多謝Ki Wong贈送了其中兩本,才能夠齊集一套。

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6. 《麻雀》

《麻雀》算是同人誌,由黃勤帶、岑允逸、楊德銘、趙嘉榮等人組成,2009年推出第一期,第二期開始有余偉健加入,共出版了三期。早幾年在觀塘The Salt Yard畫廊看過,上月在JCCAC的攝影書藝墟重遇,便想買下。

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7. 《紅色新聞兵》&《東方照相館》

李振盛先生的《紅色新聞兵》是文革的最好見證,《東方照相館》則介紹了十九世紀來中國及香港拍攝的西方攝影師。 相關文章——被埋藏的菲林 重現文革荒唐

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8.  《探》(Trek&HKG

兩本書都由本地獨立出版社 brownie publishing 出版, 陳的《探》以唯美手法拍攝人體器官,余偉健《HKG》收錄回歸後的精彩照片。相關文章—— 陳的 解剖室窺探人體奧妙美聯社攝記紀錄回歸前後歲月

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9.《侷住》& 《在非在》

 侷住》是兩年前的展覽了,是本地攝影師Benny Lam拍攝劏房及籠屋的作品;今年在文化中心看《囚——更生人士圖文展》重遇此書,於是買下。《在非在》是本地藝術家殷家樑( Studio Yan Kallen)與法國藝術家Michel Eisenlohr分別拍攝香港的作品。相關文章——法國x香港:跨文化攝影展一座城市兩種景觀

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 1080+ 快樂是……》&《皇后旅館》

攝影師吳華拍攝5080歲的老人,結集成書《80+ 快樂是……》;《皇后旅館》是黃勤帶拍攝香港及澳門回歸前三十年的光影。為什麼放在一起?或者都有一種舊香港的感覺吧。 相關文章——what-is-happiness80老友記的快樂告白

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11 《遊目記》/《孤獨的中國》/《傘托邦——香港雨傘運動的日與夜》/CAN影像誌》/《微暗行星》

這幾本書是訪問廖偉棠時贈送,見到《CAN影像誌》時我如獲至寶,雜誌在2007年開始以幾乎一年一期共出版了四期,內容關於教育、勞工等議題。相關文章——廖偉棠 : 用詩意告別森山大道

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12Manifesto

法國攝影師Antoine dAgata是今年最喜歡的訪問及故事,這位吸毒四十年的癮君子,面對面交談時是個很隨和、很真誠的人,只是不說話時顯得有點抑鬱。相關文章——攝影是我毒癮的救贖

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13We Are Like Air

從女傭成為攝影師,Xyza Cruz Bacani本身的故事就很鼓舞,看書名以為是對外傭問題的控訴,其實更多是她個人的故事,再去反思僱主與外傭的關係。相關文章——女傭變攝影師-Xyza:家庭傭工就像空氣

從舖頭貓到車房犬 記錄香港地道生活

過去兩年,居港荷蘭攝影師Marcel Heijnen先後出版《香港舖頭貓》與《香港街市貓》攝影集,因而被人冠以「貓貓攝影師」的稱號,「許多人以為我只拍攝貓,其實我也拍攝其他作品。」當年吸引他來香港從事攝影的,其實是這城中西結合的文化背景,沒想到在老店遇上了貓貓,又在車房見到了狗隻,最近還推出攝影集《香港車房犬》(Hong Kong Garage Dogs),成為一名「寵物攝影師」。

Marcel從未養過狗,反而貓咪自小陪伴他成長,可說是資深貓奴。原本身為設計師的他,九十年代初移居亞洲,先後在新加坡及香港生活,生活上都有貓咪的蹤影。2008年,他辭去全職工作,嘗試成為一名攝影師。那時候他開始創作《Residue》系列,利用玻璃的反光拍攝城市面貌,「相比起新加坡的過份整潔,我覺得香港更真實,更加上鏡(photogenic)。」三年前他重返香港,最初他尚未養貓,幸好居住的西營盤及上環一帶,許多老店街市及大街小巷,到處有貓貓蹤迹。

在歐洲及亞洲生活過,Marcel說從未見過一個城市有如此多舖頭貓,香港人大概早已習以為常,不過這樣的畫面對他而言卻相當有趣。有次他見到一隻可愛的貓咪,便順手用電話拍下,沒想到照片在社交平台上獲得很好迴響。經常在該區遊走,Marcel很快與幾隻貓咪熟稔,一隻又一隻,一間又一間,於是他慢慢越拍越多,甚至有出版商建議他出攝影集。最初拍攝時,他並沒細分舖頭貓與街市貓,後來隨着照片越來越多,才分別有了《香港舖頭貓》(Hong Kong Shop Cats)與《香港街市貓》(Hong Kong Market Cats)。

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舖頭貓柔情 車房犬陽剛

當初拍攝貓咪時,曾有人問他會否拍攝狗隻,可他卻從未在店舖見過。去年《香港舖頭貓》再版,他不時要去柴灣的印刷廠,該區有許多車房,當他拍攝了第一張車房犬後,心想或者可以創作成新的系列作品。同樣地,照片再次在社交平台有很好反應,許多人留言建議他到不同地區拍攝。隨後的一年多,Marcel在筲箕灣、大角嘴、土瓜灣、錦田的車房拍攝,有時甚至要去兩三次,才能拍攝到想要的畫面。「市區的狗隻都比較友善,像新界鄉村的車房都很大,那裏的狗隻都較惡,會令人覺得有點膽怯,我通常都會保持距離,也沒有被咬過。」


如果你有留意他拍攝貓咪的作品,會發現貓咪總是藏身在店舖的不同地方,往往未能立即發現其身影,然而狗隻總是睡在地上,很容易發現。相比起身形細小的貓咪,他覺得狗狗更難拍攝,「貓通常只是坐在那裏,狗則會走來走去。」如果說貓咪是柔情的動物,那麼狗隻與車房,感覺卻陽剛得多,他邀來新加坡詩人謝淑雲(Grace Chia)寫俳句,代入狗隻心聲,令照片更有閱讀效果。Marcel十分注重畫面的環境,也很喜歡拍攝狗隻與主人的互動,令畫面更有趣味。「我想利用動物作為共同的元素,記錄香港的地道生活。」

·原文見於果籽

光影與角度之魅 Ralph Gibson

Eugene Smith的照片是反映社會的不公平、Ansel Adams風景照片重新定義壯觀與層次感、布列松的決定性瞬間影響無數後來者⋯⋯每位偉大攝影師都總有令人喜歡的理由,美國攝影師Ralph Gibson之所以備受讚賞,除了因為他將光影與構圖的美感發揮至極,還在於他將照片轉化為一種視覺符號。

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海軍攝影師

Ralph Gibson的攝影之路很偶然,十七歲時加入美國海軍,利用閒暇時間學習攝影,並成為海軍攝影師(Photographer’s Mate)。結束海軍生涯後,他旋即入讀San Francisco Art Institute攝影系,這時他的攝影技巧已相當純熟,當時還成為著名女攝影家Dorothea Lange助手,得以近距離觀察她的攝影創作。1962年在畢業後,他成為一名自由攝影師,及後也曾協助另一著名攝影師Robert Frank拍電影。他也當過攝影記者,但很快發現自己並非想透過攝影講述新聞事件,而是敘述個人想法,於是他拍攝女性胴體,利用強烈對比的光影線條,在作品中講述自己的想法。

商業頭腦

能跟隨大師學習,誠然是的幸運,但他並沒迷失在前輩的思想裡,他的成功更多是因為他獨特的風格,以及懂得向世人展示自己作品的生意頭腦。1969年,他與Robert Frank分道揚鑣後,在紐約成立出版公司Lustrum Press,接著數年裡,連續出版《The Somnambulist》、《Deja-Vu》和《Days at Sea》三本攝影集。這三部曲不但令更多人認識其作品,他的出版生意也有聲有色,可謂名利雙收。除了自己作品,他也幫前輩Robert Frank、好友Mary Ellen Mark及名不見經傳的新人出版攝影集,還發行黑白攝影教科書,這種營商頭腦是其他攝影大師所沒有的。

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高反差的局部符號

Ralph Gibson的作品以黑白、高反差及局部化的處理手法見稱,充滿豐富的視覺元素,錯位的畫面、嫵媚的女性、強烈的光暗對比,牽扯著觀眾的情緒,看似神秘又頗有超現實主義意味。他善於捕捉局部及不為人注意的細節,儘管作品多以女性為主角,但似乎很難將其歸類為人像攝影,更多地反而是攝影師思緒和感覺的反映。他說自己不太理會相機如何看事物,最重要是透過它看到自己看東西的方式。對他而言,攝影是一種視覺上的選取及裁切,去除人物的主要表情和動作,再以高反差的形式將剩下的身體視覺轉化為一種符號,營造出更多的想像空間。

Ralph Gibson攝影集《Nude》可於「顯影·書櫃」購買。

女傭變攝影師 Xyza:家庭傭工就像空氣

「活着如風」,多麼有詩意的字句,然而放諸家庭傭工議題,卻份外顯得諷刺。「家庭傭工就像空氣,很重要卻看不見,呼吸着卻很易被忽視。」WMA委託計劃得主、31歲的Xyza Cruz Bacani也曾在港當女傭,在她的家鄉菲律賓,海外傭工被稱為「新英雄」,但許多女傭來到香港,卻成為了隱形人。熱愛攝影的她三年前決定當一名自由攝影師,作品聚焦移民及人權等議題,最近她舉辦展覽及發佈新書,名字正是「活著如風」(We Are Like Air)。

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展覽現場放着一堆小盆栽,圍繞着盆摘的是Xyza家人的照片。

慶幸僱主借錢買相機

展覽現場放着一堆小盆栽,提醒人們呼吸是甚麼,圍繞着盆栽的是她家庭的照片,媽媽為了賺錢養家庭,在她9歲時來港做家庭傭工,19歲那年她也來港踏上女傭之路。香港現約有37萬家庭傭工,當中大半是母親,骨肉分離的故事幾乎每日重複上演,香港是這些「新英雄」的悲情城市。「所有的問題都是從自己的國家開始,一個媽媽如果能生存,是永遠不會離開自己的孩子的。」

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有人說,家庭傭工是僱員以上、家人未滿,Xyza慶幸自己與媽媽共同為一個富裕家庭工作,與僱主雷太太的關係也十分融洽,當年正是她借錢給自己買相機,令她踏上攝影之路,成為攝影師後,雷太太還僱用了她弟弟。在香港工作近十年,她也明白女傭們的處境,「最常見的還是空間問題,這也是所有香港人面對的問題。」香港人居住面積細小,許多女傭被迫要睡地上甚至廁所,有些好心僱主願意為她們另覓住處,但礙於違反外傭留宿政策,也是無可奈何——展覽現場角落的一張地鋪,直指這個難題。

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更離譜的,還有如幾年前Erwiana一樣的被虐待事件,其前僱主羅允彤最近提早獲釋,Xyza說起仍帶着失望與不忿。儘管如此,她覺得香港的家庭傭工狀況仍有循序漸進(baby steps)的改善,最新的外傭工資是4,520港元,這是她們在家鄉的兩至三倍工資,加上香港人口老化,對家庭傭工的需求也越來越大,許多政策其實都應與時並進。

 

Josefa為兩代人湊女

別誤會,「活著如風」其實並非對外傭問題的控訴,而是透過記錄家庭傭工的生活面貌,去令人關注及反思僱主與外傭的關係。Xyza曾在紐約、新加坡及阿布扎比等地拍攝人權及移民議題,關於香港家庭傭工的作品,她早於2014年已開始拍攝,把鏡頭對準她們的喜怒哀樂,不過這次展覽她更想呈現的,不僅女傭與僱主的關係,還有她們與家人的細膩情感。其中一個最令她感動的故事是JosefaAdaJosefaAda年幼一直照顧她至成長,直至她結婚後退休回鄉,兩年前Ada誕下女兒,Josefa又在來港照顧Ada女兒,更視她為自己的小孫女。不僅如此,她還跟隨某些拍攝對象,回到她們的家鄉拍攝,去呈現兩種不同的生活,展覽現場展示了她們與家人的親密來往信件。

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Josefa曾照顧年幼的Ada,現又照顧Ada的女兒。Xyza媽媽為每張展覽照片寫上文字。

她說最難忘也最有挑戰的,是拍攝自己的家庭,將辛酸往事告諸世人。Xyza年輕時曾覺得媽媽遺棄了她們,直到自己來香港做女傭,才明白她的悲戚。「爸爸媽媽結婚32年了,最初他去沙地阿拉伯當建築工人,回到家鄉時,媽媽又到新加坡及香港工作,為的都是照料這個家庭。這麼多年來,他們一直聚少離多,卻仍然愛對方。 」最初她拿起相機,也是想把香港的面貌拍攝下來,展示給從不休息的媽媽看,也因為她,Xyza成為了一名全職攝影師。

 

《活著如風》攝影展

日期:即日20日(10am-6pm

地點:香港藝術中心三樓實驗畫廊

·原文見於果籽

人造風景 Edward Burtynsky

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加拿大攝影師Edward Burtynsky以拍攝受工業摧殘但卻美得令人難以忘懷的景色照片而聞名,他與風景攝影師Ansel Adams一樣追求細節,但他所呈現的不是風景的層次,而是工業化遺留下來人造風景的震撼。他認為攝影是一種沉澱的過程,而不是攝影師Henri Bresson所推崇的決定性瞬間,以精采取勝。在他看來,美麗風景的背後應該有所啟發,他的一系列人造風景照片,正是他所提出的人類反思。

成長於加拿大,現年66歲的Edward Burtynsky自小被雪國冰封千里的風光吸引,父親喜歡戶外運動,令他從小有許多接觸大自然的機會。啟發於自然,他常常有這樣的感觸:在滄茫天地間,人類只是渺小過客。11歲時,父親買來一間黑房,耳濡目染下,他學懂了如何沖曬黑白照片,之後在大學修讀視覺藝術及攝影。拍攝過肖像照,也定格過許多美麗風景,照片雖然漂亮,但他卻總覺得畫面裡若有所缺,他不想自己的作品被視為月曆照片或電腦桌面照片,所以一直思考自己的拍攝思路。有次在美國賓州看到荒廢的礦場,偌大的場景空無一人,看起來像超現實場景,他有所領悟,開始尋找類似被人類力量改造的工業風景,從北美洲到亞洲,拍攝令人難以置信的大型工業足跡,至今近四十年。

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工業化的代價

Edward Burtynsky的作品常以高角度拍攝,拍攝時通常使用升降機或直升機、定翼飛機,畫面中充滿相同的元素,有時是機械、有時是工人,放眼望去盡是人為的工業風景,畫面看起來雖然很美,但卻令人有種窒息的感覺。他想呈現給觀眾身臨其境的感覺,明白到人類正是這種風景的締造者,是大自然的破壞者,那一望無垠的礦場與荒地,都是人類發展的代價。有次他拍攝一間廢舊輪胎廠,那裡有4,500萬個舊輪胎,這是駕駛汽車的他所無法預料的。

早期的作品受Ansel AdamsEdward Weston等攝影大師影響,為自然景色的壯觀而着迷,現在的他似乎是在為人類的行為向自然表達歉意,他希望觀眾能感受到拍攝的感受,促使社會進行思考。之後他逐漸將目光放眼全世界,頻繁地在世界各地的工業足跡間探險,孟加拉的拆船廠、中國內地的煤礦基地及電子垃圾村等等。他說自己並非在美化或責備工業化,而是希望自己以照片令更多人關注永續發展這一議題。他明白,傷害自然,最終傷害的只是人類自己。

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人造風景

Edward Burtynsky在世界各地拍攝工業風景,最令他難忘的肯定是中國,這個迅速發展的人口大國,在城市化的過程中留下了巨大的傷疤,為追求發展、眼前利益付出了沉重代價:三峽大壩工程令百萬人進行大遷徙、電子垃圾村莊的人民每天與致命金屬為伴,成千上萬的高樓大廈取代了老房屋。攝影師多次到中國內地拍攝,以鏡頭拍攝下一系列動人心魄的畫面,整個拍攝過程也被拍攝成紀錄片《人造風景》(Manufactured Landscapes),告訴世人要懂得反省,因為這不是關乎中國人,也關係到全世界的人。

Catherine Opie 女性主義的風景

提起加州的優勝美地國家公園(Yosemite National Park),腦海中自然閃過已故美國攝影師Ansel Adams的黑白照片,恢宏壯觀而層次分明,在攝影界更幾乎將其劃上等號。美國藝術家Catherine Opie拍攝的優勝美地,偏偏與壯觀之美背道而馳,以模糊失焦的局部畫面帶來新的觀看方式,一幅看似女性陰道的瀑布大特寫照片折射出彩虹,這位長期拍攝性小眾文化的同志藝術家,決意來顛覆長久以來由男性主導的風景世界,用嶄新的敘事方式來呈現風景攝影。

Ansel Adams生前多次在優勝美地拍攝,長年累月的拍攝早已建立起一套獨特的視覺語言——峭壁與瀑布、巨石與杉樹,顯得十分壯觀美麗。「我人生大部份時間住在加州,12歲時第一次去優勝美地,之後也多次重遊,對當地人來講,這個地方是很有地標性。」57歲的Catherine月前在中環立木畫廊舉辦展覽《So Long As They Are Wild》時,說起與這個世界自然遺產的淵源。

大學時認識Ansel Adams的作品,她認為那些充滿細節與美感的照片,隨著影像的廣為人知,已漸漸成為一種既定印象。三年前,她受邀拍攝優勝美地,以失焦的方法來拍攝,顛覆傳統風景照片的風光旖旎。「當畫面模糊不清時,影像會變得抽象,觀眾需要更加用心去觀看。」尤其影像氾濫的年代,大家瀏覽照片的速度越來越快,卻很少人去認真思考影像背後的意義。

Catherine Opie以一系列風景照片來做隱喻,可她坦言許多人包括媽媽在內,並不喜歡這樣的作品,「因為我們總喜歡看到熟悉的畫面,總假設自己很了解一件事情,而沒有用心去感受。」她憶述拍攝時的情景,許多遊客走馬看花般拍攝完照片就走,結果社交網絡的照片幾乎都如出一轍,相反Catherine用了兩個星期來觀察及拍攝,感受所處的環境,最後以大特寫來拍攝瀑布,而那看似陰道的瀑布,在在反映出其女性主義的切入點。

為性小眾發聲

今次展覽的作品看似隱晦,難免令人覺得她是個抽象的藝術家,其實她向來以直接、真實的攝影風格見稱,在保守的八十、九十年代,拍攝自己及性小眾朋友的照片。1991年拍攝的《Being and Having》,她特寫拍攝黏上假鬍鬚的朋友,在黃色的背景下製造一種陽剛的氣質;之後在1993年至1997年拍攝的《Portraits》系列,同樣為性小眾發聲,用鮮豔的背景來拍攝同性戀群體,反襯出他/她們在日常的隱蔽。

最為人熟悉的應是她的自拍系列,1993年拍攝的《Self Portrait/Cutting》,在背部𠝹了兩個身穿裙子的火柴人與小屋,表達出同性戀人的掙扎與期望;一年後的《Self Portrait/Pervert》,她戴上SM頭套、雙臂插滿刺針、胸前𠝹了紅色「Pervert」的標記,因同性戀當時被視為一種變態的行為。相比起舊作的一針見血,這次以風景來做隱喻,自然顯得比較subtle,「傳統的風景攝影追求細節,很宏偉也很陽剛,我的照片嘗試與Ansel Adams的作品產生一種對話,提供一種新的方式去看國家公園以及這個世界。」

《Self Portrait/Pervert》&《Self Portrait/Cutting》
 

同場還首度展出的陶瓷雕塑,將泥土印壓在樹皮,創作成樹根形狀,上釉後在窯中燒製而成。這些形狀奇特的雕塑與優勝美地的攝影作品形成強烈對比,似乎象徵著被燒毀或砍伐的樹木,藉此表達出大自然的脆弱。近年特朗普政府積極開採石油,在加州等地進行石油勘探,更尋求放寬石油開採區,對環境帶來極大影響。Catherine以個人觀念融入大自然風景,與巴西攝影師Sebastião Salgado一樣,通過作品來展現地球的脆弱,促使人們意識到保護大自然的重要性。

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訪問期間她還分享了《The Given Tree》(愛心樹)這則童話故事,故事中的小男孩長大後不斷向樹索求,可樹卻建議男孩把樹上的蘋果摘去賣錢、斬下樹枝蓋房子、砍伐樹幹造船,以覓得歡樂。這故事簡單但寓意深遠。Catherine不僅以藝術來發言,自己也身體力行教育下一代去保護環境,甚至捐錢給予環保組織,避免像《The Given Tree》的男孩一樣重蹈覆轍。

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最有影響力的女攝影師 Annie Leibovitz

“What’s the photographer’s life? It’s a life looking through your lens.”

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keith Haring

在男性為主導的攝影世界裡,女攝影師要闖出一片天確實不容易,但一位美國女性的出現似乎改寫這個局面。她以搖滾攝影起家,替無數名人拍攝一張又一張深邃、傳神的照片,她是美國流行文化的見證者,在攝影界舉足輕重,更被喻為二十世紀末最具影響力的女性攝影師。她,就是Annie Leibovitz

 

與《Rolling Stone》結緣

1949年,Annie Leibovitz生於美國康涅狄格州,爸爸是美國空軍中校,由於爸爸任務分配的關係,小時候她總是跟著爸媽不停搬家,很多日子都是在車上渡過。久而久之,車前的擋風玻璃就成為她的觀景窗,透過車窗去捕捉不同的風景,這也是她最早的攝影回憶,為日後的攝影工作埋下伏筆。1967年,她入讀San Francisco Art Institute學習繪畫,大學二年及三年級時,她曾到以色列的集體農場kibbutz,那時的男友訂閱剛創刊的《Rolling Stone》雜誌,她每期必讀。

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英女皇

1970年回到美國後,她帶著拍攝反越戰示威及在以色列拍攝的照片前往雜誌辦公室,結果其中一張反越戰照片成為雜誌封面。由此也正式展開近半世紀的攝影生涯,當時她拍攝的第一個封面人物,正是John Lennon,當時他剛解散The Beatles樂隊。別忘記,當年Annie Leibovitz年僅21歲,還是個大學生。短短三年時間,她便成為雜誌首席攝影師,並跟隨滾石樂隊巡迴演出,拍下許多精彩照片。1983年,她離職到《Vanity Fair》雜誌當首席攝影師,且長期為《Vogue》等雜誌拍攝,多年來她鏡頭下的名人多不勝數,也曾為前美國總統George W. Bush、英女皇等人拍攝。

John Lennon的最後照片

任職《Rolling Stone13年期間,拍下不少珍貴照片,當中最著名的,就是19811月份John Lennon與小野洋子的封面照片。1980128日,她來到二人位於紐約的住所,當時他們剛完成新專輯Double Fantasy》,所以同意雜誌拍攝。原本只想拍攝Lennon一人,但他堅持小野洋子也要出現在封面上,Annie想起二人在1968年推出的實驗性專輯《Unfinished Music No. 1: Two Virgins》,當時他們正是全裸出鏡,於是提出全裸的建議。

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洋子拒絕提議,說她只能接受脫掉上衣,Annie於是叫洋子維持原有造型,而Lennon則除去衣服,以蜷縮的姿態緊抱洋子,嘗試好幾個擁抱及親吻的動作。當見到Lennon側吻小野洋子那一瞬間,Annie敏捷地捕捉畫面,當時三人望著那張寶麗來照片均非常興奮,Lennon更說照片準確捕捉二人關係。

不幸的是,五小時後,Lennon在公寓前遭受瘋狂歌迷Mark David Chapman槍殺身亡,而這張被美國雜誌協會評為過去四十年最佳雜誌封面的相片,也成為John Lennon的最後公開照片。至於最後被拍攝到的照片,則出自歌迷Paul Goresh之手,他在Lennon離開寓所時曾拍攝到Lennon為兇手Chapman簽名,為這個舉世震驚的消息再添悲劇意味。

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Louis Vuitton廣告

風格多變

Annie Leibovitz以時尚及名人攝影為人所知,其實她也拍攝過戰爭及示威等,走進盧旺達、波斯尼亞等地方拍攝戰火中的女性。他早期受Robert FrankHenri Cartier-Bresson影像,對紀實攝影深感興趣,後來慢慢也受到Richard AvedonIrving PennHelmut Newton等時尚攝影師的影響。她的風格很難概括,她的構圖及燈光佈置總是很華美,也非常善於拍攝大場面。仔細看她的作品,會發覺她有女性特殊的洞悉力,透過細心的觀察和瞭解,去捕捉人物的另外一面,所以她鏡頭下的人物照片,總是很有感染力,這也是她有別於甚至超越一般商業攝影之處。

靈魂知己

人生有一知己已無憾,而的那位,就是評論家及作家桑塔格(Susan Sontag1989年,當時應邀為桑塔格拍攝書籍封面,儘管年紀相差十多歲,然而相似的生命歷程卻令二人份外投契,於是漸漸超越朋友層次,成為知己。當1998年桑塔格患上癌症時,立即放下所有工作,陪她到約旦旅行,期間拍下她最喜歡的一張照片。隨後幾年,她用鏡頭紀錄桑塔格這位靈魂知己的動人身影,桑塔格2004年離世後,曾展出這些照片,她說桑塔格的照片雖展現了死亡的殘酷,也呈現出無比的勇氣,更引述桑塔格生前的告誡——藝術應該超越個人情感——而這,也是二人的生命歷程。

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