法國攝影師Jean-Baptiste Millot的夢幻巴黎拱廊街

雖然巴黎拱廊街 (Passages couverts de Paris) 不及羅浮宮、凱旋門等地標廣為人知,但身處其中,就如穿越至19世紀的夢幻舊花都。法國攝影師Jean-Baptiste Millot以其朦朧而詩意的鏡頭,拍攝拱廊街的迷人細節,如泛黃的街燈、玻璃穹頂、美輪美奐的裝飾等,就如巴黎版的「繁花」。

生於1967年的Millot是一名出色的人像攝影師,曾為郎朗、坂本龍一等著名音樂家拍攝肖像。在《Les Passages Parisiens》這系列作品中,他同樣以細膩拍攝巴黎拱廊街的優雅面貌,藉著獨特光影及鏡面反射效果,以夢幻的色調呈現出拱廊街的動感與魅力。

Passage Saint-Bernard, 2014 © Jean-Baptiste Millot

拱廊街充滿歷史底蘊,在19世紀上半葉曾非常流行,高峰時曾有逾180條,後來因下半葉「巴黎改造」而大幅減少,至今僅剩下20多條,零散地座落在塞納河右岸。身處拱廊街就如置身時光隧道,結合新古典主義和新藝術(Art Nouveau)風格的建築物,自然光線透過玻璃穹頂輕灑在馬賽克地磚,加上其富麗堂皇的典雅裝飾,印證著那個美好年代(Belle Époque)。

PARISIAN PASSAGES by Jean-Baptiste Millot is an exquisite photography exhibition featuring the exquisite glass-covered shopping arcades that debuted in 19th-century Paris. These passages weaved gracefully through the bustling city, leaving a lasting imprint on its culture, art, and architecture. 

Steeped in history, the Parisian passages are a treasure trove of the past. Its architecture showcases a blend of neoclassical, Art Nouveau, and Belle Époque styles, exuding an air of elegance and sophistication of its time. Each passage boasts distinctive architectural traits, showcasing the craftsmanship and meticulousness of the era. 

穿越夢幻舊巴黎時光 法國攝影師Jean-Baptiste Millot鏡頭下的巴黎拱廊街

The passages offer a unique historical perspective, enclosed in covered walkways, adorned with mosaic floors, and bathed in enchanting light. The ornate decorations, rich historical significance, eclectic array of shops, and architectural diversity create a charming and poetic atmosphere. 

Millot skillfully captures the passages’ timeless allure, using light and mirrors to create a unique visual experience. 

Parisian Passages
Exhibition period: From 21 May 2024, 11am-7pm (Tuesday to Sunday)
Venue: f22 foto space, Shops BW11 & BW13, The Peninsula Hotel, Tsim Sha Tsui.

Images Credit to @f22 foto space

同一沙丘 兩種靈感

改編自美國作家Frank Herbert同名小說的太空科幻電影《沙丘瀚戰》(Dune),上映以來引起不少關注,現時全球票房逾三億美金,電影公司日前宣布明年拍攝續集《Dune: Part Two》,預計2023年正式上映。關於《Dune》的小說背景及電影情節就不再贅述,無巧不成書,這段時間相繼在香港看過兩個關於沙丘的展覽,一位是香港建築師及攝影師Justin Hui,另一位是最近重返香港居住的澳洲攝影師Palani Mohan,他們不約而同都把鏡頭對準阿拉伯半島的沙丘。

說起著名的沙丘作品,自然不得不提日本攝影師植田正治拍攝的鳥取沙丘,還有美國攝影師Edward Weston在加州拍攝的Oceano Dunes,而Justin及Palani拍攝的這個沙丘名為魯卜哈利沙漠(Rub’ al Khali),也稱Empty Quarter,因面積佔阿拉伯半島四分之一而得名,是世上最大的沙丘沙漠。

身處一望無際的沙漠,人類顯得十分渺小,Justin選擇在日落時分拍攝沙丘,斜陽的光線在不同形狀的沙丘表面留下獨特的光影,凸顯出沙丘的輪廓與線條,與Edward Weston在加州拍攝的Oceano Dunes有幾分相似。高反差的光影效果令照片顯得超現實,同時充滿想像空間,正如Justin所說,the desert is a meditation into the vast unknown。

At Last Light by Justin Hui

The long-awaited epic sci-fi film, “Dune,” adapted from Frank Herbert’s novel, reminds me of Hong Kong architect and photographer Justin Hui’s Dune images.

The photos were taken in Rub’ al Khali Desert, also known as the Empty Quarter. It is named because it covers a quarter of the Arabian Peninsula and is the largest dune desert in the world. Justin photographed the dunes at sunset. The rays of the setting sun leave unique light and shadow on the surface of the dunes, highlighting the contours and lines of the dunes. The high-contrast light and shadow effects make the photos quite surreal and imaginative. Humans seem tiny in such an endless dune, and the desert is a meditation into the vast unknown.

Sand Trails by Palani Mohan

攝影師Palani Mohan過去兩年曾在阿聯酋居住,也被這片一望無盡的沙漠吸引,用很多時間拍攝壯觀的沙丘。有天早上,他在沙地阿拉伯與阿聯酋邊界的沙漠上發現動物的足跡,細小的腳印有規律地延續,恍如大自然的藝術。

他從博物學家口中得知,這些足跡既有鳥類、昆蟲,也有避日蛛(Camel Spider)、沙漠壁虎(Gecho)及蛇等,祂們只會在夜晚的沙丘上活動,留下不同形狀及節奏的腳印,然後在日出之前鑽進沙子裏,以避過白天超過50度的高溫。在沙漠的風吹之下,這些足跡可能很快就會消失得無影無蹤,然而翌晨又會出現不盡相同的足跡,不同足跡有時更會交織在一起,令人好奇發生過甚麼事情。攝影師除了耐心及細心去觀察、尋找,也需要運氣,他還幸運地看見一隻「晨運」的沙漠壁虎,為廣闊無邊的沙漠畫布添上微細的足跡。

Sand Trails by Palani Mohan

Photographer Palani Mohan has lived in the UAE for the past two years and was also attracted by this endless desert, spending a lot of time photographing the spectacular dunes. One morning, he found tiny animal footprints in the desert. The continued regular footmarks are just like the art of nature.

Palani learned from naturalists that these footprints included birds, insects, Camel Spiders, Desert Gecho, snakes, etc. They usually appear on the dunes at night and get into the sand before sunrise to avoid the high temperature of over 50 degrees during the day,  leaving rhythmic footprints with different shapes.

These footprints may soon disappear without a trace under the wind blow. However, there will be different footprints the following day, and the footmarks are sometimes intertwined, making people wonder what happened.  In addition to being patient and careful to observe their traces, the photographer also needs luck. Yet, he was lucky enough to see a desert gecko in the morning, adding subtle footprints to the vast expanse of desert canvas.

Sand Trails and Storm Clouds

Date: From Now On

Time: 10:30-19:30 (open daily)

Venue: f22 foto space, Shops BW11&13, The Peninsula Hotel

·歡迎追蹤「顯影」IG(https://www.instagram.com/photogstory/)及透過Payme( payme.hsbc/photogstory )支持「顯影」繼續攝影寫作及網站運作。

The nostalgic Hong Kong: Long Shadow by James Chung

Hong Kong, in the 1950s and 1960s, has an unadorned beauty. There were not many skyscrapers around, and sunlight always left long shadows on the streets and pedestrians. The late photographer James Chung (鍾文略, 1925-2018) once captured that era’s exquisiteness and aesthetic. The exhibition “Long Shadow-James Chung” is like wandering in Hong Kong’s past, immerse yourself in the beautiful light and shadow.

Under the Windows, North Point, 1958

When James Chung came to Hong Kong from Guangdong in 1947, his grandmother gave him two gold bars. According to his eldest son Stanley’s recollection, he exchanged gold bars to work as a movie advertisement apprentice in the theater. He was often exposed to celebrity images, and that spark his interest in photography. 

James Chung bought his first camera in 1957. After the store clerk explained the basic knowledge of aperture and shutter, he immediately rushed to the Zoological and Botanical Gardens. He photographed the shiny lotus flower under the sunlight, and it became his iconic work in early times. Unexpectedly, the image is quite exquisite and published in newspapers and magazines. He bought more film and photographic paper with the remuneration to continue his hobby.

Let There Be Light, Wan Chai, 1957

As an apprentice of movie poster painter, he often stayed in the cinema, which allowed him to observe the light differently. Sometimes the theater staff raised dust when cleaning, and it looks stunning under the sunlight streaming through the windows.  Although James was new to photography, he has a unique sense of light and shadow. According to Stanley’s recollection, he always has artistic visions. Benefit from his painting and woodcarving experience in his early years. He created his extraordinary skills in photography.

Although living conditions in the 1950s and 1960s were difficult, he still insisted on photographing every day. Sometimes, he pawned the camera to buy photographic paper and then used the prize money from the photography competition to redeem the camera. What made James determined to devote himself to photography was his participation in the newspaper’s Photography Competition in 1958. He went out early to take pictures every day and carry a camera even on duty.

Gaze, Kowloon Tsai, 1958

There was a time when his job was to whitewashed a school’s walls. He took pictures of the building in his spare time and later invited his wife and classmate to model inside the school. He captured a triangular pattern from the bottom of the building. The stunning image won a camera in the contest, which significantly strengthened his confidence and continued to improve his photography skills through the competitions.

New Frontier, Kwun Tong, 1962

In 1963, under the introduction of director Li Han-Hsiang, he worked for a film studio. His job was to create movie stills and actors’ portraits, preserving visual memories for many filmmakers. After that, he founded a photo studio in 1968 to engage in the photography and printing business until he retired in 1991. During the most exciting 30 years of his life, photography has been inseparable. 

Long Shadow-James Chung

Date: until 2021.01.31

Time: 10:30am-7:30pm

Site: f22 foto space, Shop W16 & W18, The Peninsula Arcade

Photo Courtesy of f22 foto space

鍾文略  舊香港的長影 

1950及1960年代的香港,是生活質樸的純真時代,周圍沒有太多高樓大廈,陽光總能為街道及行人留下長長的影子。已故攝影師鍾文略(1925-2018)曾為那個年代的香港留下倩影,展覽《長影——鍾文略》就如漫遊在一段香江往事,令人沉浸在美麗的光影之中。

鍾文略在1947年從廣東新會來到香港時,奶奶曾給他兩條金條以備不時之需,根據他長子鍾易理憶述,「當時他以金條換取美術老師的教導,在戲院當美術廣告畫學徒,包食包住。」八年之後,他轉到灣仔國民戲院工作,當時正值粵語片時代,除了換電影廣告畫之外,平時算是清閒,他因工作時接觸到明星相片,對攝影萌生興趣。

鍾文略1957年開始攝影,拍攝下這幅早期代表作《花中君子》。

以戰養戰 贏獎金買菲林

當時完全不懂攝影的他,在1957年買下第一部相機,相機舖店員向他解釋光圈、快門及景深等基本知識後,他立刻帶着相機前往兵頭花園,見到陽光照射下水池中的蓮花泛起金光,拍攝出早期的代表作《花中君子》。當時他對照片並沒有太高期望,想不到沖曬出來的照片畫面精緻,更獲報紙雜誌刊登,於是拿着稿費購買更多菲林、相紙,開始「以戰養戰」的興趣。

戲院員工打掃時揚起的塵埃,在陽光下非常唯美。

留在戲院的時間,讓他得以觀察不同時分的光線,戲院員工打掃時揚起的塵埃,在透過窗戶投射的陽光之下,寫實得來也非常唯美。當時他雖然剛接觸攝影,但由此可見他對光影已有獨特觸覺。「爸爸是很有藝術美感的人,早年在鄉下已喜歡做木雕,加上多年的繪畫經驗,造就他過人的攝影功力。」

讓鍾文略決意投身攝影事業想法的,是參加1958年《新晚報》舉辦的「普魯士菲林攝影比賽」。那時他每天提早起床外出拍攝,不放過任何在街頭拍攝的機會,連開工也帶着相機。當時他曾跟師傅在一間學校粉飾牆壁,趁着休息時拿起相機四處拍攝建築,之後還邀約太太及她的同學做模特兒,以人物點綴建築物,其中一張從樓梯底仰拍的照片,剛好捕捉了一個三角形圖案。結果,兩張參賽照片均獲獎,贏得兩部相機,這大大加強他的信心,繼續透過比賽磨練攝影技巧,並在同年加入香港攝影學會。

三角形構圖的照片贏得攝影比賽,令他決意投身攝影事業。

鍾易理說,小時候已知爸爸是攝影師,雖然當時生活條件艱苦,但他仍堅持每天拍攝。為了攝影,他可以去得好盡,那時戲院的工資並不高,有時為了購買相紙,更會典當相機,然後利用贏得攝影比賽的獎金或報館的稿費,再贖回相機。「小時候試過沒錢食飯,要到外公開設的酒樓食飯。那時的酒樓通常會養雞,爸爸為了拍攝照片,更不惜將米掉在地上吸引雞。」

1959年拍攝的「食水難」獲得當年香港國際沙龍銀獎。

制水街拍 畫面紀實優美

鍾文略的照片,也紀錄當時的社會現象。1959年,香港實施制水,有次在柴灣街頭見到排長龍等水的畫面,他不假思索按下快門,托腮的婦女與凝固的水柱形成有趣對比,畫面紀實而優美。這幅「食水難」獲得當年香港國際沙龍銀獎,也令他更致力拍攝反映社會現實的照片,捕捉勞苦大眾的生活。

說起這張照片,鍾易理分享當中趣事,「當時爸爸將菲林放在床上,兒時的我用扣針刺穿菲林,令沖曬出來的相片有個『印記』,闖禍之後,我的屁股也受罪。」自此之後,鍾文略更小心處理及收藏拍攝的菲林,而當年菲林的破壞者,而今亦成為爸爸作品的守護者,展覽中的銀鹽黑白照片,便是由鍾易理沖曬,也算是父子間的另一種對話吧。

New Frontier, Kwun Tong, 1962 © f22 foto space

1963年,在李翰祥導演介紹下,鍾文略轉職到電懋影業公司,拍攝電影劇照及明星肖像,為那一代電影人留下重要的視覺回憶。之後他在1968年創辦影樓,從事攝影及沖印業務,1970年代開始減少在街頭拍攝,直至1991年退休,人生最精彩的三十多年,攝影可謂一直形影不離。

長影——鍾文略

日期:即日至2021年1月31日 / 時間:10:30am-7:30pm

地址:尖沙咀半島酒店商場BW11及13號 f22 foto space

PS:f22 foto space畫廊最近再次舉辦鍾文略個展《等待此刻》(Waiting for the Moment),展出逾三十幅作品,讓人再次漫遊在香江往事中。(展期由2021年4月開始)

《長影》的照片以動人的光影見稱,《等待此刻》的作品則比較注重線條,可見他的拍攝風格多元。相片看起來較有設計感,部分照片經過重新剪裁,呈現出不一樣的美感。「等待此刻」是鍾文略攝影的座右銘。他曾說,「等待是一張精彩照片的最重要元素」。或許如此,他總能捕捉到完美的光線及出色的構圖,例如西環碼頭的苦力、在雨中排隊的人群等,從另一角度細味昔日香港的街景和日常。

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「阿凡達」與「變裝皇后」 Martin Parr鏡頭下的牛津大學

作為首屈一指的頂尖學府,牛津大學給人的典型印象總是很嚴肅,以為學生們只懂得「狂讀書、寫論文」?其實他們的生活哲學是「work hard, play even harder」。現年67歲的英國攝影師Martin Parr,以他一向風趣的鏡頭,還原牛津莘莘學子們幽默的一面。

踏足f22 foto space觀賞展覽前,我一直好奇,Martin Parr與牛津大學看似風馬牛不相及,究竟是如何演變成同名書籍與展覽的?早於十九世紀,英國攝影先驅William Henry Fox Talbot已拍攝牛津大學建築,牛津大學博德利圖書館(Bodleian Libraries)早幾年籌款收藏該批作品時,身為攝影書籍收藏家的Martin Parr亦有份支持。逾一個半世紀後,圖書館負責人Richard Ovenden邀請Martin Parr拍攝校園生活,呈現不一樣的牛津面貌。

2015年的牛津劍橋賽艇比賽,一名觀眾將面部塗上象徵牛津大學的藍色。

別開生面划艇比賽

談及牛津大學,腦海中浮現出古老建築的畫面,其實它不僅有驕人的學術成就,還有豐富有趣的傳統。在2014年至2016年期間,Martin Parr穿梭校園每一處角落,捕捉學生與不同崗位人物的生活日常。一般的課堂照片、開學儀式、學院宴會及畢業照等固然有,最有趣是學院的不同傳統。在Wadham College舉辦的Queerfest活動上,男士們化身「變裝皇后」,飲酒跳舞玩得不亦樂乎。學校自1970年代起有一個名為「Trashing」的活動,當學生們完成最後考試時,便會互噴香檳及泡沫慶祝,現場恍如嘉年華,雖然校方對此活動不甚滿意,但學生們卻置若罔聞,繼續盡情玩樂,可見牛津學子們及時行樂的精神。

The Bedels officiate at University events, and are drawn from both the University and the town. 2015.

最著名的傳統,當然是有190年歷史的牛津劍橋賽艇比賽,每年在泰晤士河舉辦時,都引來大量群眾觀看,一名觀眾將面部塗上象徵牛津大學的藍色,令人想起電影《阿凡達》。另一邊廂,牛津大學學院之間每年亦舉辦「Summer Eights」划艇比賽,玩法非常獨特,不同賽艇前後出發,如果後面賽艇撞到前面艇隻,就可在翌日比賽取代其排位,最後冠軍隊的艇手更會被拋落河。更有趣是,原來牛津大學裏有許多特別崗位,在典禮時捧持儀杖的人員(Bedel),令人聯想起《魔戒》裏甘道夫的法杖;許多學院都有養龜,因此衍生養龜人的身份,每年學院之間還會舉辦烏龜比賽。

被畢業帽的帽穗遮住眼睛的人,是很典型的Martin Parr照片。

顛覆嚴肅 捕捉日常

五年前,Martin Parr曾在香港舉辦展覽「Hong Kong Parr」,顧名思義是他鏡頭下的港式生活場景,這些照片乍眼望去平平無奇,當仔細觀賞時,卻又能發現畫面中的趣味點,牛津大學的照片某程度延續這種風格。阿凡達式的藍面人、派對上的變裝皇后、被畢業帽的帽穗遮住眼睛的人、名為小貓的狗隻……完全顛覆牛津大學嚴肅觀感,其實他們也是普通而真實的人。

或許有人會覺得Martin Parr的照片不外如是,實際上他一直是位有爭議性的人物,當他在1994年加入著名的馬格蘭攝影通訊社(Magnum Photos)時,曾引來許多其他會員的非議之聲,幸好最後仍以三分之二的票數通過,並在2013至2017年間擔任主席。攝影大師布列松看完他的展覽曾說:「You are from a completely different planet to me」,言外之意不言而喻。

不過對Martin Parr而言,紀實攝影不一定要走進戰爭場地或貧窮地方,亦不一定烽火連天或千鈞一髮的場景才值得拍攝,他更喜歡將鏡頭聚焦在瑣碎之事,這些畫面看似隨意卻又充滿詼諧, 而且往往令人忍俊不禁,就如這系列牛津大學的照片。他或未能像布列松一樣拍攝出流芳百世的作品,但他捕捉的每一個畫面,往往帶有獨特看法,同樣值得觀者思考。

Martin Parr: Oxford

日期:即日至2020年2月15日

時間:2pm-7pm(星期二至六)

地址:灣仔摩理臣山道70-74號凱利商業大廈5樓f22 foto space  

原文見於果籽

Sergey Melnitchenko 掌鏡夜店女舞者的後台百態

見到烏克蘭九十後攝影師Sergey Melnitchenko在港舉辦的個展名稱《晚9朝5》(From Dusk Till Dawn),不期然想起由陳豪主演的1990年代同名電影,戲中幾位男女主角飲酒縱情揮霍青春。同樣置身夜店,不過Sergey的着眼點卻是在裏面工作的舞者,他以同路人的身份,細膩地捕捉她們舞台後的各種場景與表情,夜店表面上五光十色,可這些人的心酸又有誰知?這輯充滿電影感的作品「Behind the Scenes」,獲得2017年「Leica Oskar Barnack Newcomer Award」,令他在攝影界嶄露頭角。

在成都一間夜店後台,四位女舞者戴着面具。

從表演者到攝影師

成為攝影師之前,Sergey五歲時已習舞,傳統的芭蕾舞及現代的hip hop舞步,都略知一二。學習攝影的由來也有趣,嫲嫲為讓孫兒除去舌環,以一部新相機來誘惑,結果他就這樣與攝影結緣,時為2009年。那時他自學攝影,拍攝過人像及健美運動員的系列作品,後來還成為商業攝影師。「攝影對當時的我而言,只算是愛好,稱不上很有熱情,儘管薪水不多,那時我偶爾還會在婚禮及活動上表演跳舞。」

在烏克蘭南部小城Mykolayiv成長,他說當地並沒太多文化活動,2015年,他與朋友受邀到成都一間夜店表演跳舞,從未離開國境的Sergey,二話不說便來到東亞的這個社會主義國家。對出生在蘇聯末年的他而言,中國的一切都非常新穎,從食物到高鐵都令他着迷,「烏克蘭的夜店是傳統的的士高音樂,人人盡情跳舞,中國的夜店有最新的歐美歌曲,然而所有人都在飲酒、看別人跳舞。」

Sergey每晚會表演三次舞蹈,休息時便與大家一齊飲酒,有時覺得不盡興,還結伴到其他夜店繼續飲。幸好,他並沒忘記自己攝影師的身份,度過三個月的舞蹈員生活,最後一個月他開始帶上相機到夜店工作。「大家早已習慣我的存在,只是對我的相機很好奇,她們最初面對鏡頭時仍有些不習慣,但很快就適應了,有時還會主動叫我拍攝!」

一位女舞者在後台化妝,毫不介意攝影師的鏡頭。

得益於之前數月與她們的相處,令他在後台恍如隱形人一樣,拍攝那些不為人知的瞬間,她們在休息、化妝、抽煙、更衣、排練等等,有人大笑、有人沉寂,流露出不同的情感;有時她們在鏡頭前扮鬼扮馬舉中指,有時他卻神不知鬼不覺地拍攝到女生背部拔罐的痕迹,這一切比幕前的表演有趣得多。「她們不懂英文,我只懂簡單中文,有時看到有趣的畫面,就用蹩腳的普通話說『等一下』,然後拿起相機拍攝。」一切來得十分自然。

外界通常將夜店女生標籤為壞女孩,在共處的過程中,Sergey覺得她們大多是很普通女孩,感覺很害羞,「她們不是專業舞蹈員,大概都因薪水較高或家庭問題,才到夜店工作吧。」

「畫面看似電影場景,但這些都是她們的真實生活,也是我的生活。」

記錄中國平民日常

礙於言語不通,他無法再進一步了解她們的故事,鏡頭下的這些畫面,彷彿不斷上演的劇情,或許她們也是一群為夢想而努力生活的舞者——這在在反映出娛樂產業背後的甜酸苦辣。他為照片加上菲林的微粒效果,令其充滿電影感,每張相片就如一個電影場景,記錄她們鮮為人知的生活一面。

離開夜店後,他在西安、北京、廣州等城市繼續從事不同工作,同時以寶麗來相機及華為手機拍攝在中國街頭的所見所聞,跳舞的大媽、在公園長椅睡覺的露宿者、交通工具的眾生相等,以黑白照片記錄中國人的日常——新與舊的結合、趣怪與憂傷並存,這系列「From Dusk Till Dawn」與「Behind the Scenes」作品一樣,共同構成他眼裏中國人「晚9朝5」的生活。

晚9朝5

日期:即日起至 7 月 31 日

時間:2pm-7pm(星期二至六)

地址:灣仔摩理臣山道70-74號凱利商業大廈5樓f22 foto space  

原文見於果籽:https://hk.lifestyle.appledaily.com/lifestyle/special/daily/article/20190612/20701353

攝影蒙太奇 拼貼都市美感

攝影蒙太奇(Photomontage)是一種易學難精的創作手法,人人懂得拼貼照片或圖像,卻不見得能創作出令人耳目一新的精采作品。香港藝術家陳漢榮(Wing Chan)擅於將看似平平無奇的一張張都市相片,透過天馬行空的拼貼手法,轉化成一幅幅充滿視覺衝擊的影像。他的城市蒙太奇作品,透過捕捉都市中的不同圖案、形狀、顏色或質感,在平凡中發掘生活的美感。

與其稱陳漢榮為攝影師,我覺得用城市觀察家來形容他更適合。在他眼中,鬧市的排檔色彩繽紛、斑馬線的裂痕好像人的皺紋、零售店櫥窗的水迹恍如一幅蒼茫剛勁的水墨畫,這些毫不起眼的小事物,卻是他創作的靈感所在。初看他的作品,你或感到一頭霧水,然而當你明白他所拍攝的事物時,難免嘖嘖稱奇。「好多時我見到一個場景或圖案,腦海中已構思出大致的畫面構圖。」這背後,當然與他的設計背景息息相關。

陳漢榮自小已十分喜歡藝術,中學時曾跟隨畫家黃祥學習畫畫,認識了畢加索的作品與立體主義。畢加索是創作拼貼畫的能手,對他的創作或多或少有潛移默化的影響。18歲前往美國修讀設計,畢業後在紐約成為設計師,幫美國運通私人銀行做branding等,也曾在紐約州立大學出任客席教授。2011年,年近50歲的他,回港照顧年邁母親,為此也捨棄了紐約的一切。身邊朋友無不覺得可惜,可他不想重操故業,想不到竟闖出另一片天地。

滿街元素拼「城市圖像」

從事設計多年,陳漢榮對圖像有過人的觸覺,見到有趣的圖案或影像,便習慣地拍攝下來。他的作品從不局限在一個地方,香港馬路上的文字、首爾街上的黑白瓷磚弧線,東京及巴黎的街頭貼紙或海報,統統都是創作的元素。他稱這系列作品為「城市圖像」(Urban-Graphis),雖然這些事物不太引人注目,然而在相片與相片的交織及重叠之後,卻帶來煥然一新的美感,猶如一幅幅抽象畫作。

隨着對香港的認識慢慢加深,他的作品也從最初的抽象圖案,慢慢開始多了人的元素。在九龍城見到有人在搭棚,令他想起電影《臥虎藏龍》,於是停下腳步,觀察並拍攝了一個下午。他也喜歡捕捉途人的蹤影,中環街頭、東京的斑馬線、巴黎的地鐵樓梯,熙攘城市裏的匆匆途人,彷彿交織在一起,令照片充滿節奏感及活力。這系列作品稱為「城市編織」(Urban-Tapestry),Tapestry這名字,來自1971年Carole King的同名專輯。在陳漢榮看來,城市就如掛毯,充滿圖案與故事。

地鐵浮現眾生相

在這系列作品中,交通工具也是常見的創作元素,地鐵車廂的玻璃門及巴士的玻璃窗,就如一個個獨立的取景框,拼貼出相當有趣的效果,反映出繁忙都市的眾生相。那幅迴旋的地鐵車廂作品,同樣給人如此感覺,「有人玩手機、有人改簿、有人睡覺,我覺得很能代表香港,好像很分秒必爭。」創作時原來一波三折,他想用旋轉的效果呈現出擁擠的感覺,先用低解像度的相片試做,出來的效果很滿意,卻忘記換上高解像度的相片。「結果我用約200張照片重新做一次,其間不得不仔細去對照每一張照片,後來還發現朋友的兒子也在照片中。」

有時,他也結合社會事件來做創作,2013年葵青貨櫃碼頭工潮,吸引他以貨櫃箱為創作題材。去年颱風「山竹」吹襲香港後,住在紅磡的他路過海濱廣場大廈,見到大廈玻璃爆破的畫面,每塊窗戶上的玻璃尖角形狀都不盡相同,看起來充滿美感,於是創作成作品「颱風,藍色缺口」,既是對事件的一個記錄,也不禁令人反思,究竟這些破碎的玻璃窗除了是天災,是否有人為的疏忽?

《Urbanmontage》

日期:即日起至4月30日(2pm-7pm)

地址:灣仔摩理臣山道70-74號凱利商業大廈5樓F22 foto space

·原文見於果籽

Fine Art Asia 攝影展區

2016Fine Art Asia(典亞藝博)十週年之際,首次加入了攝影展區,今年已是第三屆,依舊由攝影機構Boogie Woogie Photography策劃,展出包括f22 foto spacePekin Fine ArtArtify Gallery、香港大學美術博物館以及獨立映像空間(重慶)及Galerie Esther Woerdehoff(巴黎)等多間畫廊的攝影作品。

Boogie Woogie Photography (Hong Kong)_Adieu Philippine
《再見菲律賓》,1962年。Raymond Cauchetier @Boogie Woogie Photography。

作為攝影展區的策劃者,Boogie Woogie Photography展出法國攝影師Raymond Cauchetier (1920年生) 的作品,這位自學成才的攝影師,曾在中南半島的擔任法國空軍攝影師,回法國後他與尚盧·高達及杜魯福等法國新浪潮導演成為好友,成為電影的攝影師,也拍攝下許多的60年代彩色攝影作品。

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《Santa Monica, California》1955年, Elliott Erwitt@f22 foto space

最矚目的作品當屬f22 foto space呈現的美國攝影師Elliot Erwitt的作品,現年90歲的他是Magnum Photos攝影師,1960年代後期曾擔任通訊社主席,在他超過半世紀的攝影生涯裡,重要作品包括美國總統尼克遜與蘇聯領導人赫魯曉夫1959年在莫斯科的重要會面、1961年瑪麗蓮夢露拍攝電影《亂點鴛鴦譜》的情景,以及1963年美國肯尼迪總統夫人在丈夫喪禮上的痛哭神情等,當然為人所知的還有一系列拍攝小狗及生活趣事的畫面。

Pékin Fine Arts_Steps at #24 Caine Road Hong Kong
《香港堅道24號的樓梯》,1978年。Robin Moyer@ Pekin Fine Art。

Pekin Fine Art同樣有精彩作品,年逾七旬的美國攝影師Robin Moyer是位傑出的攝影記者,任職《時代》雜誌逾20年,曾在柬埔寨、阿富汗、菲律賓、漢城奧運拍攝,也曾紀錄過1989年的天安門事件,作品曾贏得世界新聞攝影獎(World Press Photo)等重要獎項。畫廊展出他多年來在中國拍攝的照片,以鉑金相片訴說逾40年的中國人文風景故事。

Pékin Fine Arts_The Weight of Oneself
《自我的重量》,2017年,柳迪 @ Pekin Fine Art。

至於中央美術學院畢業的柳迪 (1985年生) 現居北京,他的作品以透過數碼後製而成,相片中的野生動物猶如卡通片角色一樣安坐於殘破的住宅區,又或是赤祼巨人棲身於自然環境,柳迪以超現實手法描探討中國大自然與城市生活之間的摩擦。

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維多利亞港:皇后行,中環海濱及九龍碼頭, 1908年。Dezső Bozóky@香港大學美術博物館。

香港大學美術博物館展出了匈牙利籍海軍醫生Dezső Bozóky(1871–1957) 110年前在香港拍攝的畫面,他以玻璃幻燈片紀錄了殖民地時期繁忙的維多利亞港及自然景觀。無獨有偶,Artify Gallery也有一位匈牙利攝影師Bence Bakonyi的作品,這位九十後曾在亞洲各國旅遊及拍攝,以影像探討自由等主題。同展館亦有馬來西亞攝影師Eiffel Chong的作品,透過平凡的生活細節,去探討生與死等抽象概念。

Artify Gallery_Dignity
《尊嚴》,Bence Bakonyi @ Artify Gallery 。

Fine Art Asia

時間:即日101日(11am-7pm)、102日(11am-6pm

地址:灣仔會展中心3

《詩經》窗花藍曬圖

《詩經》、窗花與藍曬,原是風牛馬不相及的名詞,在篆刻家馬召其鏡頭下,成為了別具浪漫的詩意風景。

馬召其常以古老篆書,在玻璃玉器上篆刻經典名句,這六幅藍曬攝影作品,靈感正來自一套精美的水晶杯。一杯子與一輩子諧音,正如《詩經》裏的詞句,帶著深厚而樸素的情意,他分別以「寤寐求之」、「悠悠我思」、「永以為好」、「洵有情兮」、「懷允不忘」、「如火烈烈」此六句文字篆刻於杯底,去表達出詩中男女之間的思念。

古人讀書飲酒兩相宜,馬召其以書籍與水晶杯結合,用大片幅相機創作了六幅攝影作品,再將影像用藍曬的方法現於灑金宣紙之上,變成一幅詩意掛畫。細看影像形狀,原來是六種不同的窗花形狀,足見其心思。

作品現於Fine Art AsiaInk AsiaH3(他山草堂)展位展出。

法國X香港:跨文化攝影展 一座城市兩種景觀

 

生活在香港的人,對這城市的方方面面司空見慣,不要說拍攝日常生活畫面了,可能連駐足觀望的念頭也欠奉。反觀許多攝影師來到香港後,對所有事情嘖嘖稱奇,走在街頭忍不住咔嚓咔嚓地拍攝。這個現象很有趣,我時常在想,如果一位外來者與一位本地人同樣拍攝一座城市,會產生如何不同的視角呢?在F22 Foto Space舉行的《在非在》攝影展,就是如此一個有趣的對比,去呈現出一個城市兩種不同的面貌。一黑白一彩色,兩組照片互相映照,既帶出攝影師與這城的關係,背後也是對香港城市發展的詰問。

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F22 Foto Space展場兩層空間展出約40幅攝影作品,照片多以一組的形式呈現,在作品之間產生對話。

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法國作家及攝影師Michel Eisenlohr

Michel:香港是個充滿矛盾與反差的城市

兩位攝影師分別是來自法國的Michel Eisenlohr,以及香港視覺藝術家殷家樑(Kallen),兩人事前並不認識,事緣Michel三年前在「法國五月」期間來港展出作品時,覺得這個城市很不可思議,垂直的石屎森林猶如未來城市一樣,用他的原話就是Blow away(即Greatly impressed),這種文化衝擊隨即令他產生拍攝香港的念頭。Michel本身的經歷很有趣,他是文學出身,大學之前基本上與攝影無緣,拍攝動機往往也是從文本出發。「每次開始拍攝計劃前,我總是閱讀很多資料文獻,有時文學裡面的故事令我想去看看那些地方,這也是一種發現文學的方法。」

這位自學成才的攝影師,曾獲法國政府資助拍攝當地歷史建築,用鏡頭來寫作。當他著手拍攝香港計劃時,則基於城市發展等理論去拍攝,期間他與香港大學建築系合作,與建築師、城市研究員等專家商討,研究了許多關於香港的建築及城市規劃,創作出 《城市地域》(Urban Enclaves)這系列作品。地域即土地的範圍,不過他想探討的並非香港的疆域,而是城市的不同面貌。

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Michel作品《香港大學》

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Michel作品《油麻地果欄》

在他看來,香港是個非常有趣的城市,這種有趣來自反差,高樓大廈中的古老街市、被百年古樹包圍的廟宇、石屎森林中的天台泳池、不同宗教的墳場融合在一起……過程中他盡可能不拍攝密不透風的建築物、色彩繽紛的霓虹燈招牌等遊客眼中常見的香港景象,避免單純在街上閒逛及拍攝,更多地由個人的想法與建築等理論出發。正如香港大學建築系教授Nasrine Seraji在展覽文章所寫,香港許多地貌都是人為做出來的,這些大廈並不是植根於泥土或天然地基,因為大廈下面還有商場、交通工具,是另一個城市。Michel特別拍攝香港的天台夜景,這是一種很獨特的建築視角,相片中幾乎沒有人的元素,看起來有點似葛咸城及《Blade Runner》電影裡面的虛構城市,帶有cyber或futuristic的感覺。當然某些作品亦明顯滲透了外來者的好奇心視角,像薄扶林村,以及墳場裡密密麻麻的墳墓。

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香港視覺藝術家殷家樑(Kallen)

Kallen:在僅存的建築中回憶我城

在殷家樑看來,Michel的作品很多時是從視覺去考慮的,「他可以沒有包袱地拍攝照片,其中一張相片是拍攝鴨脷洲洪聖古廟與李慧琼大型橫幅,我肯定不會這樣拍攝,或者至少不用這樣的方式去拍攝。」Michel前後四次來港拍攝,其中一次Kallen帶他去瀑布灣拍攝,以前西方船隊進出珠江水域時,會來瀑布灣補給淡水。在前漁農署助理署長饒玖才先生的 《香港的地名與地方歷史》一書中也提到這段歷史,英國畫家哈唯(W. Havell)在1816年所畫的有關瀑布的水彩畫,就描繪了海員到瀑布灣汲水的情景。「我覺得這個地方代表了香港的過去與歷史。」Kallen如此說。

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Michel作品《鴨脷洲》

相片背後雖然有歷史的陳述,不過策展人Karine Moge卻建議二人盡量不要一起去拍攝,害怕Kallen的想法會影響Michel對於這個城市的觀感。Michel本人也認同這種做法,「許多地方對Kallen來說是很有歷史意義或個人回憶的,但對我來說並沒有,通常我都會事先計劃拍攝的內容。」這在他們從照片的處理中也可見一斑,Michel拍攝的是彩色照片,這是一種非常當下的感覺,「當你是一個外來者時,對身邊的環境有更多的反應,這是很自然也很感性的。」

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殷家樑作品《華景》

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殷家樑作品《見山不是山》

Kallen拍攝的是黑白照片,呈現出截然不同的風景,他坦言是帶著悲觀情緒的。他用3:1的照片比例突出畫面的壓迫感,驟眼看畫面中的樓景恍如山巒,這種典型的石屎森林景色在香港隨處可見。其中一幅作品將不同照片的山與樓拼貼在一起,畫面竟然和諧地得以延綿,背後不正是拆去鮮花種出大廈所帶來的結果嗎?這系列作品名為《見山不是山》(Mountain to Mountain),殷家樑在作品中拋出一個問號,探討香港城市的變遷。那些無處不在的大廈,似乎在提醒這個城市的來源正是大自然,香港城市的發展就是不斷地拆除與重建,而繁榮是否一定以此為代價呢?

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殷家樑作品《中環街市》

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殷家樑作品《白虹樓》

2012年時他曾拍攝過一系列排檔的照片,現在這些排檔幾乎已消失殆盡,還有中環嘉咸街街市、裕民坊……歷史與回憶終究敵不過推土機的速度。Kallen的照片除了是對城市一種叩問之外,也參雜了許多個人情感,以及他與城市自身的關係,「照片中的屋邨或中環街市、裕民坊等地方,都是我居住過或經常去的地方,它不只是一座大廈,也承載了許多我自己的記憶與經歷。」誠然,每一位有經歷的觀眾,都可在照片中追憶不同的往事,Kallen也試圖在僅存的建築中拼湊出自己回憶中的那座城。「到最後如果我想通了我與這個城市的關係,那麼『見山還是山』,只是目前尚未去到那個境界。」

這是對自身的疑問,也是對香港的詰問。

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《嘉咸街》(左)與《般咸道》,兩張照片有時是有關聯的及吻合的,如圖兩張照片都在中上環附近拍攝。

《在非在》攝影展

日期:即日至5月5日(六)

時間:11am – 7pm (二至六,公眾假期休息)

地點:F22 Foto Space(灣仔摩理臣山道70-74號凱利商業大廈5樓)