John Lennon私人攝影師   Bob Gruen捕捉搖滾名人的親密瞬間

說起John Lennon與小野洋子的照片,1981年《Rolling Stone》雜誌封面的親吻造型無疑是經典。若想了解二人生活瞬間的畫面,大概只能在紐約攝影師Bob Gruen的鏡頭裏尋覓。作為他們的私人攝影師,Bob很自然地捕捉這對傳奇夫妻在舞台之下的平凡日常,至今恰好半世紀。

現年76歲的Bob Gruen,早在1960年代已開始拍攝音樂演出。1965年,民謠歌手Bob Dylan在一年一度的民謠節Newport Folk Festival演唱,當時這位忠實粉絲還專門找來一張攝影通行證,為了只是近距離拍攝偶像。也是從那時開始,他專注拍攝音樂演出及搖滾人像,有次他跟朋友去看美國雙人組合Ike & Tina Turner的演出,他們很喜歡Bob拍攝的照片,於是將他介紹給出版商認識,而出版商看過他的作品又向MCA Records推薦,當時唱片公司剛簽下前往美國發展的Elton John,於是找他為這位英倫新人拍照。Bob Gruen多年後回憶說,那時的他很幸運,每次拍攝總會遇見不同的人,而這些人往往再邀請他拍攝其他工作,情況就如滾雪球一樣。


Yoko Ono and John Lennon holding flowers by a tree in Central Park, NYC. April 2, 1973.

在其逾五十年攝影生涯中,曾拍攝過The Rolling Stone、David Bowie、Aerosmith、貓王及麥當娜等搖滾名人,當中尤其以John Lennon夫婦的故事最為人所津津樂道。1971年,二人移居紐約,居住的公寓恰好就在Bob家中附近。在一次演出活動中,Bob曾拍攝二人的演出,並將照片送到他們家中,不過當時並未見面。小野洋子後來表示,雖然曾有無數人與他們合照,但二人從未見過這些照片,所以當她收到Bob拍攝的照片時,覺得十分驚喜。

1972年,搖滾作者Henry Edwards在《The Photography of Rock》一書中接觸Bob Gruen的照片,覺得十分喜歡,當時他正在籌備美國搖滾樂隊Elephant’s Memory的故事,他們是John Lennon及小野洋子演出時的樂隊,因此也採訪二人,並邀請Bob為這對名人夫婦拍照。Bob Gruen後來在訪問中回憶說,當時在走廊準備進入房間時,他緊張得全身顫抖,這也是許多其他攝影師都會出現的情況,結果令二人也覺得很緊張。

John Lennon and Yoko Ono at Butterfly Studios

然而不同的是,Bob深呼吸後進入房間,故作鎮定地與他們閒話家常,在和諧的氣氛下,二人也覺得非常輕鬆,結果拍攝的照片,也顯得較為自在。不僅如此,小野洋子還把他當成朋友,Bob很快與二人變得熟稔,成為他們的私人攝影師,拍攝許多二人在台前幕後的照片,包括他們相處的親密瞬間,John Lennon還向他開心展示抱起兒子的瞬間,可見他們之間關係不淺,小野洋子對他的照片也是讚不絕口。

John Lennon, Yoko Ono and Sean Lennon at the Dakota building, NYC. December 12, 1975.

John Lennon及小野洋子的照片固然令Bob Gruen的名字在搖滾世界廣為人知,當時他還跟隨Sex Pistols、New York Dolls、Ramones及Patti Smith等音樂人進行巡迴演出,尤其是拍攝Sex Pistols低音結他手Sid Vicious的照片,更被選為英國國家肖像館(National Portrait Gallery)選為上世紀「100 people of the 100 years」,而挑選這張照片的人,正是David Bowie。

Sid Vicious of The Sex Pistols in San Antonio, TX. January 1978

這張Sid Vicious吃熱狗的照片,攝於1978年,當時Bob原本只打算在亞特蘭大拍攝這支年輕英倫龐克搖滾樂隊,卻被經理人邀請登上巡迴演出的巴士,跟隨樂隊進行十天的拍攝,一共拍攝七十卷菲林,將演出途中的大小事情記錄下來。可惜回到紐約後不久,就傳來Sex Pistols解散的消息,這些照片頓時變得乏人問津,而Sid Vicious也在翌年因過量吸毒身亡,年僅21歲。直至1986年,由Gary Oldman主要的電影《Sid and Nancy》上演,他在戲中扮演的Sid Vicious獲得很高評價,Bob Gruen當年拍攝的照片隨即變得十分受歡迎,成為二十世紀英倫搖滾最標誌性的照片之一。

·圖片來自Bob Gruen官方網站 

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Instagram Pier 打卡相片的幕後花絮

「西環碼頭不只是打卡勝地,更是附近居民及其他人生活空間的延伸,就像一個面對着維港的公共大露台。」居港意大利攝影師Pierfrancesco Celada談起月前關閉的西區公眾貨物裝卸區(俗稱西環碼頭),心中不無可惜,自從2016年在Instagram上開設賬號「Instagram Pier」以來,他在西環碼頭拍攝約三萬張照片,記錄大家在這裏度過時光或自拍時的花絮。他形容:「如果西環碼頭是他們的舞台,那麼我的賬號便是他們的後台。」

Pierfrancesco的暱稱是Pier,某程度上也預示他與碼頭的緣份。當時家住堅尼地城的他,覺得附近西環碼頭的景色很漂亮,也很有趣,他發現許多人每天都在這裏做着相同的事情,釣魚、散步、放狗等,這種重複的日常令他深感興趣。最初一兩年,他幾乎每天都在碼頭拍攝數小時,後來遷居大嶼山後便不再那麼頻繁,尤其是去年疫症爆發期間,哪想到碼頭會暫停開放,Instagram Pier的計劃也隨之告一段落。最近,他舉辦同名展覽及推出同名攝影集,也算是這個拍攝計劃的回顧與總結。

蜘蛛俠現西環碼頭 天空之鏡靠水桶

展覽現場的牆上,密密麻麻地貼滿1,500張在西環碼頭拍攝的照片,在貨櫃、竹架及維港的景色之下,男女老少做着不同的事情,釣魚、自拍、做運動、看日落、跳舞,連攝影師的妻兒也曾出現在相片中,承載着許多他的回憶。「香港的公共空間都有很多規條,很多事情不能做,西環碼頭作為一個公眾地方,是很自由及獨特的,這裏是大家生活空間的一部份。」

西環碼頭是拍攝日落的熱門地點,許多人專程過來拍攝婚紗照或維港景色,當中不乏有趣畫面,為令照片看起來比較「特別」,許多人會開心跳躍、攀高爬低、做一字馬、打觔斗,甚至以蜘蛛俠的裝扮前來拍攝。這裏也有「西環天空之鏡」的外號,原來營造鏡面效果的水灘,有時是人們自帶水桶從維港裝水的「用心良苦」。這些精采照片背後的幕後花絮,統統記錄在Pier鏡頭之下。

猶如無形社區中心 自備電視睇粵劇

「我是以觀察者的身份拍攝的,對人們在這個空間的行為及如何表現自己深感興趣,這些照片也記錄摩登都市的另一面。」他說大部份人會在黃昏時前來拍照,夜晚則比較多街坊,散步的、做運動的,還有跳舞的姨姨們,街坊們有時更會自攜電視機一齊圍着看粵劇,猶如一個無形的社區中心。「這是一個很有凝聚力的公共空間,我很好奇碼頭關閉後,他們現在能去哪裏?」隨着碼頭悄悄關閉,他希望大家可以從展覽中重溫對西環碼頭的回憶。

在拍攝碼頭的同時,他也收集其他人在西環碼頭拍攝的照片,兩者形成有趣的對比。「可能大家都在Instagram上看過相同構圖的照片,很多人來這裏都是拍攝類似的指定動作及背景,往往同一個位置拍攝很多張照片。」其實不只是西環碼頭,香港其他打卡勝地也有類似情況,這某程度上是對Instagram打卡文化的一種批評,令人反思社交媒體對生活的介入及影響。「若從另一方面看,這些人在這裏是很愉快的,他們向人展示生活中開心、美好的一面,其實也沒有不妥。 」

Instagrampier

日期 : 即日至7月25日

時間 : 12nn – 7pm (二至日)

地址:WMA Space(中環永和街23-29號俊和商業中心8樓)

預約參觀:https://bit.ly/3gn2YMd

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林嘉欣 遲來的寶麗來三部曲

「我喜歡將我的宇宙縮小在正方形的影像裏面。」擁有八部寶麗來SX-70相機的林嘉欣說。她與寶麗來的邂逅,可追溯至二十年前,當時父親贈送她第一部SX-70相機,自此林嘉欣便用它來記錄心情及旅行的日常,每次出國總會帶上三部相機及十多盒菲林,至今已拍攝數千張寶麗來照片。2009年,當她出版第一本寶麗來相集《VOYAGES》時,已有三部曲的念頭,沒想到它的續集一直姍姍來遲,直至最近才如願以償。

回想當初,她並沒料到自己會在翌年結婚生女,加上後來底片停產,所以也曾放下相機,之後得知菲林重新生產後,便重拾起寶麗來,最近《VOYAGES II》及《VOYAGES III》一齊面世,也令這件事情變得圓滿。「第一本相集是關於我一個人的旅行,第二本是婚後育有大女兒的階段,第三本則是一家四口的畫面,會比較多小朋友的照片。這也是我人生歷程的一個見證。」

小女兒爬高樹時全程沒有回頭看媽媽,林嘉欣等待她回頭一刻按下快門。

「攝影是與自己的對話」

寶麗來記錄着林嘉欣與家人的相處,藝術與攝影則豐富了她對戲劇的詞彙。連續多年擔任「法國五月藝術節」文化大使的她,對藝術文化有深厚的認識,若說到攝影,對她影響最大的,是去年憑《少年的你》獲得香港電影金像獎最佳攝影的余靜萍,二人曾在電影《百日告別》及《暗色天堂》裏合作,林嘉欣也邀請她為相集寫序。「我15歲時已認識她,當時我到台灣發展,第一張唱片封套是她的師傅黃中平拍攝的,當時她是攝影師助手。她教我用120相機,介紹很多攝影書給我看……」二人興趣一致,從攝影聊到電影,也會相約一齊看展覽。

林嘉欣對攝影的認識,絲毫不流於表面,那天她從Josef Koudelka拍攝的吉普賽人、印度女攝影師Dayanita Singh記錄的印度第三性別社群,一直聊到波蘭裔攝影師Eva Rubinstein拍攝闃無一人的場景,照片裏的物件所留下的時間痕迹與氣息,彷彿讓人窺見一個人的生命。她很喜歡這些攝影師的作品,觀看時也覺得很震撼,她覺得好的攝影作品,是要對自己誠實,就如日本攝影師植田正治鏡頭下的家人及上田義彥拍攝的森林。「影相是一種自我表達,選擇的主題、呈現的角度,其實都是與自己的一種對話。」

妹妹結婚時,四姊妹到澳洲坐熱氣球,熱氣球象徵離別與不捨。

褪色照片 欣然接受美感

某程度上,這也是她喜歡寶麗來的原因,寶麗來照片給人的感覺看似隨意,「然而拍攝時是需要思考的,驅使人們慢下來去觀察,按下快門時也會屏息凝視。」最初拍攝時,她喜歡捕捉一剎那的氣氛,不一定很寫實,是對那個時空留下的一個印象。拍攝多年之後,她覺得照片變得越來越抽象,也不介意影像是否很工整,有一種順其自然的感覺。「我不想給自己太多預設,喜歡讓偶然的效果發生,即使是不好的照片也會留着,當隔一段時間後重看時,看到瑕疵時也不會太judgemental。」

事隔多年後,當出版《VOYAGES II》及《VOYAGES III》相集時,林嘉欣重看當年拍攝的照片,發現很多已慢慢褪色或出現痕迹,但她仍欣然接納這些自然的美感。「這些照片是我十多二十年的生活日常,它未必有清晰的脈絡,卻見證着不同階段的自己,在經歷時間的洗禮後,也變得很美麗。」

即使照片褪色或出現痕跡,但她仍欣然接納這些自然的美感。

VOYAGES by Karena Lam

日期:即日至6月20日(11am-7pm)

地址:TASCHEN (中環荷李活道10號大館01-G02號舖)

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蘇慶強 藉着影子說哈佬  

攝影是光影的藝術,然而很多人拍攝時會刻意避開隨行的影子,彷彿它會破壞照片的和諧與美感。攝影藝術家蘇慶強則以影子代替自身,向周圍的事物及照片的觀者打招呼,藉着影子說哈佬。

揮手打招呼,看似再日常不過的事情,經歷2019年的社會事件及去年爆發的疫症後,人與人之間的關係變得比較疏離,連舉手說聲「哈佬」也變得不容易。過去一年多來,蘇慶強也感同身受,與朋友減少見面及聯絡而產生的疏離感,反而成為他新作品的靈感。他漫遊在街頭,一手拿着相機、一手舉起姿勢,以影子代替聲音,向日常事物say hello。

訴求還是打招呼 觀眾解讀各不同

「以前人們覺得影子是人的靈魂,人在死亡之後會變成一個影子。」在這系列作品中,蘇慶強以自己的身影象徵着靈魂與思想,透過舉起特定手勢與周遭事物重叠在一起,從而與物件進行交流,抵抗疫下的疏離感。在展示作品的同時,某程度上也是在向觀者打招呼,在疫症時空下,這些影像應運而生,顯得別具意義。

蘇慶強善於利用攝影觀察及記錄對事物的看法,十年前的展覽《物質輪迴》,他拍攝祭祀過後被棄置的物件及食物,賦予這些物質嶄新的意義。在這系列自拍影像中,同樣蘊含另一重意思。在2019年的社會運動中,伸出五指的手勢成為「五大訴求」的象徵,照片中張開手指的動作,難免令人有所聯想,他不直接道明用意,畢竟每個人對於感受相片的「刺點」或解讀方式均不盡相同。

然而比較明顯的是,攝影師的影子與牆上或地面的痕迹融為一體,形成一種有趣的互動。有時他的影子像戴着防毒面具、有時像一位長髮女子、有時更與周圍的物件對影成雙人,這些照片不論對觀者或攝影師而言,均需要一定的想像力。不僅如此,影子也衍生出新的象徵意義,在其中一張照片中,舉起手勢的影子似曾相識,恍如國家領導人揮手的動作。

盧亭魚人神話 添翅膀象徵希望

在另一幅相片中,蘇慶強原本被地面的污迹吸引,覺得像一個日本武士,「走近之後,當它與影子重叠時,彷彿是盧亭魚人的身影。」盧亭是香港神話人物,傳說是東晉時期叛將盧循的下屬,後來兵變失敗後逃到大嶼山,因修煉「黃天大法」而化身半人半魚,變成盧亭魚人。傳說中的逃難與現實中的香港歷史,不無相似之處,賦予照片另一層意義。攝影師為影子加上一片綠色植物,好像添上翅膀,象徵着希望。

最初創作時,他僅拍攝手部的影子,後來慢慢過渡至半身或全身的身影,好像他正慢慢更投入創作中,也顯示出他心路歷程的轉變。在陰霾的氛圍下,他憶起捷克攝影師Josef Sudek的影像,這位「布拉格詩人」透過獨特的光影為日常事物賦予詩意的表達,以撫平戰爭帶來的傷痛。對蘇慶強而言,同樣有異曲同工之處,每逢夜晚心情較沉重時,他總會外出拍攝,儘管某些照片的拍攝動作頗為辛苦,但拍攝的過程彷彿向周圍的事物傾訴心事,從而有種療癒的效果。

哈佬:你好嗎?

日期:即日至7月4日

時間:11am-1pm, 2pm-6pm (星期二至日)

地址:光影作坊(石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心L2-02)

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區子朗 裸體的情緒與自我療癒

華人社會相對保守,裸體往往令人聯想到情色或不雅,上環Blue Lotus Gallery舉辦的聯展「Nude Studies」,某程度上正是走出這種偏見。展覽以三種不同視角,探索身體與自然、空間的關係,著名風景攝影師Michael Kenna的《裸婦》(Rafu)呈現出女性的身體美感,居港法國攝影師Benoit Felten借用身體表達植物與裸體的雙重曝光,而本地攝影師區子朗,則透過身體投射出內心的自我世界。

《Intosomnia-Yang》拍攝的男性模特兒,現時是區子朗的老公。

不強調裸體 呈現內心情緒

畢業於香港城市大學創意媒體學院的區子朗,創作媒介多元,2016年為香港搖滾樂隊「話梅鹿」前結他手Hanz的MV《苦物》擔任美術指導時,覺得舞者表演時很有感染力,於是拍攝第一輯裸體作品《Stillness in Motion》,在照片中展現模特兒的身體特徵及他感受痛苦的狀態。對子朗而言,作品並非為裸體而拍攝,而是透過影像呈現內心的情緒。

2017年,她發表第一本小說與攝影集《Intosomnia》,講述她與虛構主角多年來的內在旅程。「發表作品後,我經常遇見與小說內容很相似的人物或事情,於是在現實中找回這些碎片,像是回顧創作這本書的心情。」她很喜歡的一張照片是《Intosomnia-Yang》,照片在一個八號風球的夜晚於長洲的海灘拍攝,相片中的Yang指的是男性的身體,洶湧的海浪不停拍打着海灘及模特兒的身體,令他冷得發抖,他用力抓緊浸濕的沙子,「那種力量及堅毅的精神,也是很陽性的。」

《Intosomnia-Mother》重現她的小說內容,赤裸身軀的模特兒蜷縮地出現在鏡頭下。

蜷縮身軀重歸母體 回溯過去

展覽中另一幅作品《Intosomnia-Mother》,則直接與小說情節相關:主角以成人的姿態回到母親體內,一邊經歷初生苦劫,一邊回溯自己的過去……她與模特兒半夜到鶴咀「蟹洞」拍攝,模特兒赤裸身軀以蜷縮的姿態出現在鏡頭下。「蟹洞附近很大浪,浪聲非常響亮,赤裸的她在這種環境下,顯得有點驚怕,我們一同經歷並克服這個恐懼。」雖然兩幅作品均以裸體呈現,不過她所表達的並非情慾,而是置身大⾃然景觀中的裸露⾝體,所喚出的記憶及內心的自我,某程度上也是一個療癒的過程。

說起裸體,很多人會想起裸體模特兒小丁,十多年來,她一直推廣身體自主,令更多女生重新認識及欣賞自己的身體。2018年,小丁舉辦名為「體祭」的展覽,當時邀請子朗為她拍攝。「小丁對於裸體的態度是很自然的,她沒有用身體表現出很脆弱的感覺。拍攝時,我關注的不是女性身體的美態,更多是她的身體與空間的互動。」二人即興發揮,小丁一手托着石頭、一手拿起一杯水,有時則在小腳與木頭之間夾着一塊石頭,作品不是集中在身體的性徵,而是身體如何感受周圍的物件。


子朗不是呈現小丁的身體美態,更多是關注她的身體與空間的互動。

成長於潔癖家庭 對身體茫然

說起小丁對於裸體的坦然,回想當年,區子朗對於認同自己的身體,也曾經歷過茫然。「我成長在一個比較潔癖的家庭,對於身體也有這種感覺。中學時哥哥當我如弟弟般看待,也令我不知如何面對女性的身份。」以前的她會為迎合別人而忽略自己的想法,後來認識對於身體及性別更有自主的人,才懂得慢慢欣賞自己。「不同身體都有漂亮之處,同時接受自己身體的不完美。」在她看來,人的自卑感始終會存在,當了解這種自卑感後,才會解開心裏癥結,在心理上重新找回自主。

事隔數年,重看這些裸體作品,她說並沒以前的複雜情緒,也沒有依戀感覺,純粹以展覽角度分享過去發生的事情,「透過影像表達出當時的情緒,總好過活在過去的記憶中。」

Nude Studies

日期:即日至6月13日 / 11am-6pm(三至日)

地址:上環磅巷28號地下Blue Lotus Gallery

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蔣鵬奕 以繪畫思維創作攝影

中國攝影藝術家蔣鵬奕在香港舉辦第五次個展《太陽!太陽!》,展出的作品並非傳統的攝影作品,走進黃竹坑刺點畫廊,隨即被牆上的大幅抽象作品吸引目光,藍色影像裏有一個個白色小孔、粉紅色畫面中佈滿黑色斑點,難免令人感到一頭霧水。此系列作品與展覽同名,顧名思義是以太陽光線進行影像創作。

刺點畫廊展覽現場。

如太陽光壓 力量太集中成傷害

太陽光常用來創作藍曬影像,蔣鵬奕則利用放大鏡聚集太陽光,透過光線的熱量在菲林上形成一個個灼熱的光暈,這些小孔最終成為影像的斑點。由於菲林不能直接暴露於光線下,所以他在表面覆蓋一層黑色的遮光紙,影像中的黑色正是由此而來,當聚焦的太陽光線在遮光紙上移動時,彷彿創造出如刀割般的傷痕。畫面中的一整片粉紅色或藍色,來自叠加在菲林表面的不同顏色玻璃紙,令影像呈現出夢幻般的效果。

以太陽光線進行創作,表面上是藝術家對於攝影媒介的探索,當中也摻雜着他兒時的回憶,例如物理課的放大鏡科普小實驗、包裝糖果的彩色玻璃紙等,還有一層隱晦的想法。「太陽是有壓力的,稱為光壓(或輻射壓),如果它能量集中的話,是能對事物造成破壞的。」太陽是很強大及不可取代的,放諸現實社會也有相似之處,當一個國家或機構很集中一種力量時,也很容易給平民百姓造成傷害。表面上千瘡百孔的影像,由於事先的佈局和排列,卻是帶着美感的——如此看來,也增添一層諷刺意味。

蔣鵬奕沒有修讀過攝影,也沒有傳統攝影的創作包袱,現年44歲的他,自小已開始學習繪畫,因繪畫無法找到工作,輾轉在一間地產開發公司拍攝樓盤廣告,從而踏上攝影之路,開始沉迷在影像創作。早期作品如《萬物歸塵》(2006-2007)、《發光體》(2007-2008)等,創作過程均涉及用相機拍攝,2016年及2017年,則用寶麗來相機創作出《消融》和《海洋匹配太陽》。「即影即有是很私密的拍攝行為,拍攝時的狀態是很膠着的,很適合用來表現情色或曖昧的情感。」

寶麗來突破「情色」禁忌

在《海洋匹配太陽》作品中,蔣鵬奕翻拍蒐集得來的成人雜誌照片,然後在影像顯影前進行摺疊及破壞,令照片產生明顯的「傷痕」,從而產生一種「踰越」(transgression)。這個理論源自法國哲學家巴塔耶的《情色論》,他認為禁忌的出現在於創造出一種「踰越的神聖性」,而這種神聖性則會帶來愉悅感。許多宗教禁止婚前性行為,強調生殖的純粹性,所以結婚生子並非情色,只有突破禁忌(踰越)的單純性愛,才叫情色。

這種情色不限於性行為,對于宗教禁忌的突破,也是情色的一種。在另一輯展出的作品《導體》(2017-2018)中,蔣鵬奕以即影即有相機拍攝現成的基督教及佛教藝術圖像,並沿用《消融》系列的創作手法,將寶麗來相片進行移膜、製造出褶皺,令作品成為介於攝影與雕塑之間的獨特形態。「宗教圖像和祭壇畫承載着人的信仰,如果這些宗教畫像壞掉了(突破宗教禁忌),人們是否還能產生感情?」這些作品恍如通電的「導體」,又是否能讓人產生感應。

沒光源照片 藝術無需一言道破

2014年,他創作《幽暗之愛》時,原本想以長時間曝光拍攝螢火蟲,結果在偶然機會下把螢火蟲直接放在菲林上曝光,從而開始無相機攝影的創作方法。「我是以繪畫的思維來創作攝影,總思考如何突破創作的限制、如何透過感光材料進行創作。我並非攝影專業出身,覺得這種方式很適合我的創作。」他喜歡創作時的偶然效果,像《親密》(2014)、《在某時》(2015-2016)這兩個系列的夢幻彩色影像,源自發光的螢光紙與菲林的接觸;另一個在展覽中展出的《預見》(2017-2018)系列,則透過水果和蔬菜在菲林上的化學反應創作而成。

攝影一詞源於古希臘文的Phos(光線)及Graphe(書寫),意思是用光的書寫形式重現事物。在傳統的定義中,攝影一定要有光源,然而他的初衷卻是創作沒有光線的照片,透過化學反應去獲得影像。他將蔬菜、水果放在菲林上,再置於全黑環境,在漫長的時間中,腐爛的蔬果產生的細菌慢慢分解並破壞菲林,從而產生一種獨特的色澤及紋理,恍如一幅抽象水墨畫。

《預見》不僅探索攝影媒介的可能性,同時也沒有從大時代與現實環境中抽離,作品中也投射藝術家的個人想法及思考。「我不太認可目前的社會現狀,在《預見》作品中,菲林上原本是新鮮的水果和蔬菜,最後卻在黑暗的環境裏慢慢腐爛。」誠然,這系列作品有一定的不可預見性,但它所象徵的某種結果,卻是能預見的。藝術無需一言道破,或許如此,才有更多思考及心領神會的空間。

太陽!太陽!

時間:即日至7月3日

時間:10:30am-6:30pm(二至六)

地址:黃竹坑道28號保濟工業大廈15樓刺點畫廊

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·圖片由Blindspot Gallery提供

《The Freewheelin’ Bob Dylan》 紐約街頭的甜蜜戀人

今天(5月24日)是傳奇詩人、歌手、諾貝爾文學獎得主Bob Dylan八十歲生日,他的音樂生涯橫跨六十年,2011年及2018年更曾到香港舉辦演唱會。

多年來,為他掌鏡的攝影師多不勝數,在他初出道時,Daniel Kramer 、Ted Russell及Don Hunstein等攝影師都為他留過倩影,之所以特別提及Don Hunstein,全因《The Freewheelin’ Bob Dylan》封面照片正是由他操刀。在這張專輯裡,有1960年代的代表歌曲《Blowin’ in the Wind》,它影響了無數後來的音樂人。

享年88歲的Don Hunstein(1928-2017)是哥倫比亞唱片公司攝影師,在其逾三十多年攝影生涯裡,曾拍攝無數著名音樂人,如Miles Davis、Johnny Cash及Billie Holiday等,當然最為人津津樂道的,自然要提Bob Dylan的唱片封套照片。

1963年2月一個寒風凜冽的下午,紐約泥濘的街道兩旁停滿汽車,焦點落在一對年輕情侶身上——Bob Dylan及女友Suze Rotolo。雖然Bob Dylan年輕時曾以憤世嫉俗的形象為人所知,不過在這張照片裡,卻是甜蜜的戀人角色,穿著啡色外套的他與女友挽手走在寒冷的街頭,相互依偎。

Don Hunstein讓二人從遠處慢慢走回來,在短時間內拍攝出滿意畫面,並選擇其中一張作為《The Freewheelin’ Bob Dylan》封套照片,這亦成為1960年代流行文化其中一張最為人熟悉的畫面。

植物裸體雙重曝光  藍曬的浪漫

植物與裸體,看似風馬牛不相及,在居港法國攝影師Ben Felten的雙重曝光拍攝之下,卻呈現出一種毫無違和的夢幻美感。他以藍曬技術將影像印製成實體相片,為作品增添詩意及浪漫感覺。

對從事電訊業顧問的Ben而言,攝影只是興趣,2014年他移居亞洲後,開始以菲林相機進⾏街頭攝影。「拍攝菲林的其中一個有趣之處是多重曝光,讓影像畫面看起來更豐富,令我十分着迷。」植物及人像均是他感興趣的拍攝題材,植物有獨特的形狀及生命力,十多年前在法國時,他曾拍攝過一系列爵⼠樂⾳樂家,而今則結合這兩種題材創作出雙重曝光影像。

最初拍攝的人物是穿着衣服的,但與植物圖案的效果並不協調,直至2019年,他嘗試拍攝裸體,才發現與植物的結合十分搭配。「我不會強調我拍攝的是裸體作品,只是裸體比較適合做雙重曝光。拍攝時,我更留意光線的效果及人物的動作姿勢,如何更好地呈現植物的圖案及形狀。」透過這系列作品,他藉此帶出關注及愛護大自然的訊息。

膚色深淺 呈現不同細節

創作時,他先在維園或香港動植物公園拍攝質感、形狀比較有趣的植物,盡量保留所有細節的清晰度,然後再在同一卷菲林以白色背景拍攝裸體人像,以突出雙重曝光效果。當以黑色背景拍攝時,植物與裸體則彷彿融為一體,感覺身處同一個環境拍攝。他說拍攝過程總是很神奇,存在很多偶然性,一卷菲林往往只有數張成功。「不同深淺的膚色呈現的效果不盡相同,深色皮膚或畫面中較暗的位置,身體上會呈現更多植物細節,不同人的皮膚、鬍鬚、動作,也令影像呈現出不一樣的美態。」

這系列雙重曝光作品非常夢幻,人體上的植物有的看起來像刺青,有的則有樹影婆娑的效果。當他以藍曬法印製照片時,更有一種工藝的美感。十年前,Ben曾接觸過藍曬法,去年夏天因疫症關係,他無法回法國老家度假,在忽然悠閒的日子裏,他開始重拾當年的藍曬樂趣。過程中,他先將雙重曝光的菲林影像製作成數碼負片(digital negative),然後在水彩紙塗上感光物料,再於陽光下顯影。

古老工藝 充滿偶然性

「藍曬法就像一個很理性的科學實驗,任何人都能創作藍曬相片,而且有不錯的效果,但要百分百達到理想中的效果,卻非常困難。」畢竟,藍曬以陽光進行創作,天氣總不似預期,雖然他會記下藍曬過程中的時間及影像數據,有時也會以紫外線燈進行印曬,然而每次在水彩紙塗上藍曬感光物料的筆觸都不一樣,所以每張相片的效果都是獨一無二的。

早於1842年,英國博學家John Herschel已發明藍曬法,翌年,英國植物學家及攝影師Anna Atkins創作出第一本藍曬植物圖鑑。雖然這種方法後來被其他攝影技術所取代,不過在數碼時代之下,大眾反而追求菲林攝影及古老的曬相方法,藍曬法這種講求工藝及慢活的態度,獲得不少人青睞,其獨特的色調及充滿偶然性的效果,總令人心馳神往。Ben Felten則透過這種手法,將植物與裸體融為一體,創造出唯美而夢幻的影像。

Nude Studies

日期:即日至6月13日

時間:11am-6pm(三至日)

地址:上環磅巷28號地下Blue Lotus Gallery

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原文見於果籽

Philip-Lorca diCorcia 遊走現實與虛構

攝影既可記錄現實,亦可創造「事實」。關於攝影的真實性,美國作家桑塔格(Susan Sontag)在其著作《論攝影》(On Photography, 1977)裏早有精彩論述,無獨有偶,同年美國藝術家Cindy Sherman開始創作自拍自演的黑白劇照系列《Untitled Film Stills》,不過直到1980年代初,編導式攝影(Staged Photography)才正式成為一種攝影創作類型,由Jeff Wall、Gregory Crewdson及Philip-Lorca diCorcia等攝影藝術家發揚光大。

《Mary & Babe》看似捕捉了梳化上的女性眼光望着正在穿褲的男性,實際上是藝術家的精心安排。

編導式攝影利用特定的場景與人物進行拍攝,畫面常常充滿戲劇性效果,令作品遊走於實現與虛構之間的模糊邊界。在耶魯大學取得藝術碩士學位的Philip-Lorca diCorcia,在1980年代初試鋒芒,一幅幅家人及朋友的生活照片看似日常,彷彿不經意捕捉的畫面,其實一切都是藝術家的編導。正如那幅《Mary & Babe》,坐在梳化上的女性眼光望着正在穿褲的男性,看似抓拍了一個隨意而偶然的瞬間,不禁令觀者幻想兩者的對話,然而這個獨特的視角與畫面的張力,卻是藝術家的精心安排,足見他對環境及人物的調動能力。

現年70歲的diCorcia,2019年在中環卓納畫廊舉辦大中華區地區首次同名回顧展,帶來六個系列作品,不同系列作品之間的關係相互緊扣,從中也勾勒出藝術家的創作歷程。1990年代初拍攝的《Hustler》(男妓)是承前啟後的作品,他在洛杉磯Santa Monica大道周邊的街頭及汽車旅館,拍攝男性及跨性別賣淫者的照片,以被攝者的姓名、年齡、出生地及性服務費用來命名作品。精緻的燈光及佈置,一方面既反映男妓的複雜內心,而在街頭的創作也啟發出他的另一系列作品《Streetwork》。

《Hustler》系列以男妓背景來命名,圖為《Eddie Anderson, 21 years old, Houston, Texas, $20》。

閃光燈街拍 加強戲劇性

莎士比亞說,人生就如舞台,diCorcia亦覺得,生活就是表演。在《Streetwork》作品裏,他在紐約、倫敦、東京及香港等大都會的街頭,拍攝途人行走的場景。有別於一般的街拍,他在取景範圍之外裝上閃光燈,生硬的燈光令畫面充滿戲劇性,而這種建基於真實場景的戲劇效果,又與編導式攝影截然不同,diCorcia的作品可謂進一步探討了真實與虛構的關係。

《Streetwork》系列以閃光燈在不同城市拍攝街上途人,圖為東京街頭。

千禧年初創作的《Heads》系列,衍生至《Streetwork》,運用同樣的創作手法拍攝,鏡頭更聚焦在途人的表情神態,強光照射在紐約時代廣場街頭的路人臉龐,令其似乎從背景中抽離出來,更具戲劇效果。diCorcia拍攝三千多張相片,最後只挑選17張作品,來重現他心目中完美的「決定性瞬間」,然而他的這種人為的燈光操控,又使他從傳統的街頭攝影中脫穎而出。他說自己不習慣拍攝人物,這系列作品從遠距離用腳架拍攝,甚至不用與被攝者對話,雖然曾因肖像權問題惹上官非,幸好法庭判他勝訴。

《Heads》系列衍生至《Streetwork》,藝術家將鏡頭及閃光燈對準途人的表情,更具戲劇性。

藝術創作之外,diCorcia其實也是一名商業攝影師,《Streetwork》系列就是他在世界各地工作時利用閒餘時間創作的。而在他的商業攝影裏,更將編導式攝影發揮得淋漓盡致,1997年至2008年期間,他曾為《W》雜誌創作一系列照片,將模特兒與演員置身同一空間,既融入品牌服裝,同時又以豐富的敘事增添藝術感。這些畫面並非傳統時尚攝影的色彩繽紛,某些作品甚至令人感受到美國畫家Edward Hopper與英國畫家David Hockey畫作中的孤寂與疏離,彷彿置身電影場景一般。 ~照片由卓納畫廊提供


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