Interview – Page 7 – 顯影-PhotogStory

曖昧情感「紅色令人又愛又恨」

August 16, 2018August 29, 2018Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged Olivia lalaLeave a comment

紅色是一種帶有強烈情感的顏色，在華人文化裏，紅色意味着喜慶，然而對八十後業餘攝影師林梓欣（Olivia lala）而言，當心情跌進谷底時，也是這種顏色。「紅色是一種難以名狀的情感，它不講求是非黑白，令人又愛又恨，人生有了紅色才更精采。」最近她在尖沙嘴某一家酒吧舉辦首個攝影展《赤色角度》，展出近三年多來拍攝的以紅色為主題的相片，有都市的燈紅酒綠、也有個人的曖昧時刻。

展覽開宗明義講的是紅色，不過Olivia一來就說，「其實很多時候，我覺得自己是白色的，是沒有感覺的。」她把自己比喻成畫布或影像，色彩時而平淡、時而強烈，照片裏的紅黃藍綠，有時正反映了她的內心。她會以顏色來歸分自己拍攝的照片，顏色對她而言也是一種情緒的反映。「我是好收埋自己的人，亦是很情緒化、很壓抑的人，不開心時拍攝的東西是藍綠色的。當這種情緒去到盡頭，就是紅色。」

Olivia曾在美國讀書及工作共八年，2014年尾從美國回港後無人無物，相機便成為其最好伴侶，她每天帶着相機四處影，任由思緒流入相機裏，化為一張張影像。展覽在酒吧舉行，照片不工整地掛着牆上，有她的自拍、有街拍照片、亦有物件的特寫，紅黃藍綠的燈光顏色反射在作品時，感覺很曖昧。「我曾有一段時期的內心都是紅色的，這些顏色這些事物某程度上都代表了我的心情。這些東西對別人微不足道，對我卻是不可磨滅的記憶。」

這幅作品令人想起美國攝影師William Eggleston的《The Red Ceiling》。

紅色不會時常浮現，但一旦它來臨，便是很入心入肺的，很難let it go。她說紅色的出現，某程度上也因遇上了愛的人，「如果沒有那些對我好或拋棄我的人，我或者不會去攝影。」現在，攝影已成為她的生活習慣，就像刷牙洗臉一樣，她每天都會帶着相機——用她的原話就是不戴bra都要帶相機。「你喜歡一樣東西的熱情是會過去的，但習慣不會。」參加著名攝影師Patrick Zachmann的工作坊，Olivia明白攝影應該是關乎個人感受的，所以她的作品不太注重攝影技巧，有時甚至是抽象而鬆矇的，她喜歡透過玻璃的反射去看世界，透過鏡像去反映自我。

除了抒發自我的街拍，Olivia近年也開始了個人的攝影計劃。她曾在美國修讀社會福利及社工，經常照料無家可歸的人，回港後雖沒成為註冊社工，但她亦想透過攝影去記錄低下階層或不同人的處境。「那時我在油麻地幫南亞裔家庭的小朋友補習，他們生活在紅燈區的唐樓大廈，認識他們之後令我燃起做社工的心態，只是這次是用影像來關懷。」Olivia很喜歡中國攝影師呂楠的作品《被遺忘的人》，在過去《Rowen & Sarah》系列作品中，同樣有一種人文關懷，以平實的鏡頭拍攝一對南亞裔小朋友的生活，風格雖然與這次展覽大相逕庭，但背後同樣是一顆充滿情感的心。

《赤色角度》

時間：即日起至8月31日（7pm-5am）

地址：尖沙咀漆咸道南53-55號嘉芙中心3樓C+Club²

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《蘇絲黃的世界》：被建構的香港歷史

July 27, 2018April 15, 2021Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 生死戀, 荷李活電影, 蘇絲黃的世界, 蝙蝠俠——黑夜之神, 香港歷史博物館, 變形金剛4, JCCAC, Jeff Wall, Staged Photography, The World of Suzie Wong, 劉衛, 威廉‧荷頓, 悍戰太平洋, 攻殼機動隊Leave a comment

荷李活電影的影響力毋庸置疑，想不到連香港歷史博物館也要「借鑑」其電影《蘇絲黃的世界》，來介紹香港五、六十年代的歷史。藝術家劉衛對此感到十分驚訝，促使她思考究竟香港的歷史及形象是如何被建構出來，她以一系列荒誕不經的影像對這種表述作出提問。

近年越來越多荷李活電影來港取景，如《變形金剛4》及《蝙蝠俠——黑夜之神》等，不一而足。這股熱潮最早更可追溯至1950年代，美國影星威廉‧荷頓參演的《生死戀》及《蘇絲黃的世界》，均是以香港為背景的愛情電影，後者更成為了西方國家認識香港的典範之作。

1960年的《蘇絲黃的世界》（The World of Suzie Wong）改編自同名英文小說，劇情講述威廉‧荷頓與關南施飾演的妓女蘇絲黃相愛的故事，影片中出現的天星小輪、人力車及中環灣仔等地方，至今仍令人緬懷。

不過，作為有關香港題材的其中一部最有影響力的荷李活電影，《蘇絲黃的世界》某程度上在西方世界建構了香港形象：擁擠的人群、沿街叫賣的小販、林立的霓虹燈招牌，某些情景更是為滿足西方觀眾的獵奇心態而佈置。1980年代Cyberpunk文化開始流行，香港的街景與未來主義的形象相結合，這又成為《悍戰太平洋》及《攻殼機動隊》等電影的取材元素。

植入未來主義元素

「荷李活電影在流行文化有很大影響力，然而其取態卻未必很客觀，這些電影又是否能代表香港這個地方呢？」在短片作品《Walking to Nam Kok Hotel》裏，劉衛以《蘇絲黃的世界》中威廉‧荷頓步行到南閣酒店一幕的場景為藍本，叠加了有香港元素的荷李活電影片段，包括《攻殼機動隊》、《奇異博士》、《悍戰太平洋》。這些影片中有關香港的元素如出一轍——霓虹燈與夜景，這幾乎成為香港的一種符號。

從《蘇絲黃的世界》開始，流行文化一直慢慢加深了外界對香港這個地方的想像。在其影像作品裏，她擷取《蘇絲黃的世界》的畫面，加入了充滿未來感的元素，令影像變得超現實。觀眾未必能一眼辨識出她所改變的細節，然而細心觀看時，才會慢慢發現其突兀之處，例如維港大樓被魔幻大廈所取代、戲中女配角Gwennie Lee肩上出現的盔甲、蘇絲黃臉上的三維抽象圖像。這些充滿未來主義的女性形象，正映照荷李活電影對香港的傳統觀感。

此外，劉衛亦以類似手法處理香港的舊照片，在維港景色及掛滿招牌的街道中，植入不屬於那年代的元素。「這些形象在將來或許會慢慢變成香港的標記，變成未來人對香港的記憶，正如當年的舊照片一樣。」她如此解釋展覽名稱《明日記憶》的由來。說到底，劉衛關心的是身份問題，究竟香港的身份是甚麼？關於這城的歷史及形象，又應以甚麼準則去書寫？

用現成影像做創作

綜觀劉衛過去數年的作品，幾乎都以現成影像來做創作，《Extract》系列用家庭照片結合護照上的圖案創作而成，《Profile Picture》則在童年照片畫上兒時影響自己的動畫元素。今次展覽的作品以電腦CG創作，也算是有迹可循。劉衛從事商業攝影已十年，難得是她沒有傳統攝影包袱，也不介意用所謂的二手影像做創作。她喜歡加拿大攝影藝術家Jeff Wall的作品，其編導式攝影（Staged Photography）帶有強烈的劇場感與故事性，透過影像去展示一個現象，這一點與劉衛的電腦CG創作，彷彿有異曲同工之妙。「《蘇絲黃的世界》中的香港形象早被定性，我需要這樣的視覺元素，來探討講這個形象如何被建立。」

PS：2018年，劉衛在JCCAC「光影作坊」舉辦展覽《明日記憶》，部分作品2021年移師La Galerie（中環荷李活道74號）展出，展期至4月25日。

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聚焦親密瞬間還原生育的神聖

July 19, 2018July 19, 2018Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged Art in Hospital, 生育, 神聖, 藍曬, 藝術在醫院, 藝術家, 黃淑琪, Ki Wong, 出世, 媽媽Leave a comment

生命的誕生是件奇妙而神聖的事，孩子出世，生育的婦女轉眼（或再度）成為媽媽。你能想像當媽媽首次抱着孩子的時刻，該有多麽溫馨！你不能想像的是，剛分娩完的媽媽一臉倦容，身穿產婦袍、手上插着喉管，恍如病人，這時醫護人員例牌幫媽媽與孩子合照——看似溫情的時刻，然而總感覺缺失了某種人情味，更遑論有神聖感覺。育有一對兒女的藝術家黃淑琪（Ki）感同身受，她收集了60多位媽媽在醫院與孩子的第一張合照，去掉醫院的背景，只剩下媽媽與嬰兒的親密瞬間，還原生育的神聖感覺。

每位在醫院生育的媽媽，大概都有一張躺在病床與嬰兒的合照。「生完BB之後，醫護人員會幫你和小朋友合照，其實那刻未必很想影。我很期待與孩子的第一張照片，但出來的效果卻不是最喜歡的，我覺得很遺憾。」Ki說在香港分娩好像生產（production）一樣，是很程序化的，所有事情都跟足步驟一二三四去做，她覺得整個生育過程其實可以更人性化。她回想起生第一胎時，正值雙非家長來港生仔的高峯期，醫護人員忙得不可開交，根本沒時間去關心媽媽，周圍的氛圍也沒令人感到溫暖。她覺無奈，但也理解。

“攝影創作未必是直接按下快門，我會形容自己是facilitator（引導者）的角色，賦予照片意義，大家幫我將這種意義呈現出來。”

兩年前，非牟利團體「藝術在醫院」（Art in Hospital）邀請Ki參與計劃，其間她發現自己懷上第二胎，她想起過往的分娩經歷，順應聯想到婦產科。她時常在想，究竟藝術在傳統的圈子外，可以怎樣發生？又如何將醫院裏不為人知的一面，在社區呈現及展覽？「對普羅大眾而言，藝術不應太艱澀或抽象，應是美感為先，而且要感動人的。」她尤其關注媽媽與小朋友的關係，在工作坊上讓家長臨摹孩子的畫作，去思考孩子畫的時候的想法，又教幼兒學校的小朋友編織手繩，向懷孕的媽媽獻唱及綁上手繩，意味着孩子與媽媽的連繫。

在《出世》這系列藍曬攝影作品裏，她向幼兒學校及身邊的媽媽朋友收集她們與孩子的合照，然後抽走喉管、病床等醫院元素，抹去媽媽的「病人」形象，將重點集中在媽媽與孩子的表情上，其中一張作品抽走背景後，好像聖母抱着聖嬰的感覺。「這種轉化的力量很強烈，也很吸引，促使我去思考如何將這個展覽做得更有神聖的感覺。」

她於是想用古老的藍曬方法，利用陽光來做創作，將影像印在相紙上，很自然也有降臨的感覺。Ki將抽走背景的照片印在膠片上，在工作坊中教媽媽們把她們的合照曬成相片，令她們回想生育的情景。「許多媽媽參與工作坊後都覺得很感動，我想令她們可以不在醫院的環境下感受生育的經驗。」

_DSF4201 — 作品《家承》（Moon II: Tracing the Line）

她同時用特殊材料創作了10幅大尺寸的藍曬作品，在水彩紙上印成橢圓形的影像。橢圓形看似女性懷孕時的腹部，其實在Ki過往的創作裏亦有迹可循。她原是浸會大學視覺藝術院講師，其間也創作過一系列人像作品，2012年的《家承》（Moon II: Tracing the Line）正是一系列橢圓形的側面人像作品。在她看來，橢圓形就如一塊鏡，希望能藉此反映人的情感。「在展覽的分享會上，有位患有抑鬱症的女士自小就感覺自己被忽視，她看完照片後覺得很療癒，說作品令她想起自己也曾有過這個溫馨的場面。」

《出世》@「對話的風景」

日期：即日起至7月29日

時間：11am-7pm（星期一休館）

地址：土瓜灣馬頭角道63號牛棚藝術村14號1a space

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廖偉棠用詩意告別森山大道的影響

July 12, 2018November 20, 2025Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 香港攝影師, 廖偉棠, 森山大道

森山大道是當今日本最重要的攝影師之一，他的高反差、粗微粒、粗糙及模糊的攝影風格，挑釁着二戰後日本社會美學，也影響了無數後來者。詩人廖偉棠也曾迷戀過森山大道的作品，2004年發表的首本攝影集《孤獨的中國》，高對比黑白照片中的鬆矇，在作品中隨處可見。十多年過去，如今的他已不再以攝影為生，與攝影的關係也變得更純粹，今年初出版的攝影集《微暗行星》，收錄了過去多年在世界不同地方拍攝的彩色及黑白照片，前者稍顯黯淡、後者充滿詩意，「我想以此作為一個分界點，告別深森山大道對我的影響。」在同名攝影展舉行前夕，他如此形容近年的作品。

大多數人認識廖偉棠，是其詩人及作家身份，他的評論文章，廣見於中港台報章雜誌。料想不到，他大學修讀的是攝影。「其實我有近十年時間都在從事攝影工作，幫時尚雜誌影相，連廣告攝影也有做過，但我始終不太鍾意。」1990年代末在文學界成名，廖偉棠曾放下攝影數年，做過書店店長。這位波希米亞主義的流浪詩人，回歸後從廣東來港後，輾轉又去了北京生活。2001年他在北京與陳冠中一齊做《視覺21》雜誌，原本他是圖片編輯，後來才重拾攝影。
那時的他是位超級文青，關注地下文化及次文化；喜歡西藏，也做過《西藏人文地理》的簽約攝影師；還與綠色和平、樂施會等機構合作，拍攝環境污染、塵肺病等社會議題。回港後他籌辦過攝影雜誌《CAN影像誌》，同樣關注低層人民的生活狀況，2011年也出版過攝影隨筆集《遊目記》。

調低飽和度　製造黯淡詩意

廖偉棠是為數不多遊走在攝影與詩之間又將兩者結合的人，從2005年的《巴黎無題劇照》到近年的《尋找倉央嘉措》、《傘托邦——香港雨傘運動的日與夜》與《微暗行星》，無不如是。「我經常思考文字與攝影的關係，到底會互相激發還是產生矛盾呢？」在《巴黎無題劇照》作品集中，他以富士TX-1相機來拍攝，寬幅比例的照片看起來很有電影感，再配以沒有關聯的文字，文字與相片之間的貌合神離，故意製造出一種假寫實，頗具實驗性。
然而，他的根一直是紀實攝影，只是他不喜歡大多數的新聞紀實攝影。畢竟紀實攝影在二十世紀被塑造成一種權威，不是Robert Capa的那種生死攸關，就是布列松的決定性瞬間。廖偉棠偏愛在紀實攝影中保持距離感，也不介意構圖是否唯美，「我喜歡森山大道，就是欣賞他打破對美的固有想法。」正如其新書《微暗行星》一樣，它不是傳統的旅遊攝影集，從城市A至Z的順序來排列照片，看似很有次序，其實跳脫得很，上一頁還是雅典，下一頁就去了巴塞隆拿；當你沉浸在京都時，下一瞬間又到了拉薩。

每座城市只挑選三數張甚至一張照片，沒有標誌性的景點，也沒有獵奇或風光旖旎的畫面，反而是平凡而隨性拍攝的瞬間。「我想在照片中找一個曖昧的時刻，很微暗很低調的，慢慢去感受畫面的內容。」在拉薩的博物館內，廖偉棠隔着花草拍攝了一張官方的宣傳相片，畫面中一位戴着紅領巾的西藏學生正開懷大笑，若隱若現笑容背後，代表他對西藏的又愛又恨。「我覺得很多事情都被歪曲了，西藏正被漢族文化改變。」
廖偉棠相信攝影能介入現實，但他不會像傳統的新聞攝影一樣，拍攝劍拔弩張的衝突場景，這在《傘托邦》一書裏可見一斑。他的照片沒有販賣苦難，也不會賺人熱淚，他覺得一位詩人或藝術家，面對這個世界應該是從容而淡定的，這樣才能更理解彼此。他故意將某些照片的飽和度調低，令其變得黯淡、平靜，彷彿很漫不經心的，有種淡然的詩意。

背後的這種細膩，自然與他寫詩的經歷有關。對廖偉棠而言，攝影及文字是對等的，所有影像都是經過思考之後才按下快門的，攝影並非只是文字的點綴。「當我拍攝一樣事情時，我就不會再寫。當我做回詩人時，會嘗試寫下無法拍攝的東西。」不過他也坦言，自己的攝影與詩是互相影響的，詩人的世界太文明，寫作時慢慢會規範了自己，「而拍攝時是很粗暴，是很亂的、不工整的。攝影令我保持創作的平衡與活力。」寫作時他往往不能自拔的，在文字間痛苦地糾纏許久，而攝影卻帶來歡樂，可以與世界很直接的交流、坦然相對，有時甚至是種休息。

PS：廖偉棠攝影展《微暗行星》，2018年7月於油麻地kubrick書店展出。

Michael Kenna：樹木值得我們去尊重及珍惜

June 28, 2018June 4, 2025Posted in Exhibition, InterviewTagged Blue Lotus Gallery, MICHAEL KENNA1 Comment

英國攝影師Michael Kenna拍攝風景超過四十年，對樹木情有獨鍾，以簡潔的黑白照片來呈現樹木的美態。時隔四年，這位舉辦過逾400場展覽的攝影師，最近再度來港舉辦展覽《Philosopher’s Tree》，跟他分享近年香港古樹的命運，政府為斬腳趾避沙蟲處決過一些古樹，他聽完一臉錯愕，雖說不熟香港情況而沒有妄下斷語，可訪問期間他多次強調要尊重及珍惜樹木。「樹木對地球來說，不僅在生態環境及美學上，都有非常有價值。」更何況在香港，這些古樹還承載著歷史。

Broken Branch, Yangcao Hill, Heilongjiang, China. 2011

說起香港古樹，Michael Kenna感同身受，因他多次在日本北海道拍攝的Kussharo Lake Tree，在當地變得很歡迎，許多人慕名而來，不時爬到樹上，營地主人覺得太危險，便把它斬掉了。出版過一本同名攝影書，他覺得自己也有一定責任，「畢竟我的照片某程度上令那棵樹變得成名，間接令它面臨死亡。」好奇害死貓，人類的無知與無禮卻害死樹。同樣位於北海道的Philosopher’s Tree，獨自生長在一片莊稼田中，許多遊客私自潛入田園拍攝，對莊稼及園主的生活都造成影響，加上大樹有老化跡象，園主最後不得不出此下策，以解後顧之憂。說起這棵優美古樹的消失，他不無感慨，「樹木其實與人一樣，都是有生命的，值得我們去尊重。」

Tree in Snowdrift, Yangcao Hill, Wuchang, Heilongjiang, China. 2

Michael Kenna自1970年代初已拍攝樹木，與樹木的淵源，更可追溯至其兒時的經歷。現年65歲的他，成長在英格蘭北部工業小城Widnes，家中距離公園很近，他不時與四位哥哥到公園玩耍。「我自小就對樹木感興趣，把樹木當成朋友，用它來創造故事，總幻想著有野生動物或太空船降臨在樹上。」後來當他接觸攝影後，樹木便成為了其拍攝對象，一切來得很自然。問他如何選擇想拍攝的樹木，他卻反問我如何選擇朋友。「每棵樹都有它的個性，其實就和朋友一樣，你們會互相吸引。」

Kussharo Lake Tree, Study 6, Kotan, Hokkaido, Japan, 2007

旅行拍攝風景可以走馬觀花，但面對著朋友，Michael Kenna可不會貪新忘舊。他時常重複同一棵樹，2002年時在北海道遇上了Kussharo Lake Tree，那是一棵日本橡樹，在冬日的茫茫白雪中，枯枝高傲地靜立著，恍如盆栽般優美。由那刻起至2009年，他幾乎每年都會重遊故地拍攝，去探望這棵樹。「每次你與朋友見面時總會有新的話題，你不只是徘徊在表面，可以更深一層去對話。」對他而言，是對樹木有更仔細的觀察、有更深的認識，由於每次拍攝的角度、形狀、天氣及曝光時間不同，出來的效果都不盡一致，「我很喜歡見到那種細微的差異。」

Erhai Lake, Study 9, Yunnan, China. 2014

平靜的詩意

細看Michael Kenna的照片，會發現有一種安靜的力量。他以移動的雲和流動的水為背景，將樹木在背景中抽離出來，作品大多以慢快門拍攝而成，創作一張照片往往需時數分鐘甚至十二小時，長時間曝光令畫面變得柔和。這與同樣用慢快門拍攝風景的Ansel Adams可謂截然不同，Michael Kenna不追求細節與層次，反而注重畫面的平靜和詩意。他會以俳句或山水畫來形容自己的攝影風格，簡潔留白而又充滿想像力。他覺得攝影亦是如此，不用記錄下所有事情，反倒是利用雲霧或雪地等元素，作為觀眾想像力的催化劑。

Michael Kenna早期深受Bill Brandt和Josef Sudek等攝影大師影響，前者的光影及後者的詩意，都營造出許多思考的空間。1980年代來到亞洲拍攝後，被亞洲的寧靜風景所吸引，他發現正是這種樸實無華的畫面，減少了感官分神。在接觸了在接觸書法、水墨畫和俳句之後，他漸漸偏向極簡和留白的風格，作品也變得更有詩意及安靜。

Michael Kenna, Huangshan Mountains, Study 21, Anhui, China, 2009

拍攝時他也享受片刻的寧靜，細看天空光線和雲朵的變化，甚至容許思緒四處遊走。手機成癮的年代，這一切顯得份外奢侈。有句說話叫「don’t just sit there, do something.」，對他而言卻是「don’t just do something, sit there.」。這種心態，與他童年時在神學院度過的時光不無關係，有條不紊的祈禱及冥想生活，或多或少影響了他看待事物的心態。至今他仍然喜歡參觀教堂及廟宇，這種從容的心態，也貫徹在他的攝影創作過程中。

Michael Kenna的作品，是煩囂世界的一片的綠洲，擾攘不息的香港，正需要這種寧靜的洗滌。

《Philosopher’s Tree》攝影展

日期：即日至7月1日（11am至7pm）

地址: 中環善慶街6-10號地下B室Usagi空間（Blue Lotus Gallery）

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女同志的手想像戀人性事

June 14, 2018June 24, 2024Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged California Institute of the Arts, 王家衛, In & Out, JCCAC, Nicole Pun, queer art, Sodomy Law, Staged Photography, 光影作坊, 女同志, 愛神：手, 手Leave a comment

手，是身體常用的部位，吃喝玩樂離不開它。在王家衛的《愛神：手》，手也被賦予一種慾望及私密。然而對女同志而言，手更有一種更深層的含義。香港攝影師Nicole Pun過去幾年訪問及拍攝美國、台灣及香港的女同志，邀請她們想像與愛侶撫摸做愛的情景，通過一系列不同手部動作的照片，來呈現女同志的慾望，每雙手就是一對戀人的性事。

Nicole並非很前衞的人，用女性角度去觸及性愛話題，她也有些顧慮，擔心大眾用獵奇角度去看作品。最近她在香港舉辦首次個展，事前上載作品相片至facebook公佈展訊，沒想到不久後就收到facebook的警告訊息。「其實這些相片並不挑逗情慾，可能展覽的文字陳述過於直白，有人覺得很敏感。」她的擔心不無道理，在大衛像都被評為不雅物品的香港，性依然是難以啟齒的話題。

2012年在中文大學畢業後，Nicole前往美國加州藝術學院（California Institute of the Arts）修讀攝影藝術，某程度上改變她對性的看法。加州是美國較早允許同性婚姻的州分，當地人的性態度很開放，對同性關係也包容。「讀書期間接觸許多關於人體及女性主義的藝術，令我萌生研究身體及Queer Art的念頭。」

她沒有沉浸在當地的性文化氛圍，在研究世界同志文化的過程中，反而從香港過往的相關法例切入。香港受英國殖民地影響，也沿襲英國的雞姦法（Sodomy Law），這條法例在改革（1991年非刑事化）之前，是禁止男女及男男進行肛交的，可相應條文並無限制女同志的性行為。

「攝影本質就是將invisible的東西變成visible，在這條法例之下，男同志的身份變得visible，而女同志則是invisible的，這與攝影本質恰好脗合。」她的攝影，就是將女同志的invisible變成visible，借用手部來表現出自己對女同志性行為的思考，同時呈現這群性小眾的私密時刻。「手是大家熟悉的元素，有時亦會用在私密的地方，我嘗試將私密性放大。」

最初她在加州街頭隨意拍攝女同志的手部，試試陌生人的反應，發覺大家並不羞於表達，這也給予她鼓勵，邀請女同志到學校的工作室拍攝，慢慢再接觸到不同年齡及種族的受訪者。拍攝時她故意隱藏背景，讓影像集中在手部動作，微妙地重現那一瞬間，將日常私密轉換成看得見的影像。

2015年畢業回港後，她繼續在香港及台灣創作這系列作品。「既然是探討這種文化，我也希望拍攝對象比較多元化，況且我也好奇亞洲人對這方面有何看法。」她說香港人對這個議題會比較敏感，也不習慣用身體去表達，拍攝時也較害羞，「可能是文化上的差異，美國人通常較expressive，動作上做得比較明顯，肢體動作很自信。」細看手部姿勢，大概也能看得猜測手的主人來自甚麼年齡及種族，有些是輕撫胸部的動作，有些則是觸摸私處的手勢。Nicole說，既有Staged Photography的表演性質，當中又有存在真實性。

展覽名為《In & Out》，難免令人聯想到性行為，究竟女同志的私密時刻是「In」還是「Out」呢？Nicole不想說得直白。回港後她曾在不同媒體做過文字及攝影記者，對她而言，文字有時解釋太清晰，「我喜歡影像的含糊性。」在In與Out之間，其實有第三種可能性，正是這種含糊性賦予了影像的想像空間。

《In & Out》Nicole Pun 個展

時間：即日起至6月30日

時間：上午11時至下午1時；下午2時至6時（星期二至日）

地址：石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心（JCCAC）二樓十室光影作坊

分享會

1.「女體動作和慾望想像」

日期：6月16日（六）下午3時至5時

嘉賓：鄧芝珊（港大社會學系高級講師）、俞若玫（獨立創作人）

2.「我們是如何認知自己的性？」

日期：6月23日（六）下午3時至5時

嘉賓：黃鈺螢（女影香港電影節創辦人）、Nicole Pun

朱德華超現實的東江水時光隧道

May 25, 2018June 29, 2020Posted in HK Photographer, InterviewTagged Almond chu, 遊行, 香港攝影師, La Galerie, 大嶼山, 時光隧道, 朱德華, 東江水, 人工地景Leave a comment

水，無處不在，可它的存在感很低。在香港，水意味着東江水，賦予了一種政治意味，在不知不覺間融入生活。東江水輸水管其實也無處不在，只是多隱藏在地下或偏遠地區，不太為人所知。攝影師朱德華（Almond）喜歡踩單車四圍去，自從無意中在大嶼山發現輸送東江水輸水管後，偶爾也會重遊這秘境，有次發現水管上寫着「時光隧道」四字，覺得很有趣，「原本這地方已不太像香港，加上這幾個字，感覺很超現實。」這也啟發他創作出《時光隧道》這系列黑白作品。

在展覽現場，朱德華將十幅作品並置在長枱上，看起來像一條連接着的輸水管。作品中的輸水管形狀如隧道，象徵着東江水從一個時空運送到另一個時空，恍如一條「時光隧道」。在這個脫離現實的空間，他不是單純地拍攝輸水管，還請來舞蹈家蘇淑置身其中扮演墮落天使，其獨特的肢體語言與輸水管顯得格格不入，隱喻東江水背後的矛盾。在香港，東江水既是民生問題，也是政治議題，可詭異的是，東江水在中港兩端，卻是兩種截然不同的命運，在其發源地附近的許多內地城市都在搶水用，香港這端卻是多到用不完。

巨大的輸水管，是輸送食水的重要管道，也正如維持生命的血脈。朱德華在相片上畫上一條紅線，象徵東江水與港人的血緣關係。八十年代他在日本讀攝影時，曾嘗試將攝影與繪畫結合，這次他除了加上色塊，也在某些暗位處加上金箔，令平靜畫面忽然顯得跳躍。這系列作品以古老而高貴的鉑金印相法印製，畫面效果精緻，與畫面中的色塊感覺南轅北轍，這何嘗不是一種矛盾？

用攝影探索社會議題

今年55歲的朱德華從事商業攝影超過20年，也曾是香港專業攝影師公會（HKIPP）會員，在行內是家喻戶曉的人物。不過他坦言，商業攝影是滿足客戶需求，個人創作才是表達自己的感受，「經濟許可的話，想盡量做自己的創作。」實際上，他自八十年代求學時期已拍攝人像作品，一直至今，其間也涉獵過人體、馬、花、城市風景等不同題材。

對朱德華而言，攝影不只是美學上的追求，他也用攝影探索社會議題，2003年七一，50萬人上街，啟發他創作《遊行》系列作品，他將真實場景結合虛構人像，合成鋪天蓋地的遊行隊伍。這系列作品共有15張，橫跨逾十年，回應着不同的社會事件，包括2014年的雨傘運動。他還有一個系列叫《人工地景》，在堆填區、廢物回收站及儲水庫等地方拍攝人為的「垃圾風景」，讓人反思對大自然造成的破壞。

常說藝術源自生活，朱德華正是活生生的又一例證。「人的想像力是很有限的，真正很solid的作品都是從生活感受出來的。」他以前喜歡騎馬，一個禮拜要騎三次，啟發他創作了一系列馬匹的作品。近年他愛上踩單車，這同樣給了他靈感，2012年的《你眼：望我眼》展覽，朱德華展出的正是兩幅單車人像的攝影作品。又例如最近《時光隧道》這系列作品，同樣是他踩單車周圍去的前提下孕育出來的。「社會上發生的許多東西很自然令你有想法，我覺得這系列作品是很自然而然誕生的。」

《時光隧道》

日期：即日起至2018年6月4日

地點：中環荷李活道74號地舖La Galerie Paris 1839

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Edas Wong 街頭攝影的觀察力與想像力

May 21, 2018February 17, 2021Posted in HK Photographer, InterviewTagged Edas Wong, Elliott Erwitt, 街頭攝影, 觀察, Martin Parr, 想像, 梅佳代Leave a comment

美國著名攝影師Elliott Erwitt說過，攝影是種觀察的藝術（Photography is an art of observation.），放在街頭攝影裡，尤其貼切。Martin Parr或梅佳代的作品，總能捕捉日常生活的趣味一刻，正好印證Elliott Erwitt所說，（攝影）是從尋常的地方找到趣味的事物（It’s about finding something interesting in an ordinary place.）。香港街頭攝影師Edas Wong的作品，不但有這種異曲同工之妙，更充份展示了日常生活的巧合。

看Edas的作品，火炬變成煙囪、被輪胎裂開的欄杆……種種巧合背後，固然是過人的觀察力，非常難得的是，他照片裡的人物與環境往往產生有趣的互動，例如地鐵乘客的龍珠頭，還有站在海報女郎腋下捂鼻的女人，巧合得簡直不可思議——那張照片似乎是有味道的。Edas坦言某些作品有幸運成份，當時那位女士站在海報女郎腋下時，他心想如果她能捂鼻就太好了，果真讓他等到了這個畫面！

Edas正職是工程師，攝影完全是自學，拍攝過風景、沉迷過器材，2011年開始街頭攝影，對他而言，最想拍攝的不是何藩式的美麗構圖，而是常人看不到的畫面。在街頭拍攝數年，他說觀察經驗可以累積，正如那幅捂鼻女子的畫面，便是他在街頭拍攝的直覺及心得。Edas說，攝影同樣需要想像力，他希望透過相片去引發大家的想像力，重新定義事物。

兒時經常獨自在家，Edas很喜歡幻想，直至而今，攝影某程度上也是表達他天馬行空想法的途徑。那張流汗浹背的男人相片，汗水印在衣衫上的痕跡，感覺好像卡通人物；另一幅室內光管與室外白雲並排在一齊的照片，絲毫沒有違和感。如果沒有這樣的想像力，許多人根本不會拍攝這樣的畫面。

攝影師固然要有好奇心，相比起攝影師的影響，Edas反而更喜歡看其他藝術流派的作品，例如野獸派、達達主義等。作為被港式無厘頭文化影響的一代，他笑說自己是用搞笑相片來訓練想像力，而更重要的是，他會不斷review自己的作品，從中學習提升。看他的網頁，他將作品細分為Coincidence、Surrealism及A Moment of Solitary等不同主題，這何嘗不是一種觀察力。

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關玲玲中風後的探戈舞姿

May 19, 2018Posted in InterviewTagged Bahia Blanca, Bar Sur, Carlos Di Sarli, 玫瑰人生, 關玲玲, 阿根廷, Jean-Dominique Bauby, La vie on Rose, 探戈, 攝影, 春光乍洩, 中風, 潛水鐘與蝴蝶Leave a comment

2015年10月，關玲玲（Alina）歐遊時中風，躺在巴黎的醫院，無法走路也無法進食，腦海裡卻想像著自己在阿根廷跳探戈——情況有如法國作家Jean-Dominique Bauby，他在中風後靠跳動的眼皮來傳達訊息，最後寫出《潛水鐘與蝴蝶》。

那時候的Alina沒有被如潛水鐘般僵硬的身體困住，心早如蝴蝶一樣飛到萬里之外的布宜諾斯艾利斯，當時醫生跟她說，「如果你能一連氣飲三口水，就讓你出院。」可見當時她連飲水都有困難，最後她辛苦地飲完三口，昂然出院，不是回香港休養，而是直接去阿根廷，再次呼吸那「美好的空氣」（首都「布宜諾斯艾利斯」的西班牙文原意）。

花甲之年，猛學猛跳！

年逾七旬的關玲玲是位奇女子。

年輕時在藝術中心修讀攝影，八十年代開始拍攝油畫人像，鏡頭下盡是當時名人。之後她做過時裝、開過boutique、也涉獵過地產，到1994年開始環遊世界，直至2011年遇上探戈，花甲之後迎來人生「第二春」。「當時我在《明報周刊》見到一個阿根廷探戈的廣告，心思思報名開始跳。」那時一星期只有兩堂，學習了一兩個月，發覺遠不能滿足自己對探戈的熱愛，結果她毅然遠赴阿根廷，一個禮拜跳足六堂，用她的原話，就是「猛學猛跳」。

第一次來到《春光乍洩》裡張國榮與梁朝偉跳舞的Bar Sur，有人拉著她跳探戈，發覺原來跳得尚算可以。「當時我看到表演的女孩，發奮要跳得像她那樣好。」那時她幾乎每晚都去舞會，沉醉在音樂與舞蹈中，跳到大汗淋漓，有時一日還要跳兩次。

七年來，她每年去阿根廷兩次，有時甚至三次，每次留三個月。今年四月，她再度啟程去阿根廷。回港後她也沒中斷，單在香港就有四位探戈老師。「每個老師的風格都不同，即使同一首歌的不同版本，也有不同跳法。」那時候的她，其實是閉著眼睛，與男伴隨著音樂與感覺翩翩起舞的，Alina笑說就如在雲端起舞。哪想到，遇上了中風。

中風後的玫瑰人生

「中風之後跳得很差，沒有力氣，要在舞伴身上借力。」舞步帶著蹣跚，對方還以為她是初學者，不過對Alina來說已相當不易。她左臂左腳麻痺，連站立都難，頑強的意志在探戈音樂的伴隨下份外有力量。訪問當日她原本穿著平底鞋，拍攝時主動建議穿上高跟鞋，隨著探戈音樂家Carlos Di Sarli的《Bahia Blanca》音樂起舞，完全看不出曾經中風。

Alina笑說現在比以前跳得差得多了，有時走路也要人攙扶，展覽那兩日她站得多，夜晚痛得睡不著。難得是她心態看得開，沒有悲觀失落，也沒有自怨自艾，只享受眼前。「這或多或少受到南美人的樂天性格影響，我一直是個很獨立的人，以前有時也介意別人看法，現在我完全不在乎了。」

以前她為別人留倩影，曾有人建議她做展覽，單是鏡頭下的名人已足夠號召力，但她一直沒做。這次她為自己展舞姿，二月份時在藝術中心包氏畫廊舉辦展覽，展出在世界各地拍攝的探戈舞自拍照，有巴黎威尼斯的，也有在香港的，不過更多的是在阿根廷跳探戈時所拍。

「以前的人像攝影並沒有訊息想傳達，但今次很不同，我想告訴別人我中風後也行得走得，唔一定坐輪椅。」展覽名為《La vie on Rose》，她用電腦將相片處理成浮世繪、梵高等效果，更能表達出強烈的情感。作品畫面色彩繽紛，正是其玫瑰人生的最好寫照。

原文見於OLO MAGAZINE

《赤色角度》

·原文見於果籽

植入未來主義元素

用現成影像做創作

PS：2018年，劉衛在JCCAC「光影作坊」舉辦展覽《明日記憶》，部分作品2021年移師La Galerie（中環荷李活道74號）展出，展期至4月25日。

·原文見於果籽

《出世》@「對話的風景」

·原文見於果籽

調低飽和度 製造黯淡詩意

PS：廖偉棠攝影展《微暗行星》，2018年7月於油麻地kubrick書店展出。

平靜的詩意

《Philosopher’s Tree》攝影展

·原文見於果籽

《In & Out》Nicole Pun 個展

分享會

1.「女體動作和慾望想像」

2.「我們是如何認知自己的性？」

用攝影探索社會議題

《時光隧道》

花甲之年，猛學猛跳！

年逾七旬的關玲玲是位奇女子。

中風後的玫瑰人生

調低飽和度　製造黯淡詩意