Exhibition – Page 16 – 顯影-PhotogStory

璀璨都市的失意從達明一派說起

July 31, 2018July 31, 2018Posted in ExhibitionTagged 達明一派, Gordon Matta-Clark, H Queen’s, Leo Xu, Stan Douglas, 卓納畫廊, 今夜星光燦爛Leave a comment

燈光裡飛馳/失意的孩子請看一眼這個光輝都市

再奔馳/心裡猜疑恐怕這個璀璨都市/光輝到此

歌詞來自達明一派1987年的歌曲《今夜星光燦爛》，這首歌表面寫的是香港的繁華璀璨，背後卻隱喻了香港的前景問題，最後一句歌詞「恐怕這個璀璨都市/光輝到此」煞是應景。「達明一派在八、九十年代的樂隊中風格最別樹一幟，這首歌在中國大陸有很深遠的影響，許多人寫作時都會引用最後那句歌詞。」

David Zwirner - Chen Wei, Iron Sheet, 2015 — 陳維作品《Iron Sheet》

卓納畫廊總監許宇（Leo Xu）如此說，來自上海的他今年初移居香港，他說對香港的認識最初來自粵語歌曲，來港後卻發現與想像中的風景很不一樣，被那種cyberpunk式的垂直建築與霓虹燈的城市魅力深深吸引。同時間他也覺得，如此密集的都市生活背後，卻很容易對未來產生困惑，這正正對應歌詞中的「失意的孩子」，同樣帶著迷茫。許宇策劃了一個不同媒介的聯展，來回應出不同的城市感官體驗。

聯展雖以達明一派歌詞中的《璀璨都市》為名，可尷尬是當中並沒有香港本土的藝術家，原因當然是聯展乃基於畫廊過往合作的藝術家。不過許宇也希望，這展覽能提供一個平台，讓香港人看到其他城市的發展與處境，拓闊對城市生活的想像。他以外來者的身分看香港，而藝術家作品中描述的城市也並非其土生土長的地方，大家都以異鄉人的視野，觀看城內的風景。例如生於廣東的藝術家陳維，在工作室搭建起微型場景，拍攝空無一人的街道，畫面中的荒誕感，源自他在北京生活的感受與經歷。

LRG_DSC05722 — 黃漢明作品《Next Year/ L’AnnéeProchaine/ 明年》

新加坡藝術家黃漢明的作品《Next Year/ L’AnnéeProchaine/ 明年》，則在上海的舊法租界等不同地點拍攝，重演法國導演亞倫·雷奈在1961年拍攝的《去年在馬倫巴》，呈現出城市的發展與變遷。其他影像作品還包括加拿大藝術家Stan Douglas搭建場景拍攝模擬紐約市全市停電的《Blackout》系列，以及美國已故藝術家Gordon Matta-Clark為1975年巴黎雙年展創作的《Conical Intersect》——一部紀錄巴黎龐畢度中心附近兩座待拆建築切割過程的影片。

若然以這些作品去對照「恐怕這個璀璨都市/光輝到此」這句歌詞，感覺卻又似不謀而合的。

LRG_DSC05729 — 卓納畫廊總監許宇（Leo Xu）自小喜愛聽粵語歌曲，尤其喜歡達明一派。

《璀璨都市》

日期：即日至8月4日

地址：中環皇后大道中80號H Queen’s 5-6樓卓納畫廊

《蘇絲黃的世界》：被建構的香港歷史

July 27, 2018April 15, 2021Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 生死戀, 荷李活電影, 蘇絲黃的世界, 蝙蝠俠——黑夜之神, 香港歷史博物館, 變形金剛4, JCCAC, Jeff Wall, Staged Photography, The World of Suzie Wong, 劉衛, 威廉‧荷頓, 悍戰太平洋, 攻殼機動隊Leave a comment

荷李活電影的影響力毋庸置疑，想不到連香港歷史博物館也要「借鑑」其電影《蘇絲黃的世界》，來介紹香港五、六十年代的歷史。藝術家劉衛對此感到十分驚訝，促使她思考究竟香港的歷史及形象是如何被建構出來，她以一系列荒誕不經的影像對這種表述作出提問。

近年越來越多荷李活電影來港取景，如《變形金剛4》及《蝙蝠俠——黑夜之神》等，不一而足。這股熱潮最早更可追溯至1950年代，美國影星威廉‧荷頓參演的《生死戀》及《蘇絲黃的世界》，均是以香港為背景的愛情電影，後者更成為了西方國家認識香港的典範之作。

1960年的《蘇絲黃的世界》（The World of Suzie Wong）改編自同名英文小說，劇情講述威廉‧荷頓與關南施飾演的妓女蘇絲黃相愛的故事，影片中出現的天星小輪、人力車及中環灣仔等地方，至今仍令人緬懷。

不過，作為有關香港題材的其中一部最有影響力的荷李活電影，《蘇絲黃的世界》某程度上在西方世界建構了香港形象：擁擠的人群、沿街叫賣的小販、林立的霓虹燈招牌，某些情景更是為滿足西方觀眾的獵奇心態而佈置。1980年代Cyberpunk文化開始流行，香港的街景與未來主義的形象相結合，這又成為《悍戰太平洋》及《攻殼機動隊》等電影的取材元素。

植入未來主義元素

「荷李活電影在流行文化有很大影響力，然而其取態卻未必很客觀，這些電影又是否能代表香港這個地方呢？」在短片作品《Walking to Nam Kok Hotel》裏，劉衛以《蘇絲黃的世界》中威廉‧荷頓步行到南閣酒店一幕的場景為藍本，叠加了有香港元素的荷李活電影片段，包括《攻殼機動隊》、《奇異博士》、《悍戰太平洋》。這些影片中有關香港的元素如出一轍——霓虹燈與夜景，這幾乎成為香港的一種符號。

從《蘇絲黃的世界》開始，流行文化一直慢慢加深了外界對香港這個地方的想像。在其影像作品裏，她擷取《蘇絲黃的世界》的畫面，加入了充滿未來感的元素，令影像變得超現實。觀眾未必能一眼辨識出她所改變的細節，然而細心觀看時，才會慢慢發現其突兀之處，例如維港大樓被魔幻大廈所取代、戲中女配角Gwennie Lee肩上出現的盔甲、蘇絲黃臉上的三維抽象圖像。這些充滿未來主義的女性形象，正映照荷李活電影對香港的傳統觀感。

此外，劉衛亦以類似手法處理香港的舊照片，在維港景色及掛滿招牌的街道中，植入不屬於那年代的元素。「這些形象在將來或許會慢慢變成香港的標記，變成未來人對香港的記憶，正如當年的舊照片一樣。」她如此解釋展覽名稱《明日記憶》的由來。說到底，劉衛關心的是身份問題，究竟香港的身份是甚麼？關於這城的歷史及形象，又應以甚麼準則去書寫？

用現成影像做創作

綜觀劉衛過去數年的作品，幾乎都以現成影像來做創作，《Extract》系列用家庭照片結合護照上的圖案創作而成，《Profile Picture》則在童年照片畫上兒時影響自己的動畫元素。今次展覽的作品以電腦CG創作，也算是有迹可循。劉衛從事商業攝影已十年，難得是她沒有傳統攝影包袱，也不介意用所謂的二手影像做創作。她喜歡加拿大攝影藝術家Jeff Wall的作品，其編導式攝影（Staged Photography）帶有強烈的劇場感與故事性，透過影像去展示一個現象，這一點與劉衛的電腦CG創作，彷彿有異曲同工之妙。「《蘇絲黃的世界》中的香港形象早被定性，我需要這樣的視覺元素，來探討講這個形象如何被建立。」

PS：2018年，劉衛在JCCAC「光影作坊」舉辦展覽《明日記憶》，部分作品2021年移師La Galerie（中環荷李活道74號）展出，展期至4月25日。

·原文見於果籽

聚焦親密瞬間還原生育的神聖

July 19, 2018July 19, 2018Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged Art in Hospital, 生育, 神聖, 藍曬, 藝術在醫院, 藝術家, 黃淑琪, Ki Wong, 出世, 媽媽Leave a comment

生命的誕生是件奇妙而神聖的事，孩子出世，生育的婦女轉眼（或再度）成為媽媽。你能想像當媽媽首次抱着孩子的時刻，該有多麽溫馨！你不能想像的是，剛分娩完的媽媽一臉倦容，身穿產婦袍、手上插着喉管，恍如病人，這時醫護人員例牌幫媽媽與孩子合照——看似溫情的時刻，然而總感覺缺失了某種人情味，更遑論有神聖感覺。育有一對兒女的藝術家黃淑琪（Ki）感同身受，她收集了60多位媽媽在醫院與孩子的第一張合照，去掉醫院的背景，只剩下媽媽與嬰兒的親密瞬間，還原生育的神聖感覺。

每位在醫院生育的媽媽，大概都有一張躺在病床與嬰兒的合照。「生完BB之後，醫護人員會幫你和小朋友合照，其實那刻未必很想影。我很期待與孩子的第一張照片，但出來的效果卻不是最喜歡的，我覺得很遺憾。」Ki說在香港分娩好像生產（production）一樣，是很程序化的，所有事情都跟足步驟一二三四去做，她覺得整個生育過程其實可以更人性化。她回想起生第一胎時，正值雙非家長來港生仔的高峯期，醫護人員忙得不可開交，根本沒時間去關心媽媽，周圍的氛圍也沒令人感到溫暖。她覺無奈，但也理解。

“攝影創作未必是直接按下快門，我會形容自己是facilitator（引導者）的角色，賦予照片意義，大家幫我將這種意義呈現出來。”

兩年前，非牟利團體「藝術在醫院」（Art in Hospital）邀請Ki參與計劃，其間她發現自己懷上第二胎，她想起過往的分娩經歷，順應聯想到婦產科。她時常在想，究竟藝術在傳統的圈子外，可以怎樣發生？又如何將醫院裏不為人知的一面，在社區呈現及展覽？「對普羅大眾而言，藝術不應太艱澀或抽象，應是美感為先，而且要感動人的。」她尤其關注媽媽與小朋友的關係，在工作坊上讓家長臨摹孩子的畫作，去思考孩子畫的時候的想法，又教幼兒學校的小朋友編織手繩，向懷孕的媽媽獻唱及綁上手繩，意味着孩子與媽媽的連繫。

在《出世》這系列藍曬攝影作品裏，她向幼兒學校及身邊的媽媽朋友收集她們與孩子的合照，然後抽走喉管、病床等醫院元素，抹去媽媽的「病人」形象，將重點集中在媽媽與孩子的表情上，其中一張作品抽走背景後，好像聖母抱着聖嬰的感覺。「這種轉化的力量很強烈，也很吸引，促使我去思考如何將這個展覽做得更有神聖的感覺。」

她於是想用古老的藍曬方法，利用陽光來做創作，將影像印在相紙上，很自然也有降臨的感覺。Ki將抽走背景的照片印在膠片上，在工作坊中教媽媽們把她們的合照曬成相片，令她們回想生育的情景。「許多媽媽參與工作坊後都覺得很感動，我想令她們可以不在醫院的環境下感受生育的經驗。」

_DSF4201 — 作品《家承》（Moon II: Tracing the Line）

她同時用特殊材料創作了10幅大尺寸的藍曬作品，在水彩紙上印成橢圓形的影像。橢圓形看似女性懷孕時的腹部，其實在Ki過往的創作裏亦有迹可循。她原是浸會大學視覺藝術院講師，其間也創作過一系列人像作品，2012年的《家承》（Moon II: Tracing the Line）正是一系列橢圓形的側面人像作品。在她看來，橢圓形就如一塊鏡，希望能藉此反映人的情感。「在展覽的分享會上，有位患有抑鬱症的女士自小就感覺自己被忽視，她看完照片後覺得很療癒，說作品令她想起自己也曾有過這個溫馨的場面。」

《出世》@「對話的風景」

日期：即日起至7月29日

時間：11am-7pm（星期一休館）

地址：土瓜灣馬頭角道63號牛棚藝術村14號1a space

·原文見於果籽

廖偉棠用詩意告別森山大道的影響

July 12, 2018November 20, 2025Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 香港攝影師, 廖偉棠, 森山大道

森山大道是當今日本最重要的攝影師之一，他的高反差、粗微粒、粗糙及模糊的攝影風格，挑釁着二戰後日本社會美學，也影響了無數後來者。詩人廖偉棠也曾迷戀過森山大道的作品，2004年發表的首本攝影集《孤獨的中國》，高對比黑白照片中的鬆矇，在作品中隨處可見。十多年過去，如今的他已不再以攝影為生，與攝影的關係也變得更純粹，今年初出版的攝影集《微暗行星》，收錄了過去多年在世界不同地方拍攝的彩色及黑白照片，前者稍顯黯淡、後者充滿詩意，「我想以此作為一個分界點，告別深森山大道對我的影響。」在同名攝影展舉行前夕，他如此形容近年的作品。

大多數人認識廖偉棠，是其詩人及作家身份，他的評論文章，廣見於中港台報章雜誌。料想不到，他大學修讀的是攝影。「其實我有近十年時間都在從事攝影工作，幫時尚雜誌影相，連廣告攝影也有做過，但我始終不太鍾意。」1990年代末在文學界成名，廖偉棠曾放下攝影數年，做過書店店長。這位波希米亞主義的流浪詩人，回歸後從廣東來港後，輾轉又去了北京生活。2001年他在北京與陳冠中一齊做《視覺21》雜誌，原本他是圖片編輯，後來才重拾攝影。
那時的他是位超級文青，關注地下文化及次文化；喜歡西藏，也做過《西藏人文地理》的簽約攝影師；還與綠色和平、樂施會等機構合作，拍攝環境污染、塵肺病等社會議題。回港後他籌辦過攝影雜誌《CAN影像誌》，同樣關注低層人民的生活狀況，2011年也出版過攝影隨筆集《遊目記》。

調低飽和度　製造黯淡詩意

廖偉棠是為數不多遊走在攝影與詩之間又將兩者結合的人，從2005年的《巴黎無題劇照》到近年的《尋找倉央嘉措》、《傘托邦——香港雨傘運動的日與夜》與《微暗行星》，無不如是。「我經常思考文字與攝影的關係，到底會互相激發還是產生矛盾呢？」在《巴黎無題劇照》作品集中，他以富士TX-1相機來拍攝，寬幅比例的照片看起來很有電影感，再配以沒有關聯的文字，文字與相片之間的貌合神離，故意製造出一種假寫實，頗具實驗性。
然而，他的根一直是紀實攝影，只是他不喜歡大多數的新聞紀實攝影。畢竟紀實攝影在二十世紀被塑造成一種權威，不是Robert Capa的那種生死攸關，就是布列松的決定性瞬間。廖偉棠偏愛在紀實攝影中保持距離感，也不介意構圖是否唯美，「我喜歡森山大道，就是欣賞他打破對美的固有想法。」正如其新書《微暗行星》一樣，它不是傳統的旅遊攝影集，從城市A至Z的順序來排列照片，看似很有次序，其實跳脫得很，上一頁還是雅典，下一頁就去了巴塞隆拿；當你沉浸在京都時，下一瞬間又到了拉薩。

每座城市只挑選三數張甚至一張照片，沒有標誌性的景點，也沒有獵奇或風光旖旎的畫面，反而是平凡而隨性拍攝的瞬間。「我想在照片中找一個曖昧的時刻，很微暗很低調的，慢慢去感受畫面的內容。」在拉薩的博物館內，廖偉棠隔着花草拍攝了一張官方的宣傳相片，畫面中一位戴着紅領巾的西藏學生正開懷大笑，若隱若現笑容背後，代表他對西藏的又愛又恨。「我覺得很多事情都被歪曲了，西藏正被漢族文化改變。」
廖偉棠相信攝影能介入現實，但他不會像傳統的新聞攝影一樣，拍攝劍拔弩張的衝突場景，這在《傘托邦》一書裏可見一斑。他的照片沒有販賣苦難，也不會賺人熱淚，他覺得一位詩人或藝術家，面對這個世界應該是從容而淡定的，這樣才能更理解彼此。他故意將某些照片的飽和度調低，令其變得黯淡、平靜，彷彿很漫不經心的，有種淡然的詩意。

背後的這種細膩，自然與他寫詩的經歷有關。對廖偉棠而言，攝影及文字是對等的，所有影像都是經過思考之後才按下快門的，攝影並非只是文字的點綴。「當我拍攝一樣事情時，我就不會再寫。當我做回詩人時，會嘗試寫下無法拍攝的東西。」不過他也坦言，自己的攝影與詩是互相影響的，詩人的世界太文明，寫作時慢慢會規範了自己，「而拍攝時是很粗暴，是很亂的、不工整的。攝影令我保持創作的平衡與活力。」寫作時他往往不能自拔的，在文字間痛苦地糾纏許久，而攝影卻帶來歡樂，可以與世界很直接的交流、坦然相對，有時甚至是種休息。

PS：廖偉棠攝影展《微暗行星》，2018年7月於油麻地kubrick書店展出。

Alan Lo 海底微距攝影

July 1, 2018Posted in Exhibition, HK PhotographerTagged Alan Lo, 盧澤暉, 香港, 寶珀, 微距攝影, 攝影, 海底奇兵, 海底攝影Leave a comment

海底攝影不是新鮮事，不過從事海底攝影的香港攝影師卻是寥寥可數，尤其喜歡拍攝海底微距攝影的，更是少之又少了，盧澤暉（Alan Lo）就是其一。Alan來頭不小，曾獲得聯合國舉辦的世界海洋日攝影比賽大獎，也被寶珀選為「世界最佳50位水底攝影師」。不過他投身海底世界，其實也只是近十年的事。

不太深諳水性的他，當初在太太鼓勵下接觸海底世界，對潛水的焦慮，伴隨相機進入水底後消失得無影無蹤。Alan從事商業攝影逾二十年，時裝、人像、食物通通都拍攝過，然而來到海底世界，一切都充滿新鮮感，自此他迷上了海底攝影，前往印尼、菲律賓、馬爾代夫，甚至墨西哥及厄瓜多爾等地拍攝。

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有人喜歡海底世界的壯觀，Alan偏偏鍾意微距攝影，聚焦微細的海洋生物。在中環的展覽現場，他指著一幅類似白飯魚的作品說，「這就是《海底奇兵》裡面nemo魚的魚卵，在透明的卵膜下可見到它的眼睛。」Alan拍攝的生物都小於2cm，拍攝如此細小的生物，除了要用微距鏡頭及放大鏡，也必須盡量接近被攝的生物，身處漂浮的海底世界近距離拍攝，一點也不簡單。試過剛好對焦一條魚，轉眼間就被其他魚類吃掉了，正正印證海底世界的變化多端。

Alan大部份作品都是拍攝海洋生物的行為，例如魚卵孵化的過程，他試過在印尼逗留一個月，為的就是拍攝魚卵破蛋而出的畫面，他每一兩日就去檢查，直至等到最後想要的畫面。「如果沒有動物的行為，就如每個人拍攝一樣的風景，缺乏了個性。」這背後除了留意魚類的行為，也需要耐心，去細心找尋微小生物的身影。

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現在全世界都在關注海洋保育，大多海底攝影師都在倡導保護海洋的訊息， Alan也不例外。見證過馬爾代夫的珊瑚嚴重白化，也目睹過東南亞國家用魚炮炸魚過後的屍橫遍野，而漂浮在海中的膠袋，更會被海龜以為是食物而進食，結果令其無法消化而死亡。「許多你今年見到的畫面，可能五年、十年後就會不復存在！」這值得我們反思。

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「心繫海洋」展覽
日期：即日起至7月6日
地址：中環皇后大道中20號太平行地下

Michael Kenna：樹木值得我們去尊重及珍惜

June 28, 2018June 4, 2025Posted in Exhibition, InterviewTagged Blue Lotus Gallery, MICHAEL KENNA1 Comment

英國攝影師Michael Kenna拍攝風景超過四十年，對樹木情有獨鍾，以簡潔的黑白照片來呈現樹木的美態。時隔四年，這位舉辦過逾400場展覽的攝影師，最近再度來港舉辦展覽《Philosopher’s Tree》，跟他分享近年香港古樹的命運，政府為斬腳趾避沙蟲處決過一些古樹，他聽完一臉錯愕，雖說不熟香港情況而沒有妄下斷語，可訪問期間他多次強調要尊重及珍惜樹木。「樹木對地球來說，不僅在生態環境及美學上，都有非常有價值。」更何況在香港，這些古樹還承載著歷史。

Broken Branch, Yangcao Hill, Heilongjiang, China. 2011

說起香港古樹，Michael Kenna感同身受，因他多次在日本北海道拍攝的Kussharo Lake Tree，在當地變得很歡迎，許多人慕名而來，不時爬到樹上，營地主人覺得太危險，便把它斬掉了。出版過一本同名攝影書，他覺得自己也有一定責任，「畢竟我的照片某程度上令那棵樹變得成名，間接令它面臨死亡。」好奇害死貓，人類的無知與無禮卻害死樹。同樣位於北海道的Philosopher’s Tree，獨自生長在一片莊稼田中，許多遊客私自潛入田園拍攝，對莊稼及園主的生活都造成影響，加上大樹有老化跡象，園主最後不得不出此下策，以解後顧之憂。說起這棵優美古樹的消失，他不無感慨，「樹木其實與人一樣，都是有生命的，值得我們去尊重。」

Tree in Snowdrift, Yangcao Hill, Wuchang, Heilongjiang, China. 2

Michael Kenna自1970年代初已拍攝樹木，與樹木的淵源，更可追溯至其兒時的經歷。現年65歲的他，成長在英格蘭北部工業小城Widnes，家中距離公園很近，他不時與四位哥哥到公園玩耍。「我自小就對樹木感興趣，把樹木當成朋友，用它來創造故事，總幻想著有野生動物或太空船降臨在樹上。」後來當他接觸攝影後，樹木便成為了其拍攝對象，一切來得很自然。問他如何選擇想拍攝的樹木，他卻反問我如何選擇朋友。「每棵樹都有它的個性，其實就和朋友一樣，你們會互相吸引。」

Kussharo Lake Tree, Study 6, Kotan, Hokkaido, Japan, 2007

旅行拍攝風景可以走馬觀花，但面對著朋友，Michael Kenna可不會貪新忘舊。他時常重複同一棵樹，2002年時在北海道遇上了Kussharo Lake Tree，那是一棵日本橡樹，在冬日的茫茫白雪中，枯枝高傲地靜立著，恍如盆栽般優美。由那刻起至2009年，他幾乎每年都會重遊故地拍攝，去探望這棵樹。「每次你與朋友見面時總會有新的話題，你不只是徘徊在表面，可以更深一層去對話。」對他而言，是對樹木有更仔細的觀察、有更深的認識，由於每次拍攝的角度、形狀、天氣及曝光時間不同，出來的效果都不盡一致，「我很喜歡見到那種細微的差異。」

Erhai Lake, Study 9, Yunnan, China. 2014

平靜的詩意

細看Michael Kenna的照片，會發現有一種安靜的力量。他以移動的雲和流動的水為背景，將樹木在背景中抽離出來，作品大多以慢快門拍攝而成，創作一張照片往往需時數分鐘甚至十二小時，長時間曝光令畫面變得柔和。這與同樣用慢快門拍攝風景的Ansel Adams可謂截然不同，Michael Kenna不追求細節與層次，反而注重畫面的平靜和詩意。他會以俳句或山水畫來形容自己的攝影風格，簡潔留白而又充滿想像力。他覺得攝影亦是如此，不用記錄下所有事情，反倒是利用雲霧或雪地等元素，作為觀眾想像力的催化劑。

Michael Kenna早期深受Bill Brandt和Josef Sudek等攝影大師影響，前者的光影及後者的詩意，都營造出許多思考的空間。1980年代來到亞洲拍攝後，被亞洲的寧靜風景所吸引，他發現正是這種樸實無華的畫面，減少了感官分神。在接觸了在接觸書法、水墨畫和俳句之後，他漸漸偏向極簡和留白的風格，作品也變得更有詩意及安靜。

Michael Kenna, Huangshan Mountains, Study 21, Anhui, China, 2009

拍攝時他也享受片刻的寧靜，細看天空光線和雲朵的變化，甚至容許思緒四處遊走。手機成癮的年代，這一切顯得份外奢侈。有句說話叫「don’t just sit there, do something.」，對他而言卻是「don’t just do something, sit there.」。這種心態，與他童年時在神學院度過的時光不無關係，有條不紊的祈禱及冥想生活，或多或少影響了他看待事物的心態。至今他仍然喜歡參觀教堂及廟宇，這種從容的心態，也貫徹在他的攝影創作過程中。

Michael Kenna的作品，是煩囂世界的一片的綠洲，擾攘不息的香港，正需要這種寧靜的洗滌。

《Philosopher’s Tree》攝影展

日期：即日至7月1日（11am至7pm）

地址: 中環善慶街6-10號地下B室Usagi空間（Blue Lotus Gallery）

·原文見於果籽

都市峽谷 Jeremy Cheung

June 18, 2018Posted in Exhibition, 香港Tagged Jeremy Cheung, Michael Wolf, Romain Jacquet-Lagrèze, Urban Canyon, 城市, 峽谷Leave a comment

RETRO LIFE BEFORE METRO LIFE TO KWA WAN, 2018

你有沒有發現，香港很像一個峽谷？尤其每次搭電車慢慢穿過鬧市時，這種感覺便油然而生。都市峽谷（Urban Canyon）的情形不只香港有，許多人口稠密的摩登城市，石屎森林被狹窄的街道分割，感覺就如一個峽谷。香港攝影師Jeremy Cheung經常遊走舊區，喜歡拍攝城市與建築，過去幾年，他不時在這峽谷間遊走，潛移默化間也拍攝了許多都市峽谷下的日常故事。

密集樓景是香港建築特色，吸引許多外國遊客前來拍攝，居港攝影師如Michael Wolf及Romain Jacquet-Lagrèze等，都創作過這方面的作品，看得多難免令人覺得麻木。最初看Jeremy的相片，構圖光線都很吸引，只是少了一份共鳴。直到看到《峽城浮生》這個展覽的照片，才有多些感覺，光影與構圖固然重要，畢竟人的元素其實才最觸動人——那些平凡的瞬間，有了情感與回憶，也變得動人心弦。

《峽城浮生──都市峽谷下的香港日常》

日期：即日至7月3日

時間：1200-2200（一至六）、1200-1830（星期日）

地點：觀塘巧明街99號3樓HOW

女同志的手想像戀人性事

June 14, 2018June 24, 2024Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged California Institute of the Arts, 王家衛, In & Out, JCCAC, Nicole Pun, queer art, Sodomy Law, Staged Photography, 光影作坊, 女同志, 愛神：手, 手Leave a comment

手，是身體常用的部位，吃喝玩樂離不開它。在王家衛的《愛神：手》，手也被賦予一種慾望及私密。然而對女同志而言，手更有一種更深層的含義。香港攝影師Nicole Pun過去幾年訪問及拍攝美國、台灣及香港的女同志，邀請她們想像與愛侶撫摸做愛的情景，通過一系列不同手部動作的照片，來呈現女同志的慾望，每雙手就是一對戀人的性事。

Nicole並非很前衞的人，用女性角度去觸及性愛話題，她也有些顧慮，擔心大眾用獵奇角度去看作品。最近她在香港舉辦首次個展，事前上載作品相片至facebook公佈展訊，沒想到不久後就收到facebook的警告訊息。「其實這些相片並不挑逗情慾，可能展覽的文字陳述過於直白，有人覺得很敏感。」她的擔心不無道理，在大衛像都被評為不雅物品的香港，性依然是難以啟齒的話題。

2012年在中文大學畢業後，Nicole前往美國加州藝術學院（California Institute of the Arts）修讀攝影藝術，某程度上改變她對性的看法。加州是美國較早允許同性婚姻的州分，當地人的性態度很開放，對同性關係也包容。「讀書期間接觸許多關於人體及女性主義的藝術，令我萌生研究身體及Queer Art的念頭。」

她沒有沉浸在當地的性文化氛圍，在研究世界同志文化的過程中，反而從香港過往的相關法例切入。香港受英國殖民地影響，也沿襲英國的雞姦法（Sodomy Law），這條法例在改革（1991年非刑事化）之前，是禁止男女及男男進行肛交的，可相應條文並無限制女同志的性行為。

「攝影本質就是將invisible的東西變成visible，在這條法例之下，男同志的身份變得visible，而女同志則是invisible的，這與攝影本質恰好脗合。」她的攝影，就是將女同志的invisible變成visible，借用手部來表現出自己對女同志性行為的思考，同時呈現這群性小眾的私密時刻。「手是大家熟悉的元素，有時亦會用在私密的地方，我嘗試將私密性放大。」

最初她在加州街頭隨意拍攝女同志的手部，試試陌生人的反應，發覺大家並不羞於表達，這也給予她鼓勵，邀請女同志到學校的工作室拍攝，慢慢再接觸到不同年齡及種族的受訪者。拍攝時她故意隱藏背景，讓影像集中在手部動作，微妙地重現那一瞬間，將日常私密轉換成看得見的影像。

2015年畢業回港後，她繼續在香港及台灣創作這系列作品。「既然是探討這種文化，我也希望拍攝對象比較多元化，況且我也好奇亞洲人對這方面有何看法。」她說香港人對這個議題會比較敏感，也不習慣用身體去表達，拍攝時也較害羞，「可能是文化上的差異，美國人通常較expressive，動作上做得比較明顯，肢體動作很自信。」細看手部姿勢，大概也能看得猜測手的主人來自甚麼年齡及種族，有些是輕撫胸部的動作，有些則是觸摸私處的手勢。Nicole說，既有Staged Photography的表演性質，當中又有存在真實性。

展覽名為《In & Out》，難免令人聯想到性行為，究竟女同志的私密時刻是「In」還是「Out」呢？Nicole不想說得直白。回港後她曾在不同媒體做過文字及攝影記者，對她而言，文字有時解釋太清晰，「我喜歡影像的含糊性。」在In與Out之間，其實有第三種可能性，正是這種含糊性賦予了影像的想像空間。

《In & Out》Nicole Pun 個展

時間：即日起至6月30日

時間：上午11時至下午1時；下午2時至6時（星期二至日）

地址：石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心（JCCAC）二樓十室光影作坊

分享會

1.「女體動作和慾望想像」

日期：6月16日（六）下午3時至5時

嘉賓：鄧芝珊（港大社會學系高級講師）、俞若玫（獨立創作人）

2.「我們是如何認知自己的性？」

日期：6月23日（六）下午3時至5時

嘉賓：黃鈺螢（女影香港電影節創辦人）、Nicole Pun

卓別靈喜劇人生

June 9, 2018June 19, 2018Posted in ExhibitionTagged Association Chaplin, Charlie Chaplin, Erwin Blumenfeld, Fernand Léger, Marc Chagall, Musée de l'Elysée, The Eight Lancashire Lads, 卓別林, 愛麗舍攝影博物館, 流浪漢, 余德耀美術館Leave a comment

卓別靈（Charlie Chaplin）是二十世紀著名的戲劇演員及導演，他頭戴圓帽的鬍鬚佬形象深入民心，影響至今。忽然提起這位上世紀的電影巨人，皆因最近上海正舉辦卓別靈展覽，由瑞士的愛麗舍攝影博物館（Musée de l’Elysée）與余德耀美術館合作，展出逾300幅相片及電影片段，以及Fernand Léger、Marc Chagall、Erwin Blumenfeld等藝術家創作的卓別靈形象作品，盡現這位喜劇大師的魅力。

在卓別靈的年代，電影僅被視為一種娛樂，他是首批甚至乎最早將電影提升至藝術的演員。1889年，9歲時他加入了劇團The Eight Lancashire Lads，接受馬戲團及歌舞劇的訓練。1908年，他加入著名默劇團Karno，憑短劇《Mumming Birds》的醉漢角色為人所認識，之後這齣劇以《A Night in an English Music Hall》為名在美國巡演，他也隨團在海外演出。1913年，他加入Keystone電影公司，開始在美國喜劇舞台站穩陣腳，這一年他才24歲。

1914年，他出演首部電影短片《謀生》（Make a Living），同年另一部電影《威尼斯兒童賽車》（Kid Auto Race at Venice），他塑造出經典的流浪漢形象，之後的《流浪漢》（The Tramp），更奠定了經典的銀幕形象，手持竹拐杖、頭戴圓帽的鬍鬚佬，從此成為其標誌。那是他最瘋狂的一年，他演出了逾30部短片，接著十年也參與了另外逾三十多部短片的演出。

以演員身份入行，演而優則導，1921年開始執導首部長片《尋子遇仙記》（The Kid），後來的《城市之光》（City Lights，1931年）、《摩登時代》（Modern Times，1936年）及《大獨裁者》（The Great Dictator，1940年）等都大受好評。他在電影中賦予流浪漢不同的使命，例如1918年的《狗的生活》（A Dog’s Life）及《從軍記》（Shoulders Arms），就呈現出一個反對權威與不公的形象，最後一部默片作品《摩登時代》反映經濟大蕭條時期工人受壓搾，首部有聲電影《大獨裁者》更諷刺納粹主義，引起極大迴響。

愛麗舍攝影博物館2011年開始受卓別靈協會（Association Chaplin）委託，管理卓別靈的檔案資料，包括約二萬張菲林及印刷品。這些檔案完整地呈現了這位喜劇大師的一生，亦見證其電影形象的演變。

《查理·卓別林：卓眼視界》

時間：即日起至2018年10月7日

地點：上海徐匯區豐谷路35號余德耀美術館

燈光裡飛馳/失意的孩子 請看一眼這個光輝都市

再奔馳/心裡猜疑 恐怕這個璀璨都市/光輝到此

《璀璨都市》

植入未來主義元素

用現成影像做創作

PS：2018年，劉衛在JCCAC「光影作坊」舉辦展覽《明日記憶》，部分作品2021年移師La Galerie（中環荷李活道74號）展出，展期至4月25日。

·原文見於果籽

《出世》@「對話的風景」

·原文見於果籽

調低飽和度 製造黯淡詩意

PS：廖偉棠攝影展《微暗行星》，2018年7月於油麻地kubrick書店展出。

「心繫海洋」展覽 日期：即日起至7月6日 地址：中環皇后大道中20號太平行地下

平靜的詩意

《Philosopher’s Tree》攝影展

·原文見於果籽

《峽城浮生──都市峽谷下的香港日常》

《In & Out》Nicole Pun 個展

分享會

1.「女體動作和慾望想像」

2.「我們是如何認知自己的性？」

《查理·卓別林：卓眼視界》

燈光裡飛馳/失意的孩子請看一眼這個光輝都市

再奔馳/心裡猜疑恐怕這個璀璨都市/光輝到此

調低飽和度　製造黯淡詩意

「心繫海洋」展覽
日期：即日起至7月6日
地址：中環皇后大道中20號太平行地下