南非種族隔離時期的夜店次文化

半世紀前,南非實行種族隔離政策,黑人與白人之間有一條巨大的鴻溝,貧富懸殊、權利被剝削、不能共用公共設施等,不公平對待數之不盡。偏偏,在開普敦的一間夜店,黑人、白人甚至亞洲人共處一室,將種族隔離的規條拋之腦後,還一同表演音樂;來自世界各地的水手與當地妓女在這裏纏綿,飲酒作樂。這一切都記錄在夜店保鑣兼攝影師Billy Monk的鏡頭下。

關於Billy Monk的事蹟,很多細節仍是個謎,只知道他年輕時曾有兩年牢獄之災,在獄中學懂搏擊。他做過不同的職業,包括模特兒、攝影師助手、餐廳老闆、保鑣及潛水員等。1960年代的開普敦有許多船隻停泊,許多靠近碼頭的夜店,吸引許多水手及人員前來光顧,形成所謂的碼頭文化,也是警察眼中的灰色地帶。1967至1969年,Billy在當地三間夜店當保鑣,當中The Catacombs可謂當地的平行時空,那裏沒有種族隔離,只有音樂與狂歡。不同膚色的樂隊歌手在台上演奏,台下的男女在親吻、擁睡,甚至還有不少LGBT人士聚焦,彷彿與當時的政權抗衡,慢慢營造出獨特的夜店次文化。

Billy Monk的鏡頭捕捉了男男女女在夜店忘情親吻的畫面。

構圖隨意 捕捉自然瞬間

由於Billy保鑣的身分,許多顧客逐漸與他變得熟稔,也慢慢習慣了他隨身攜帶的相機,使他如隱形般出現在夜店的不同角落,拍攝人們唱歌、飲酒、親吻、爛醉甚至打架的情境,還有人擺好姿勢主動叫他拍攝。這些照片的構圖看起來很隨意,不僅沒有獵奇或偷窺的心態,在夜店漆黑的環境中,成功地捕捉了這些很自然、有趣的瞬間。照片中女士們的蜂巢髮型及迷你裙,在在反映了1960年代的前衛風潮——他的鏡頭某程度上紀錄了那年代的次文化。

對Billy而言,這不僅是他的工作,同時也是他的生活,每晚凌晨三點回到家中,便立刻躲進黑房沖曬菲林,如此日復日地拍攝了兩年。1970年代開始,當地船務業衰落,夜店也面臨結業,之後他輾轉成為一名船長及潛水員。如果故事就此完結,那麼Billy Monk這名字大概至今仍不為人所知,也不會有另一段Vivian Maier的故事。

出發途中被槍殺 無緣親睹攝影展

十年後,他曾經的室友發現這批菲林,將其交給當地攝影師Jac de Villiers。被其才華深深吸引的Jac,隨後告知南非著名攝影師David Goldblatt,他曾用多年時間拍攝種族隔離時期南非人民的苦難生活,見到Billy的作品也深深着迷,對其作品讚不絕口。二人在1982年在約翰尼斯堡一間畫廊為其舉辦展覽,成功地引起很大迴響,Billy受邀準備前往畫廊,可惜在途中經過開普敦時,他因與人爭執被槍殺,無法目睹自己的展覽,終年45歲。

之後這批作品沉寂了十多年,直至數年前紐約International Center of Photography舉辦南非隔離時期的攝影展時,才重新得到國際關注,最近本地攝影機構Boogie Woogie Photography與The Billy Monk Collection合作策劃,在香港舉辦Billy Monk攝影展。

南非導演Craig Cameron-Mackintosh目前是The Billy Monk Collection的負責人,為了推廣Billy事蹟,今年他剛完成紀錄短片《Billy Monk: A Shot in the Dark》,訪問多位當年接觸此事的攝影師、夜店歌手以及其兒子David Monk,通過眾人的憶述來拼湊出完整的Billy Monk。雖然他離世已三十多年,幸好他的攝影作品仍然活着,令人了解南非種族隔離歷史上鮮為人知的一面。

他的鏡頭不乏爛醉昏睡的人,紀錄了1960年代的夜店生活。

Defiance and Decadence Under Apartheid

日期:即日至10月15日

時間:8am-8pm(星期一至五)

地址:黃竹坑道42號利美中心3樓The Hive Spring

原文見於果籽

明代家具負片 立體變平面

世事不是非黑即白,顏色也是如此,黑白之間還有不同程度的灰色。來到中環白立方畫廊,展覽現場是一片灰色空間,有種靜謐感覺,以配合藝術家秦一峰作品中的灰度。展覽空間的中灰色有如大自然物體的平均亮度(18度灰),而牆上的負片作品灰度則高達75至85度,很容易吸引觀者的目光,走近一看,那是一幅幅明式家具局部的負片影像。

1993年的作品《42個立方》,在平面的畫布上繪畫出42個立方體。

現年58歲的秦一峰既是上海大學美術學院副教授,也是一位明式素工家具收藏家,當然更廣為人知的身分是藝術家。早在1983年,秦一峰已開始創作抽象藝術,多年來一直探討立體與平面的關係,1993年的作品《42個立方》,顧名思義在平面的畫布上繪畫出42個立方體。時至今日,他仍然在畫、依舊在探索,作品超過500幅。

1990年代開始,他收藏明代素工家具,所謂「素工」,即不以雕工見長,他形容為形式上的「少做」及細節上的「做足」,再直白地說,類似西方的簡約實用設計,「就是盡可能地用最基本的元素進行藝術創作,而且要耐看。」2006年至2009年期間,他曾編著《明式素工圓方形制》,書中的家具照片由他親自操刀拍攝,過程中他發現正方形桌子類似立方體,促使他用另一種方式去延續將立體平面化的理念。

多年來,秦一峰一直探討立體與平面關係,新作透過攝影將立體的桌子變成平面影像。

秦一峰從不以攝影師自稱,實際上他在2010年才開始以攝影為創作媒介,拍攝明式素工家具的局部,或是殘缺部份、或是木紋肌理。在他看來,這些人為或自然損壞的家具殘件,經歷過數百年的衰變,背後其實隱喻了明式家具所象徵的中國傳統精神的變遷。

他想以最客觀的效果呈現,照片消除了透視與景深,用他的話來形容就是「沒有前後、沒有明暗、沒有光影」,將畫面的空間感壓縮在同一種灰色的平面上。他認為數碼相機經過工程師及科學家們優化,無法達到最客觀自然的效果,因此他在工作室裏用大片幅相機,對着固定的家具局部拍攝,等待自然光均勻地照射在物體上,令其失去明暗對比,從而實現畫面上的「平面」。為此他花盡心思,試過用三年時間拍攝同一個桌角,期間仔細研究自然光的變化、菲林的曝光時間以及暗房技巧等,他的創作從不在乎效率。

作品以時間及天氣來命名,圖中作品名為《2013_11_15  10:28 Cloudless》。

他以拍攝作品時的年月日時分以及天氣狀況為作品命名,過程中其實也在與大自然對話,長時間曝光不僅記錄了天氣及光影的變化,某程度上也賦予作品時間性,正如這些有數百年歷史的明式家具殘件一樣,同樣經歷了時光的浸淫。

在秦一峰看來,創作時並沒有攝影的概念,「只是由於這種媒介是客觀的,是很接近真實的,我想利用這種客觀性做出相反的效果。」他說負片是有立場的,有黑白反轉的特性,舉例說,作品中最暗的位置,現實中其實是最亮的,恰好能賦予物件一種「起死回生」的象徵意義;立體的事物在現實中是有空間感的,然而在他的作品中卻被壓縮掉,「我希望這種自相矛盾能產生一種新的形態,以平面手段表現立體器物。」

這某程度上也回應了展覽的主題「負讀/讀負」,令觀者得以用另一種視角去看待攝影,甚至日常事物。

負讀/讀負

日期:即日至11月16日
時間: 11am-7pm(星期二至六)

地址:中環干諾道中50號白立方畫廊

原文見於果籽

多重曝光夜景 繁盛都市的光污染

燈光璀璨的維港夜景,一方面造就了「動感之都」的城市標誌,另一邊廂無疑卻衍生了光污染問題。若然招牌林立的廣告牌燈光是繁榮的象徵,那麼光污染誠然是發達城市的富貴病,只是美麗背後並非沒有代價,香港的樓宇建築密集,光污染直接影響鄰近住客的睡眠質素,令不少人苦不堪言。香港攝影師尹子聰(Simon)多年前已關注這議題,不過他的鏡頭並沒直接對準絢麗的燈光,而是透過多重曝光的影像,將黑夜的街道與象徵城市繁華的燈光交織在一起,超現實地描繪出城市的輪廓,從而向觀者拋問,越繁榮是否意味着越燈火通明?

香港的光污染問題嚴重,早已不是一朝一夕之事,事緣2007年,環保組織地球之友邀約Simon參與光污染的項目,雖然最後合作沒談成,卻令他萌生研究此課題的想法。過往不乏有人拍攝霓虹燈招牌及大型戶外燈光裝置,在英國威爾斯大學修讀紀實攝影的他,卻選擇用一種另類的方式來記錄。在香港最光的街道——油尖旺區的彌敦道,Simon在同一張菲林裏用多重曝光的方法拍攝街道的亮麗夜景,每張菲林拍攝20多至30次,每一次快門拍攝一段街道,換言之,一張重叠的影像記錄了數百米長的街景。

尹子聰以多重曝光的方法拍攝街頭夜景的光污染問題,圖為尖沙咀彌敦道。

濃縮在黑白菲林裏

多重曝光的照片看似眼花繚亂,卻保留了許多細節。在尖沙嘴段的彌敦道,重慶大廈外牆的大螢幕剛好展示了恒生指數;而在旺角段,多間珠寶金行門店映入眼簾。「菲林的曝光及沖曬要拿揑得很精準,才能保持畫面的細節。如果中途有一次曝光不準,定會影響完成的效果。」

最初拍攝時,Simon雙管齊下以彩色及黑白菲林拍攝,朋友形容他的黑白菲林照片恍如為香港照X-ray,彷彿照穿了這個城市的生態,「它表面上很繁盛,可裏面卻很多諷刺性的東西。」因此,他捨棄了色彩繽紛的畫面,反而黑白影像背後能承載更多的訊息。

完成香港系列作品後,在2008至2009年期間,他移師北京、上海、台北、東京、首爾及新加坡等人口稠密的亞洲城市,繼續以同一方式創作,將這些城市的廣告牌燈箱及街燈的影像,濃縮在一張黑白菲林裏。在北京的王府井大街,劉翔的廣告牌成為彼時國人的焦點;在上海的南京路,西式建築物映照出這座城市的歷史;東京的銀座中央通及新加坡的烏節路,則隨處可見大品牌的標誌,這也是光污染的源頭之一。

Simon通常在日照較短的冬天拍攝夜景,有更多時間創作同一幅多重曝光影像。,圖為北京王府井。

香港光污染列前茅

「當我嘗試解碼整系列作品時,慢慢發現亞洲城市的繁盛,都是買賣的行為,一個城市越多歐美品牌的標誌,代表着發展得越好。」他將此系列作品命名為《城市——亮》(City Glow),Glow有發光及發亮的意思,一個城市的發熱發亮,同時意味着它的不斷發展與繁盛,只是許多人都忽略了燈火通明背後的代價。

在眾多亞洲城市之中,香港的光污染程度可謂位列前茅,Simon感嘆多年來一直沒有改善,單靠民間自發去做,近乎杯水車薪。政府雖在三年前開始實施《戶外燈光約章》,不過約章屬自願性質,並無法律效力,因此成效並不理想,反觀紐約、巴黎等歐美城市已陸續推出相關法案,值得借鑑。其實,與其全城響應「地球一小時」活動,倒不如返璞歸真,認真監管香港的光污染問題。

「歐美品牌是亞洲城市繁盛的標誌,但越繁榮是否意味着越燈火通明?」──尹子聰

City Glow

日期:即日至9月29日

時間:11am-7pm(星期一至六)、2pm-7pm(星期日)

地址:中環荷李活道74號地舖La Galerie Paris 1839畫廊

原文見於果籽

多點透視全景 紀錄消失中的唐樓

全景照片能將廣闊的視野呈現在寬幅畫面上,在風景攝影裏很常見,時下許多相機及手機都已具備這功能,因而令全景照片變得普及。傳統的全景照片只有一個透視點,近景拍攝時畫面易變形,而近年流行於拍攝街道建築的多點透視全景攝影,不僅沒此問題,而且更有親臨其境的感覺。居港英國攝影師Stefan Irvine五年前開始,用這方法拍攝香港的唐樓及建築物,以獨特視角記錄本地的建築遺產。

修讀新聞攝影的Stefan,2002年開始在香港生活及工作,作品見於《南華早報》、《華爾街日報》及《國家地理》雜誌等,及後他從事商業攝影,拍攝建築等題材,也為室內空間拍攝360度影像。居港多年,他一直希望以別具一格的方式來拍攝他的第二個家,「社交媒體上關於香港的出色照片多不勝數,這對我而言充滿挑戰性。」五年前,朋友建議他用多點透視全景(Multi-perspective Panorama,也稱Linear Streetline Panorama)的方法來拍攝香港街景,出來的效果很獨特,令他得以用一種嶄新的視角來觀看香港。

多點透視拍攝的全景照片,能以正面角度觀看灣仔藍屋群的每一處細節。

重叠+縫合 呈現多視角

一般全景照片需要轉動相機拍攝,然而多點透視的全景照片,製作過程要縝密得多,拍攝時要以精確的距離拍攝建築的正面,同時要捕捉畫面的人物及移動的物體,令最終畫面更生動有趣。以最新完成的灣仔藍屋群作品為例,藍屋旁的街道有三位擔遮的女士緩慢走過,而另一條街道正好有一架紅色的士轉彎,令觀眾能一目了然地觀察到整個街道的生活,相比起傳統的全景照片更有細節。

Stefan在同一條街道上,每隔兩三米拍攝一張垂直照片,以保留更多的細節,然後以重叠的方式拍攝景物,然後再交由德國數碼後期製作專家Jorg Dietrich處理,縫合(stitch)成寬闊的單幅全景照片,一張照片大概由15至20張照片縫合而成,最多更試過40張相片。「這種全景攝影可同時擁有多個視角,彷彿你正身處街道的不同地方,都能清晰地見到建築物的正面,這是現實中無法獲得的視角。」他坦言,拍攝過程並不算困難,反而後期操控畫面才是重點。「這是很有趣的過程,因為我的背景是新聞攝影,是很直接地反映現實,而做藝術作品時,難得可發揮創作的自由度。」

上海街的戰前唐樓充滿特色,Stefan擔心重建後的唐樓會失去其原有意義。

上居下舖 畫面獨特超現實

最初構思時,Stefan並非聚焦在唐樓,然而當他穿梭在九龍區,卻常常被這種上居下舖的建築模式深深吸引。生活在唐樓的人早已習以為常,或者不會察覺它的獨特存在,「對我來說,這是很典型的香港,獨特而有吸引力。」他在深水埗、土瓜灣、上海街及灣仔等地拍攝唐樓,由於後期製作需時,目前只完成七幅作品,他稱為《最後的唐樓》(The Last Tong Lau),展現出一個個看似現實但又超現實的畫面。

Stefan的作品將唐樓的特色展現無遺,例如土瓜灣的弧形轉角樓,色彩繽紛的牆身,還有基隆街唐樓外牆的竹棚,無不展現香港的建築特色。可惜近年隨着市區重建,許多唐樓都被拆卸,有的則通過翻新來延續壽命,但已面目全非。上海街的戰前「騎樓式」唐樓被評為二級歷史建築,反映香港舊時街道風貌,「不過重建後的唐樓只保存建築物的正面,令其失去原有的意義,不無可惜。」

他認為,活化絕非僅僅保留某些建築元素,而是要保留原有的文化及社區,灣仔藍屋就是一個好例子,而非像利東街那樣,被大財團或商店所取代。「拍攝過程中我發現,這些照片某程度上記錄了香港的建築文化,也令這個拍攝計劃變得更有意義。」

「多點透視全景能提供不同的視角,感覺更身臨其境。」

重構 RECONSTRUCT

日期:即日至9月15日

時間:星期三至日(11am至6pm)

地址:上環磅巷28號Blue Lotus Gallery

原文見於果籽

Rubberband主音6號愛旅行 全景菲林紀錄14國足跡

繆浩昌(6號)最為人熟悉的身份,是樂隊RubberBand的主音,有留意他Instagram的人,會知道他熱愛旅行與全景菲林照片,偶爾還以西班牙文聊表心聲。「在香港,我是個懶散的人,然而旅行時的心態及視野是很開闊的,感覺能與這世界接軌。」最近他與Lomography合作舉辦菲林照片展,集結在玻利維亞、津巴布韋、緬甸及意大利等14個國家拍攝的全景照片,將異鄉見聞定格在120度廣闊視角的菲林裏。

喜歡攝影前,6號已是一位鍾情歷史與地理的學生,正所謂讀萬卷書不如行萬里路,中學畢業後,他參加絲綢之路旅行團,前往新疆。「那時對這地方的記憶,是黎明在天山天池拍攝的電訊廣告,但那次旅行令我開闊眼界,更想探索有趣的地方。」大學畢業後,他揹着背囊,到青海、西藏及尼泊爾當backpacker,開始嚮往這種旅行方式,踏足伊朗、南美等地方。

在緬甸仰光的大金寺,一位僧侶在一排燭光前席地而坐。

津巴布韋收千億紙幣 「可悲的紀念品」

在2004年組成樂隊RubberBand之前,他曾在香港電台任職副導演,因此2013年受邀與港台舊同事遠赴蒙古拍攝節目《人文風景》。樂隊的身份亦令他踏足土耳其拍攝旅遊節目,2014年亦以「饑饉之星」的身份,前往非洲南部國家津巴布韋,探訪當地的貧困兒童。「當地的宣明會工作人員還贈送了千億紙幣,其實連買麵包也不夠,是個可悲的紀念品。」

香港雖說是國際城市,但其實許多人的國際視野很薄弱,他希望在旅途中增廣見聞,認識更多不同的地方,去了解這個世界——這才是旅行的意義。「很多地方只有親身感受過才會更了解,很多人以為伊朗很封閉,其實並非如此,伊朗女性要戴頭巾,但許多人並不喜歡這種習俗。」多年的旅行經歷,他的世界觀或多或少也反映在歌曲裏,最明顯是為「饑饉三十」創作的歌曲《We Are One》,歌詞描述津巴布韋人的景況:旱季尚未完/泥地裏是你在盼/再見肚餓嗎/等一場雨下。

多年來踏上過長長短短的旅程,6號坦言2015年的首次南美旅程最難忘,第一次離家萬千公里,來到阿根廷南部城市Ushuaia,感受電影《春光乍洩》中的世界盡頭。「這趟旅程期待許久,當時樂隊仍與唱片公司簽約,很難才爭取到一個多月假期,然而當我踏足南美時,便覺得一切都是值得。」兩年後,他帶太太再臨南美,遊覽秘魯的「天空之城」馬丘比丘及玻利維亞的「天空之鏡」烏尤尼鹽沼,說着簡單的西班牙文,感受當地的Quechua及Aymara文化。

在海拔3,640米的玻利維亞首都拉巴斯,在纜車裏俯瞰密密麻麻的房屋。

全景相片 紀錄人文與情緒
伴隨旅行而來的另一興趣,是攝影,更準確地說,是菲林攝影。在中大修讀新聞與傳播學期間,6號曾接觸新聞攝影,學懂如何沖曬菲林。「十多年前,當時女友(即現任太太、填詞人Tim Lui)送給我一部Horizon 202全景相機,拍攝的效果很浩瀚,自此便帶着它旅行。」從東京到不丹、從丹麥到秘魯,他用Lomography相機拍攝的每一幅廣闊全景照片,都記錄了不同的人文與情緒。「全景照片與平時見到的視角很不同,即使身處熟悉的香港,也能拍攝出不一樣的感覺。」

在他看來,菲林相機與旅行不乏相似之處,它們可能都很不方便,但同時有種期待的驚喜,令人更珍而重之。

哥本哈根的Superkilen Park,全景相機的廣闊視角更好地呈現地面上的不規則波浪線條。

《6號@RubberBand x Lomography——菲林下的世界足跡》

日期:即日至8月25日

時間:11am-10pm

地點:尖沙咀海港城海洋中心207號舖海港城‧美術館

原文見於果籽

Fotomo攝影浮雕 重現港式老店風情

「平日我們見到的事物都是立體的,但在相片中卻是平面的,Fotomo作品的特別之處是將平面的事物變回原本的立體效果。」藝術家葉家偉(Alexis)從事Fotomo創作十五年,將鏡頭對準香港街頭不斷消失的小店與排檔,再以手工剪裁及拼貼成立體的攝影浮雕作品,以獨特手法重現港式老店風情。

立體浮起的生果檔錯落有致,突出街頭小販獨特⽽創意的展示手法。

影像錯落有致 照片更有生命力

顧名思義,Fotomo由foto與model結合而成,概念源自日本攝影師糸崎公朗(Kimio Itozaki),他用相片結合模型的手法,以立體的模型效果,更寫實地展現真實世界。身為中學視藝老師的葉家偉,2004年帶領學生參觀糸崎公朗的Fotomo展覽後深受啟發,一方面嘗試在課堂上教導學生製作模型,另一方面慢慢演變成個人的藝術創作,「糸崎公朗是將平面的日本街景相片摺叠成立體的模型,我則是通過多層平面的影像拼貼成浮雕效果。」他很快以港式Fotomo闖出一片天地,作品《藍屋》入選2005年香港藝術雙年展,另一作品《香港影像:花園街》則獲2009年香港當代藝術雙年獎優秀作品獎。

葉家偉說,這種創作手法比較適合畫面豐富的場景,如老店及排檔等,多年來,他的足迹遍及港九新界,創作過逾百件作品。「很多時我們對這些店舖習以為常,往往不太留意,然而當其變成一件精緻的作品時,才會去細心欣賞這些事物。」他作品中的生果檔、士多、雜貨店,是一件件充滿細節而富有層次感的作品,少則四五層,有的可多達十層,突出街頭小販獨特而創意的展示手法,立體浮起的影像錯落有致,令照片更有生命力。

背後的每個細節,都是他耗時兩星期一手一腳拼貼的成果。葉家偉的作品某程度上讓我們得以重新發現身邊的美好事物,去重新了解這些微不足道的故事。喜歡紀實攝影的他,拍攝時樂於了解老店背後的故事,有歷經三代的遮舖、有逾半世紀歷史的灣仔愛群理髮店,可惜的是,像這類有特色的店舖現在已買少見少,有的因加租、有的檔主退休、有的被時代淘汰、也有的因重建而消失,「朋友說我的作品是『死亡筆記』,許多拍攝過的店舖都已消失。」重建的屋邨、面目全非的利東街,所有的回憶與美好,均抵擋不過時代的巨輪,他不無感慨,只能在立體的作品中緬懷。

新嘗試是將兩間不同空間的店舖合併在一起,畫面毫無違和感。

嘗試合併兩舖 並置效果時空交錯

雖然他坦言自己最喜歡陶瓷創作,不過多年來也一直探索Fotomo的創作方法,最新嘗試是將兩間不同空間的店舖合併在一起,愛群理髮店舊址原在灣仔,旁邊的志記配匙是在彩雲邨,時空交錯的並置效果頗有趣,畫面亦毫無違和感。「作品中正在理髮的是我的兒子,其實真實的理髮店在紅磡,然而卻能完美地融入這個畫面。」另一個例子是在赤柱的合益士多,掛滿沙灘波的士多場景是在夏天拍攝,而前景穿着厚衣的人物明顯可見是冬天,畫面中小朋友指手劃腳的效果,正好與時空交錯的店舖產生互動,也令作品更生動有趣。

重構 RECONSTRUCT

日期:8月9日至9月15日

時間:星期三至日(11am至6pm)

地址:上環磅巷28號Blue Lotus Gallery

原文見於果籽

鐵馬圍城 分隔強權與雞蛋

鐵馬,又稱人流管制障礙物,它的出現固然是為管理人潮,在擠迫的情況下疏導人群。在香港,鐵馬既是規範遊行人士路線的工具,某程度上也分開了示威者與警察。「鐵馬雖然是一個工具,但它背後有很強烈的象徵意義,鐵馬兩邊是很不同的人,鐵馬一邊是制度與強權,另一邊是民眾與雞蛋。」九十後藝術家吳碩軒(Jerry)如是說。他正於「WMA映香港攝影比賽作品展——機遇」聯展上展出作品「鐵馬圍城」,鐵馬既圍繞我城,更圍起示威者。

鐵馬既是規範遊行人士路線的工具,某程度上也分開了示威者與警察。

也是CapTV短片創作人

吳碩軒正職是CapTV員工,有份創作近日熱爆網絡的針砭時弊短片《Sorry Sorry風土病到壽終正寢版》,實際上,2015年畢業於香港中文大學藝術系的他,大學時已相當關心社會時事,參與反國教運動及雨傘運動,2014年曾創作道具紙幣作品「袋住仙」,諷刺政府的政改方案「袋住先」。讀書時期,學生身份與抗爭者重叠。畢業後,不平仍要鳴,近年他多次參與遊行示威,包括2016年的反釋法遊行,馬路上仍處處可見熟悉的鐵馬。

他拍攝許多遊行前後的畫面,示威者、警察、鐵馬(或欄杆),依然是遊行的構成元素,很多時遊行的路線會被鐵馬封阻,當人們想繼續前進時,就要被迫衝破這些防線。「如果用靜止的照片展示這些畫面,便彷彿定格在某一個瞬間,會失去那種劍拔弩張的緊張局面。」他將三種元素的畫面重叠在一起,然後將照片移印在木板上,連相框製成一個木燈箱,再將LED透光位置的木板鑿薄,令相片閃爍着紅綠色的燈光,變成一件攝影裝置作品。

「紅色代表危險,綠色是和平,身在前線的示威者都會明顯感覺到那種未知的情緒,究竟會否發生衝突?在和平與抗爭的臨界點之間,又應該如何抉擇?」他利用閃爍的LED燈光象徵警察的封鎖線,示威者的情緒在這條鐵馬線之間醞釀起伏,大家處於一個衝與不衝的狀態,表達出一種似有還無的衝突場面。

作品創作於2017年,當吳碩軒回憶一年前的畫面,更有一種模糊感覺,「移印在木板上的照片,更切合地表達出這種感受。」完成「鐵馬圍城」後,有加泰羅尼亞人對作品印象深刻,邀請他創作兩幅關於加泰羅尼亞人抗爭的作品,無疑是對他創作手法的認同。

吳碩軒將示威者、警察與鐵馬重疊的遊行照片移印在木板上。作品中的紅色LED燈光代表危險,表達出示威者在鐵馬之間的浮動情緒。

行到鐵馬前了解真相

今年的「反送中」運動沸沸揚揚,他同樣多次走上街頭發聲,對鐵馬早已習以為常。「純粹遊行的話,鐵馬就是遊行路線的規劃工具,是一種限制。」然而,香港人懂得就地取材,鐵馬也被抗爭者用作屏障,用來阻擋警察的清場,與遍地開花的連儂牆一樣,印證港人近來的口頭禪be water。

他認為,大家都在這場運動裏覺醒、進步,少了許多裝睡的人,亦有許多民間組織自發投入運動(包括銀髮族),「現在藍絲與黃絲傳媒各自論述,大家對運動的理解不一樣,對事情不知就裏的人很容易偏向認同某一方,我希望有更加多的人走出來,了解事情的真相。」

或許,有些真相,不能只靠鍵盤戰士,還需走到街頭,行到鐵馬前。

展覽主題是機遇,意味着改變,吳碩軒說遊行時遇到鐵馬或許是機遇,但未必代表你能衝破。

WMA映香港攝影比賽作品展——機遇

日期:即日至8月4日

時間:12-7pm(星期一休息)

地址:中環永和街23-29號俊和商業大廈8樓WMA Space 

原文見於果籽

Take Your Seat 空導演櫈下的港式風景

還記得2010年劉曉波獲得諾貝爾和平獎時,身陷囹圄的他無法前往奧斯陸出席頒獎典禮,結果諾貝爾委員會在台上放置一張空凳,自此空凳成為他的精神符號。空凳象徵缺席,藉此亦可令人反思背後原因,加拿大攝影師Randy VanDerStarren與Spencer VanDerStarren父子,將一張紅白色導演空凳置身香港的都市與自然風景,以別具一格的方式展現香港的美麗,帶出保護環境的訊息,背後也是一個鼓勵追夢的故事。

追夢,其實就是導演自己的人生,去尋找各自的風景。Randy曾是廣告攝影師,為可口可樂及平治等大品牌操刀拍攝,後來任職財富管理公司,生活過得舒適無憂,但過得好並不代表這就是自己最喜歡做的事。人到中年,他毅然遲去工作,開始「Take Your Seat」空凳計劃的攝影創作之路,部份原因來自一個姍姍來遲的承諾。

父子二人在香港地質公園前拍攝。

足迹遍13地 父子拍住上

兒子Spencer年少時是棒球隊的捕手,一直渴望到紐約看洋基隊比賽,然而每個賽季Randy總說「有一日我們會一齊去」,直到後來洋基體育場即將拆卸,他才履行承諾與兒子到現場觀看比賽。這或多或少是兒子至今仍熱愛棒球的原因,同時也令Randy領悟到,行動比空談更重要,要勇於接受不同的挑戰,而世界各地的風景與一張導演凳,也令他重拾攝影的熱愛,兩父子繼而一齊進行創作。對Spencer而言,「這計劃令我認識及了解世上許多不同的人與大自然,這張凳令我與世界有更密切的聯繫。」

兩父子早前來港舉辦展覽及演講,笑說二人就是帶着一張導演凳到不同國家拍攝,從加拿大開始,至今已踏足冰島、古巴、阿聯酋、日本及香港等13個國家地區,未來也想到紐約及撒哈拉沙漠拍攝。見識過地球的許多風景,試過在結冰的湖面或靜謐的森林拍攝,令他們更了解大自然的美麗與脆弱;試過在喧囂的鬧市取景,吸引途人關注及互動,感受過不同的文化背景,也更知道何謂和而不同。Randy說:「雖然每個地方的人文與風景不盡一致,但我們同樣渴望被尊重、同樣要保護居住的地球。」

在米埔自然保護區,捕捉水牛與大廈並存的畫面。

捕捉水牛與大廈 思考與大自然聯繫

香港是其中一個令他們覺得很神奇的地方,都市與自然共融、新舊結合的對比,令拍攝計劃變得更加有趣。在鬧市,一張紅白色空凳放在安全島上,旁邊兩架巴士緩慢駛過;在海味店,空凳與正在用膳的員工在店內相遇;有時觀眾能明顯見到紅白色的空凳,有時可能隱藏在某個角落,完好融入在人來人往的廟街。「這些畫面許多人都似曾相識,我們故意將空凳放在不顯眼的地方,令觀眾更專注欣賞照片的內容。」

對他們而言,不論獅子山還是地質公園,每張照片的取景場地都別有意義,當日他們凌晨到達香港,回到酒店後不久就摸黑到獅子山,結果還走錯了路,但這亦令每張照片都顯得份外珍貴。他們也與香港世界自然基金會(WWF)合作,來到米埔自然保護區,捕捉水牛與大廈並存的畫面,甚至為等待鳥兒回到樹上,耐心地靜候五小時。Spencer說:「即使是香港人,也無法常常見到這樣的景象,我們都應該好好了解生活的地方。」

在中環街頭,一駛而過的巴士與安全島上的導演櫈形成對比。

這系列「Take Your Seat」照片,一方面捕捉香港的平凡生活時刻,一方面又呈現出香港大自然的壯觀與美麗。「這張空凳成為我們講述故事的道具及象徵,從而促使人們去思考大自然與人類的聯繫。」Randy補充說,其實我們每個人都可以自己「Take Your Seat」,踏出那一步去追求自己的導演凳。

Take Your Seat, Together》在2019年7月至8月曾於佐敦志和街1號Hotel Stage(The Muse空間)展出。

Romain Jacquet-Lagrèze 憑字寄意

沸沸揚揚的六月,香港人為反對「逃犯條例修訂草案」多次走上街頭,許多居港的外國人也挺身支持。移居香港八年的法國攝影師Romain Jacquet-Lagrèze先後在社交網絡發佈「不平則鳴」、「愛家」這兩幅作品,言下之意不言而喻。

Romain原是平面設計師,2009年來港定居後,被密集摩天大廈所吸引,以影像來表達對這座石屎森林的震撼,創作過《Vertical Horizon》及《The Blue Moment》等關於香港城市建築的攝影集。隨着居住時間越久,他也從宏觀視野慢慢深入至本土文化,最新作品《City Poetry》(城市詩意)拍攝大廈及店舖招牌的文字,然後再利用拍攝的文字作為素材,重新組合出新的字句及成語,他更憑字寄意,「愛家」愛香港之餘,更以「不平則鳴」來聲援港人抗議的舉動。

數年前拍攝《Wild Concrete》系列時,他被牆上文字的美感吸引,近年眼見許多霓虹燈消失,不斷令他想起那張文字的照片,於是開始創作《City Poetry》系列,在深水埗及旺角等舊區拍攝舊商店、大廈或霓虹燈招牌的文字,同時從太太口中了解每個文字背後的意思,開始學習繁體中文。「有時候需要拆開文字的結構來了解,然後創造一個故事來記得這個文字,藉此也令我更了解香港文化,發現許多新的事物。」香港的招牌文字有不同的寫法及創作手法,有書法、雕刻、⼿⼯吹製的霓虹燈管,甚至用紙⽪石拼貼的文字,「這些都是非常精湛的技巧,看起來也充滿視覺詩意。」

Romain至今已拍攝下逾千張這樣的照片,由於很多都是大廈及店舖名稱,所以有很多重複的字,如「龍」、「有限公司」等。拍攝約五百個不同文字,他已能認得逾半,也逐漸懂得解讀街頭的文字密碼,對中國書法著迷的他,以並排文字的創作手法,拼湊在不同地⽅拍攝的字體,創作成句子或成語,呈現出新的藝術感。

他覺得「龍」字很漂亮, 於是利用九個不同顏色的「龍」字,拼貼出九龍的意思。他也懂得拼湊「香港文化」等簡單的作品,至於「福如東海」、「壽比南山」等祝壽用語,則是在太太幫忙之下完成。有時也因缺失某些文字,要以其他相同意思的文字來取代,我們常說「百煉成材」,因為Romain無法找到「苦」,後來創作了「百苦成材」,起碼一般人都能明白字面的意思。

他認為這些街頭文字是時間、文字書法與攝影的結合,時間令腐蝕的文字有質感,例如生鏽的金屬字及破碎的霓虹燈等,同時也記錄城市的歷史及時間,令其顯得獨一無二。近年社會四處重建,也令這些文字消失,「當舊店被取代,這些充滿書法美感的文字也會慢慢消失,逐漸被數碼印刷及LED光管文字取代。」另一種意義是,近年傳統繁體文字也受到蠶食,香港作為繁體字的堡壘,他覺得更要保育及記錄這些文字。


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