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明代家具負片立體變平面

September 12, 2019September 28, 2019Posted in ExhibitionTagged 白立方, 秦一峰, 負片, white cube, 家具Leave a comment

世事不是非黑即白，顏色也是如此，黑白之間還有不同程度的灰色。來到中環白立方畫廊，展覽現場是一片灰色空間，有種靜謐感覺，以配合藝術家秦一峰作品中的灰度。展覽空間的中灰色有如大自然物體的平均亮度（18度灰），而牆上的負片作品灰度則高達75至85度，很容易吸引觀者的目光，走近一看，那是一幅幅明式家具局部的負片影像。

現年58歲的秦一峰既是上海大學美術學院副教授，也是一位明式素工家具收藏家，當然更廣為人知的身分是藝術家。早在1983年，秦一峰已開始創作抽象藝術，多年來一直探討立體與平面的關係，1993年的作品《42個立方》，顧名思義在平面的畫布上繪畫出42個立方體。時至今日，他仍然在畫、依舊在探索，作品超過500幅。

1990年代開始，他收藏明代素工家具，所謂「素工」，即不以雕工見長，他形容為形式上的「少做」及細節上的「做足」，再直白地說，類似西方的簡約實用設計，「就是盡可能地用最基本的元素進行藝術創作，而且要耐看。」2006年至2009年期間，他曾編著《明式素工圓方形制》，書中的家具照片由他親自操刀拍攝，過程中他發現正方形桌子類似立方體，促使他用另一種方式去延續將立體平面化的理念。

秦一峰從不以攝影師自稱，實際上他在2010年才開始以攝影為創作媒介，拍攝明式素工家具的局部，或是殘缺部份、或是木紋肌理。在他看來，這些人為或自然損壞的家具殘件，經歷過數百年的衰變，背後其實隱喻了明式家具所象徵的中國傳統精神的變遷。

他想以最客觀的效果呈現，照片消除了透視與景深，用他的話來形容就是「沒有前後、沒有明暗、沒有光影」，將畫面的空間感壓縮在同一種灰色的平面上。他認為數碼相機經過工程師及科學家們優化，無法達到最客觀自然的效果，因此他在工作室裏用大片幅相機，對着固定的家具局部拍攝，等待自然光均勻地照射在物體上，令其失去明暗對比，從而實現畫面上的「平面」。為此他花盡心思，試過用三年時間拍攝同一個桌角，期間仔細研究自然光的變化、菲林的曝光時間以及暗房技巧等，他的創作從不在乎效率。

作品以時間及天氣來命名，圖中作品名為《2013_11_15 10：28 Cloudless》。

他以拍攝作品時的年月日時分以及天氣狀況為作品命名，過程中其實也在與大自然對話，長時間曝光不僅記錄了天氣及光影的變化，某程度上也賦予作品時間性，正如這些有數百年歷史的明式家具殘件一樣，同樣經歷了時光的浸淫。

在秦一峰看來，創作時並沒有攝影的概念，「只是由於這種媒介是客觀的，是很接近真實的，我想利用這種客觀性做出相反的效果。」他說負片是有立場的，有黑白反轉的特性，舉例說，作品中最暗的位置，現實中其實是最亮的，恰好能賦予物件一種「起死回生」的象徵意義；立體的事物在現實中是有空間感的，然而在他的作品中卻被壓縮掉，「我希望這種自相矛盾能產生一種新的形態，以平面手段表現立體器物。」

這某程度上也回應了展覽的主題「負讀/讀負」，令觀者得以用另一種視角去看待攝影，甚至日常事物。

負讀/讀負

日期：即日至11月16日
時間： 11am-7pm（星期二至六）

地址：中環干諾道中50號白立方畫廊

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多重曝光夜景繁盛都市的光污染

September 5, 2019Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 香港, 光污染, 多重曝光, 尹子聰, 彌敦道Leave a comment

燈光璀璨的維港夜景，一方面造就了「動感之都」的城市標誌，另一邊廂無疑卻衍生了光污染問題。若然招牌林立的廣告牌燈光是繁榮的象徵，那麼光污染誠然是發達城市的富貴病，只是美麗背後並非沒有代價，香港的樓宇建築密集，光污染直接影響鄰近住客的睡眠質素，令不少人苦不堪言。香港攝影師尹子聰（Simon）多年前已關注這議題，不過他的鏡頭並沒直接對準絢麗的燈光，而是透過多重曝光的影像，將黑夜的街道與象徵城市繁華的燈光交織在一起，超現實地描繪出城市的輪廓，從而向觀者拋問，越繁榮是否意味着越燈火通明？

香港的光污染問題嚴重，早已不是一朝一夕之事，事緣2007年，環保組織地球之友邀約Simon參與光污染的項目，雖然最後合作沒談成，卻令他萌生研究此課題的想法。過往不乏有人拍攝霓虹燈招牌及大型戶外燈光裝置，在英國威爾斯大學修讀紀實攝影的他，卻選擇用一種另類的方式來記錄。在香港最光的街道——油尖旺區的彌敦道，Simon在同一張菲林裏用多重曝光的方法拍攝街道的亮麗夜景，每張菲林拍攝20多至30次，每一次快門拍攝一段街道，換言之，一張重叠的影像記錄了數百米長的街景。

濃縮在黑白菲林裏

多重曝光的照片看似眼花繚亂，卻保留了許多細節。在尖沙嘴段的彌敦道，重慶大廈外牆的大螢幕剛好展示了恒生指數；而在旺角段，多間珠寶金行門店映入眼簾。「菲林的曝光及沖曬要拿揑得很精準，才能保持畫面的細節。如果中途有一次曝光不準，定會影響完成的效果。」

最初拍攝時，Simon雙管齊下以彩色及黑白菲林拍攝，朋友形容他的黑白菲林照片恍如為香港照X-ray，彷彿照穿了這個城市的生態，「它表面上很繁盛，可裏面卻很多諷刺性的東西。」因此，他捨棄了色彩繽紛的畫面，反而黑白影像背後能承載更多的訊息。

完成香港系列作品後，在2008至2009年期間，他移師北京、上海、台北、東京、首爾及新加坡等人口稠密的亞洲城市，繼續以同一方式創作，將這些城市的廣告牌燈箱及街燈的影像，濃縮在一張黑白菲林裏。在北京的王府井大街，劉翔的廣告牌成為彼時國人的焦點；在上海的南京路，西式建築物映照出這座城市的歷史；東京的銀座中央通及新加坡的烏節路，則隨處可見大品牌的標誌，這也是光污染的源頭之一。

Simon通常在日照較短的冬天拍攝夜景，有更多時間創作同一幅多重曝光影像。，圖為北京王府井。

香港光污染列前茅

「當我嘗試解碼整系列作品時，慢慢發現亞洲城市的繁盛，都是買賣的行為，一個城市越多歐美品牌的標誌，代表着發展得越好。」他將此系列作品命名為《城市——亮》（City Glow），Glow有發光及發亮的意思，一個城市的發熱發亮，同時意味着它的不斷發展與繁盛，只是許多人都忽略了燈火通明背後的代價。

在眾多亞洲城市之中，香港的光污染程度可謂位列前茅，Simon感嘆多年來一直沒有改善，單靠民間自發去做，近乎杯水車薪。政府雖在三年前開始實施《戶外燈光約章》，不過約章屬自願性質，並無法律效力，因此成效並不理想，反觀紐約、巴黎等歐美城市已陸續推出相關法案，值得借鑑。其實，與其全城響應「地球一小時」活動，倒不如返璞歸真，認真監管香港的光污染問題。

City Glow

日期：即日至9月29日

時間：11am-7pm（星期一至六）、2pm-7pm（星期日）

地址：中環荷李活道74號地舖La Galerie Paris 1839畫廊

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多點透視全景紀錄消失中的唐樓

August 28, 2019September 5, 2019Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged Blue Lotus Gallery, 香港, stefan Irvine, 全景, 唐樓1 Comment

全景照片能將廣闊的視野呈現在寬幅畫面上，在風景攝影裏很常見，時下許多相機及手機都已具備這功能，因而令全景照片變得普及。傳統的全景照片只有一個透視點，近景拍攝時畫面易變形，而近年流行於拍攝街道建築的多點透視全景攝影，不僅沒此問題，而且更有親臨其境的感覺。居港英國攝影師Stefan Irvine五年前開始，用這方法拍攝香港的唐樓及建築物，以獨特視角記錄本地的建築遺產。

修讀新聞攝影的Stefan，2002年開始在香港生活及工作，作品見於《南華早報》、《華爾街日報》及《國家地理》雜誌等，及後他從事商業攝影，拍攝建築等題材，也為室內空間拍攝360度影像。居港多年，他一直希望以別具一格的方式來拍攝他的第二個家，「社交媒體上關於香港的出色照片多不勝數，這對我而言充滿挑戰性。」五年前，朋友建議他用多點透視全景（Multi-perspective Panorama，也稱Linear Streetline Panorama）的方法來拍攝香港街景，出來的效果很獨特，令他得以用一種嶄新的視角來觀看香港。

重叠+縫合　呈現多視角

一般全景照片需要轉動相機拍攝，然而多點透視的全景照片，製作過程要縝密得多，拍攝時要以精確的距離拍攝建築的正面，同時要捕捉畫面的人物及移動的物體，令最終畫面更生動有趣。以最新完成的灣仔藍屋群作品為例，藍屋旁的街道有三位擔遮的女士緩慢走過，而另一條街道正好有一架紅色的士轉彎，令觀眾能一目了然地觀察到整個街道的生活，相比起傳統的全景照片更有細節。

Stefan在同一條街道上，每隔兩三米拍攝一張垂直照片，以保留更多的細節，然後以重叠的方式拍攝景物，然後再交由德國數碼後期製作專家Jorg Dietrich處理，縫合（stitch）成寬闊的單幅全景照片，一張照片大概由15至20張照片縫合而成，最多更試過40張相片。「這種全景攝影可同時擁有多個視角，彷彿你正身處街道的不同地方，都能清晰地見到建築物的正面，這是現實中無法獲得的視角。」他坦言，拍攝過程並不算困難，反而後期操控畫面才是重點。「這是很有趣的過程，因為我的背景是新聞攝影，是很直接地反映現實，而做藝術作品時，難得可發揮創作的自由度。」

上居下舖　畫面獨特超現實

最初構思時，Stefan並非聚焦在唐樓，然而當他穿梭在九龍區，卻常常被這種上居下舖的建築模式深深吸引。生活在唐樓的人早已習以為常，或者不會察覺它的獨特存在，「對我來說，這是很典型的香港，獨特而有吸引力。」他在深水埗、土瓜灣、上海街及灣仔等地拍攝唐樓，由於後期製作需時，目前只完成七幅作品，他稱為《最後的唐樓》（The Last Tong Lau），展現出一個個看似現實但又超現實的畫面。

Stefan的作品將唐樓的特色展現無遺，例如土瓜灣的弧形轉角樓，色彩繽紛的牆身，還有基隆街唐樓外牆的竹棚，無不展現香港的建築特色。可惜近年隨着市區重建，許多唐樓都被拆卸，有的則通過翻新來延續壽命，但已面目全非。上海街的戰前「騎樓式」唐樓被評為二級歷史建築，反映香港舊時街道風貌，「不過重建後的唐樓只保存建築物的正面，令其失去原有的意義，不無可惜。」

他認為，活化絕非僅僅保留某些建築元素，而是要保留原有的文化及社區，灣仔藍屋就是一個好例子，而非像利東街那樣，被大財團或商店所取代。「拍攝過程中我發現，這些照片某程度上記錄了香港的建築文化，也令這個拍攝計劃變得更有意義。」

重構 RECONSTRUCT

日期：即日至9月15日

時間：星期三至日（11am至6pm）

地址：上環磅巷28號Blue Lotus Gallery

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由M巾到性觀念馬拉維女孩的教育革命

August 22, 2019Posted in HK Photographer, InterviewTagged 馬拉維, 高仲明, Girls Empowerment Network, M巾英雄, 樂施會Leave a comment

每位孩童都有接受教育的權利，在我們眼中天經地義之事，在第三世界國家，卻並非理所當然。非洲東南部內陸國家馬拉維（Malawi），被聯合國評為世上最不發達國家之一，人均GDP約350美元，半數人口生活在貧窮線以下，當地愛滋病蔓延、失業率高企，嚴峻的還有童婚及失學等問題。樂施會與夥伴組織Girls Empowerment Network（GENET）在馬拉維推動教育，希望改寫失學女孩的命運，樂施會義務攝影師高仲明月前踏足當地拍攝，以紀實鏡頭記錄她們的生活，在他看來，「女孩的教育不只是讓她們上學，更是一場移風易俗的社會革命。」

古語說，衣食足而知榮辱，然而當三餐不繼，又何來知書達禮，更遑論供書教學。教育固然能改善生活，但實際上，許多非洲國家都面臨嚴重的失學問題，尤其是女孩。雖然馬拉維政府在1994年開始已提供八年免費小學教育，但因經濟及傳統觀念等原因，當地失學率非常高，根據聯合國教科文組織（UNESCO）資料，2017年當地中學入學率不足四成，而接受第三期教育的人，更是寥寥可數。女生的入學率原本高於男生，然而畢業的人數卻遠低於男生，除卻童婚、懷孕等緣故，另一個令人意想不到的原因是月經。

十七歲的Naileti和她的孩子，她因早婚中斷學習，現已重返校園就讀小學七年級。

淪為資產　無奈進入婚姻市場

在印度電影《M巾英雄》（PadMan）裏，貧困女性只能用骯髒抹布來代替衞生巾，由於經血被視為不祥，經期的女性無奈只好在屋外睡覺。現實中的馬拉維，女性同樣依靠破布充當衞生巾，形狀紮得有如相撲手，結果滲漏情況不只令人尷尬，更令女生逃避學堂。「每逢女生來月經，總會缺課五、六天，慢慢就會追不上學習進度，漸漸不想再上學。」在當地人看來，女生一開始有月經，就意味着長大成人，父母開始不讓女兒返學，轉而由母親教授取悅男人的性技巧，用「另類教育」討好將來的老公。

「當地人普遍將女性當是一種資產，讓女兒早早出嫁，不僅有禮金幫補家計，還可以煮少一個人飯。」而低學歷的女生，在如此傳統的觀念下成長，往往也沒有其他選擇，只能無奈進入婚姻市場。馬拉維的童婚問題很嚴重，逾四成18歲的少女已嫁作人妻，在探訪過程中，高仲明發現有許多已婚或輟學少女重返校園，一位17歲女孩Naileti因早婚中斷學習，現時重返校園就讀小學七年級，而她的孩子則由朋友照顧。

面對當地教學設施落後，教師嚴重不足的情況，改善硬件設施固然重要，不過高仲明認為最重要是改變當地人的觀念。「馬拉維仍保留很多匪夷所思的兩性觀念，例如新船下水，要由處女充當犧牲品，美其名祭祀神明，實為供船長魚肉。」又如新村長上任，可以隨意挑選稚女「陪瞓」，聽來不可思議，這種情況在當地卻屢見不鮮。所以GENET除了提供物質上的支援，更大力推廣性教育，灌輸她們平等的想法，讓女孩學懂說不，通過改變這種習性，從而改變她們的未來。

「媽媽會」是校內重要的家長組織，她們縫製吸水力較強、可重用的衞生巾，讓女孩可以安心上學。

「媽媽會」和「爸爸會」　確保安心上學

樂施會在當地推動的教育改革，其實更多的是在教育以外的活動，例如在校內組織女生宣誓拒絕早婚；通過「媽媽會」縫製吸水力較強的衞生巾，讓女孩可安心上學；「爸爸會」則潛移默化改變父親們「女生一有月經就要嫁人」的想法，同時在女孩上學的道路上巡邏，以免她們認識到壞男人。而學校也會獎勵成績出眾的女生一支太陽能電筒，畢竟當地沒有燈，夜晚外出如廁時，有電筒能減少被性侵的機會。

近年陸續在坦桑尼亞、莫桑比克及馬拉維等非洲國家拍攝，也讓高仲明深深體會到，「我們不應用現代文明社會的想法，簡單去看第三世界地區問題，因為他們沒有這種文明概念，而她們承受的東西，一般現代都市人亦無法輕易理解。」正如常人覺得理所當然的教育問題，在當地已儼然一場革命運動。

學生們寫下心聲放入「快樂與哀愁」盒子，「哀愁」盒子時常收到性侵個案，迫使整個社區和學校正視受害人的申訴。

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Rubberband主音6號愛旅行全景菲林紀錄14國足跡

August 16, 2019Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 6號, 菲林, horizon 202, lomography, rubberband, 全景, 南美, 旅行Leave a comment

繆浩昌（6號）最為人熟悉的身份，是樂隊RubberBand的主音，有留意他Instagram的人，會知道他熱愛旅行與全景菲林照片，偶爾還以西班牙文聊表心聲。「在香港，我是個懶散的人，然而旅行時的心態及視野是很開闊的，感覺能與這世界接軌。」最近他與Lomography合作舉辦菲林照片展，集結在玻利維亞、津巴布韋、緬甸及意大利等14個國家拍攝的全景照片，將異鄉見聞定格在120度廣闊視角的菲林裏。

喜歡攝影前，6號已是一位鍾情歷史與地理的學生，正所謂讀萬卷書不如行萬里路，中學畢業後，他參加絲綢之路旅行團，前往新疆。「那時對這地方的記憶，是黎明在天山天池拍攝的電訊廣告，但那次旅行令我開闊眼界，更想探索有趣的地方。」大學畢業後，他揹着背囊，到青海、西藏及尼泊爾當backpacker，開始嚮往這種旅行方式，踏足伊朗、南美等地方。

津巴布韋收千億紙幣　「可悲的紀念品」

在2004年組成樂隊RubberBand之前，他曾在香港電台任職副導演，因此2013年受邀與港台舊同事遠赴蒙古拍攝節目《人文風景》。樂隊的身份亦令他踏足土耳其拍攝旅遊節目，2014年亦以「饑饉之星」的身份，前往非洲南部國家津巴布韋，探訪當地的貧困兒童。「當地的宣明會工作人員還贈送了千億紙幣，其實連買麵包也不夠，是個可悲的紀念品。」

香港雖說是國際城市，但其實許多人的國際視野很薄弱，他希望在旅途中增廣見聞，認識更多不同的地方，去了解這個世界——這才是旅行的意義。「很多地方只有親身感受過才會更了解，很多人以為伊朗很封閉，其實並非如此，伊朗女性要戴頭巾，但許多人並不喜歡這種習俗。」多年的旅行經歷，他的世界觀或多或少也反映在歌曲裏，最明顯是為「饑饉三十」創作的歌曲《We Are One》，歌詞描述津巴布韋人的景況：旱季尚未完/泥地裏是你在盼/再見肚餓嗎/等一場雨下。

多年來踏上過長長短短的旅程，6號坦言2015年的首次南美旅程最難忘，第一次離家萬千公里，來到阿根廷南部城市Ushuaia，感受電影《春光乍洩》中的世界盡頭。「這趟旅程期待許久，當時樂隊仍與唱片公司簽約，很難才爭取到一個多月假期，然而當我踏足南美時，便覺得一切都是值得。」兩年後，他帶太太再臨南美，遊覽秘魯的「天空之城」馬丘比丘及玻利維亞的「天空之鏡」烏尤尼鹽沼，說着簡單的西班牙文，感受當地的Quechua及Aymara文化。

全景相片紀錄人文與情緒
伴隨旅行而來的另一興趣，是攝影，更準確地說，是菲林攝影。在中大修讀新聞與傳播學期間，6號曾接觸新聞攝影，學懂如何沖曬菲林。「十多年前，當時女友（即現任太太、填詞人Tim Lui）送給我一部Horizon 202全景相機，拍攝的效果很浩瀚，自此便帶着它旅行。」從東京到不丹、從丹麥到秘魯，他用Lomography相機拍攝的每一幅廣闊全景照片，都記錄了不同的人文與情緒。「全景照片與平時見到的視角很不同，即使身處熟悉的香港，也能拍攝出不一樣的感覺。」

在他看來，菲林相機與旅行不乏相似之處，它們可能都很不方便，但同時有種期待的驚喜，令人更珍而重之。

哥本哈根的Superkilen Park，全景相機的廣闊視角更好地呈現地面上的不規則波浪線條。

《6號@RubberBand x Lomography——菲林下的世界足跡》

日期：即日至8月25日

時間：11am-10pm

地點：尖沙咀海港城海洋中心207號舖海港城‧美術館

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Fotomo攝影浮雕重現港式老店風情

August 9, 2019Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged alexis ip, Blue Lotus Gallery, 老店, 葉家偉, fotomo, 攝影浮雕Leave a comment

「平日我們見到的事物都是立體的，但在相片中卻是平面的，Fotomo作品的特別之處是將平面的事物變回原本的立體效果。」藝術家葉家偉（Alexis）從事Fotomo創作十五年，將鏡頭對準香港街頭不斷消失的小店與排檔，再以手工剪裁及拼貼成立體的攝影浮雕作品，以獨特手法重現港式老店風情。

影像錯落有致　照片更有生命力

顧名思義，Fotomo由foto與model結合而成，概念源自日本攝影師糸崎公朗（Kimio Itozaki），他用相片結合模型的手法，以立體的模型效果，更寫實地展現真實世界。身為中學視藝老師的葉家偉，2004年帶領學生參觀糸崎公朗的Fotomo展覽後深受啟發，一方面嘗試在課堂上教導學生製作模型，另一方面慢慢演變成個人的藝術創作，「糸崎公朗是將平面的日本街景相片摺叠成立體的模型，我則是通過多層平面的影像拼貼成浮雕效果。」他很快以港式Fotomo闖出一片天地，作品《藍屋》入選2005年香港藝術雙年展，另一作品《香港影像：花園街》則獲2009年香港當代藝術雙年獎優秀作品獎。

葉家偉說，這種創作手法比較適合畫面豐富的場景，如老店及排檔等，多年來，他的足迹遍及港九新界，創作過逾百件作品。「很多時我們對這些店舖習以為常，往往不太留意，然而當其變成一件精緻的作品時，才會去細心欣賞這些事物。」他作品中的生果檔、士多、雜貨店，是一件件充滿細節而富有層次感的作品，少則四五層，有的可多達十層，突出街頭小販獨特而創意的展示手法，立體浮起的影像錯落有致，令照片更有生命力。

背後的每個細節，都是他耗時兩星期一手一腳拼貼的成果。葉家偉的作品某程度上讓我們得以重新發現身邊的美好事物，去重新了解這些微不足道的故事。喜歡紀實攝影的他，拍攝時樂於了解老店背後的故事，有歷經三代的遮舖、有逾半世紀歷史的灣仔愛群理髮店，可惜的是，像這類有特色的店舖現在已買少見少，有的因加租、有的檔主退休、有的被時代淘汰、也有的因重建而消失，「朋友說我的作品是『死亡筆記』，許多拍攝過的店舖都已消失。」重建的屋邨、面目全非的利東街，所有的回憶與美好，均抵擋不過時代的巨輪，他不無感慨，只能在立體的作品中緬懷。

嘗試合併兩舖　並置效果時空交錯

雖然他坦言自己最喜歡陶瓷創作，不過多年來也一直探索Fotomo的創作方法，最新嘗試是將兩間不同空間的店舖合併在一起，愛群理髮店舊址原在灣仔，旁邊的志記配匙是在彩雲邨，時空交錯的並置效果頗有趣，畫面亦毫無違和感。「作品中正在理髮的是我的兒子，其實真實的理髮店在紅磡，然而卻能完美地融入這個畫面。」另一個例子是在赤柱的合益士多，掛滿沙灘波的士多場景是在夏天拍攝，而前景穿着厚衣的人物明顯可見是冬天，畫面中小朋友指手劃腳的效果，正好與時空交錯的店舖產生互動，也令作品更生動有趣。

重構 RECONSTRUCT

日期：8月9日至9月15日

時間：星期三至日（11am至6pm）

地址：上環磅巷28號Blue Lotus Gallery

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被剝削的低頭族　尼泊爾女苦力

July 31, 2019July 31, 2019Posted in HK Photographer, InterviewTagged eastpro, 苦力, Josephine Lau, women behind, 剝削, 女性, 尼泊爾Leave a comment

許多發展中及落後國家，仍保留「頭頂載物」的習俗，不論男女老少，不管食物還是貨物，通通都往頭上放，那種畫面令人驚訝不已。在孟加拉，人們直接頭頂籮筐運載煤炭與磚石，而尼泊爾女性則用頭部的綁帶來支撐載滿砂石的籮筐，眼見如此畫面，人們不禁要問，這樣不會對脊椎及頸部帶來傷害嗎？去年踏足尼泊爾的香港攝影師Josephine Lau，最近出版攝影集《Women, Behind》，講述亞洲女性面臨的諸多問題，談及尼泊爾女性運載磚石的現狀，她一臉疑問，「難道用手推車不是更有效率嗎？」

在去年成立出版公司及畫廊Eastpro之前，Josephine曾是美國玩具公司孩之寶首位華人副總裁，攝影只是業餘愛好。五年前的雨傘革命，令她下定決心買來相機，記錄這場運動，喜歡旅行的她，自此外遊時便機不離手。近年她時常踏足尼泊爾、柬埔寨等相對貧窮及落後的地區，不只為參觀名勝古蹟，更深入鮮有遊客踏足的鄉村地區。

女性苦力被剝削

有句潮語叫「貧窮限制了你的想像」，但有些地方的貧窮，你無法想像。尼泊爾的衞生及環境問題很嚴重，「空氣污染很明顯，留在當地的日子，我總覺得喉嚨很乾，很辛苦，感覺比北京更誇張。」街上行乞的兒童、在工廠工作的老人家隨處可見；當地水供應不足，女童要長途跋涉到有水的地方洗衫，女性被迫要在有水的公眾地方沖涼，沒有尊嚴；最令她震撼的，是運送磚石或碎石的婦女，「我見到一位穿着人字拖、揹着碎石的女人與兩手空空的男人擦肩而過，男人若無其事繼續前行，可見這種現象在當地非常普遍。」這些畫面，通通收錄在她的攝影集裏。

據Josephine觀察，在尼泊爾當地，做苦力工作的女性要比男性多，她們用一條布或綁帶來支撐背部的籮筐，裏面可不是一般食物，而是磚石、碎石等重物，估計一籮筐至少有十多、二十公斤，但換來的只是微薄工資。由於頭部要承受重力，所以很多時都要低頭行走，以保持平衡，成為另類「低頭族」，不無可悲。Josephine認為這某程度上是一種剝削，日復日地揹着如此重物，長久定會造成健康問題，一部推車，已能很好地解決問題，保護頭部及脊椎。

「這裏落後幾十年」

在印度及孟加拉等地區，頭頂載物是當地的獨特風景線。曾有研究指出，這種方法更有效率、更易平衡，亦有人辯解說長時間用手推車不方便，Josephine不以為然，「我覺得僱主如果提供手推車，她們一定會用，而且更有效率。」兒時住在西環的她，想起六、七十年代的西環碼頭仍有很多苦力，他們從船上沿着木板走到碼頭，用肩上的扁擔運物資，其實已很艱苦，「我感覺這裏要落後幾十年。」

這種behind，不只落後於時代，也落後於父系社會，當地女性的地位很低，重男輕女的問題嚴峻，在偏遠山區，失學的現象更為明顯，很多失學女孩都要照顧更年幼的弟妹。香港有義務教育，但對當地的青少年而言，尤其女孩，卻不是理所當然。 Josephine認為，許多亞洲女性不懂得voice out，只能默默低頭地走，即使面對鏡頭時能露出笑容，然而背後的心酸又有誰知？她的鏡頭，無形中成為一種發聲工具，將她們的故事告知世人。

Josephine認為，「《Women, Behind》不只是指落後於時代的女性，她們也落後於父系社會。」

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鐵馬圍城分隔強權與雞蛋

July 25, 2019Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged CapTV, 示威, 遊行, 鐵馬, 香港, WMA1 Comment

鐵馬，又稱人流管制障礙物，它的出現固然是為管理人潮，在擠迫的情況下疏導人群。在香港，鐵馬既是規範遊行人士路線的工具，某程度上也分開了示威者與警察。「鐵馬雖然是一個工具，但它背後有很強烈的象徵意義，鐵馬兩邊是很不同的人，鐵馬一邊是制度與強權，另一邊是民眾與雞蛋。」九十後藝術家吳碩軒（Jerry）如是說。他正於「WMA映香港攝影比賽作品展——機遇」聯展上展出作品「鐵馬圍城」，鐵馬既圍繞我城，更圍起示威者。

也是CapTV短片創作人

吳碩軒正職是CapTV員工，有份創作近日熱爆網絡的針砭時弊短片《Sorry Sorry風土病到壽終正寢版》，實際上，2015年畢業於香港中文大學藝術系的他，大學時已相當關心社會時事，參與反國教運動及雨傘運動，2014年曾創作道具紙幣作品「袋住仙」，諷刺政府的政改方案「袋住先」。讀書時期，學生身份與抗爭者重叠。畢業後，不平仍要鳴，近年他多次參與遊行示威，包括2016年的反釋法遊行，馬路上仍處處可見熟悉的鐵馬。

他拍攝許多遊行前後的畫面，示威者、警察、鐵馬（或欄杆），依然是遊行的構成元素，很多時遊行的路線會被鐵馬封阻，當人們想繼續前進時，就要被迫衝破這些防線。「如果用靜止的照片展示這些畫面，便彷彿定格在某一個瞬間，會失去那種劍拔弩張的緊張局面。」他將三種元素的畫面重叠在一起，然後將照片移印在木板上，連相框製成一個木燈箱，再將LED透光位置的木板鑿薄，令相片閃爍着紅綠色的燈光，變成一件攝影裝置作品。

「紅色代表危險，綠色是和平，身在前線的示威者都會明顯感覺到那種未知的情緒，究竟會否發生衝突？在和平與抗爭的臨界點之間，又應該如何抉擇？」他利用閃爍的LED燈光象徵警察的封鎖線，示威者的情緒在這條鐵馬線之間醞釀起伏，大家處於一個衝與不衝的狀態，表達出一種似有還無的衝突場面。

作品創作於2017年，當吳碩軒回憶一年前的畫面，更有一種模糊感覺，「移印在木板上的照片，更切合地表達出這種感受。」完成「鐵馬圍城」後，有加泰羅尼亞人對作品印象深刻，邀請他創作兩幅關於加泰羅尼亞人抗爭的作品，無疑是對他創作手法的認同。

吳碩軒將示威者、警察與鐵馬重疊的遊行照片移印在木板上。作品中的紅色LED燈光代表危險，表達出示威者在鐵馬之間的浮動情緒。

行到鐵馬前了解真相

今年的「反送中」運動沸沸揚揚，他同樣多次走上街頭發聲，對鐵馬早已習以為常。「純粹遊行的話，鐵馬就是遊行路線的規劃工具，是一種限制。」然而，香港人懂得就地取材，鐵馬也被抗爭者用作屏障，用來阻擋警察的清場，與遍地開花的連儂牆一樣，印證港人近來的口頭禪be water。

他認為，大家都在這場運動裏覺醒、進步，少了許多裝睡的人，亦有許多民間組織自發投入運動（包括銀髮族），「現在藍絲與黃絲傳媒各自論述，大家對運動的理解不一樣，對事情不知就裏的人很容易偏向認同某一方，我希望有更加多的人走出來，了解事情的真相。」

或許，有些真相，不能只靠鍵盤戰士，還需走到街頭，行到鐵馬前。

展覽主題是機遇，意味着改變，吳碩軒說遊行時遇到鐵馬或許是機遇，但未必代表你能衝破。

WMA映香港攝影比賽作品展——機遇

日期：即日至8月4日

時間：12-7pm（星期一休息）

地址：中環永和街23-29號俊和商業大廈8樓WMA Space

原文見於果籽

Take Your Seat 空導演櫈下的港式風景

July 23, 2019June 19, 2022Posted in ExhibitionTagged 風景, 香港, Randy VanDerStarren, Spencer VanDerStarren, Take Your Seat, 大自然, 導演凳Leave a comment

還記得2010年劉曉波獲得諾貝爾和平獎時，身陷囹圄的他無法前往奧斯陸出席頒獎典禮，結果諾貝爾委員會在台上放置一張空凳，自此空凳成為他的精神符號。空凳象徵缺席，藉此亦可令人反思背後原因，加拿大攝影師Randy VanDerStarren與Spencer VanDerStarren父子，將一張紅白色導演空凳置身香港的都市與自然風景，以別具一格的方式展現香港的美麗，帶出保護環境的訊息，背後也是一個鼓勵追夢的故事。

追夢，其實就是導演自己的人生，去尋找各自的風景。Randy曾是廣告攝影師，為可口可樂及平治等大品牌操刀拍攝，後來任職財富管理公司，生活過得舒適無憂，但過得好並不代表這就是自己最喜歡做的事。人到中年，他毅然遲去工作，開始「Take Your Seat」空凳計劃的攝影創作之路，部份原因來自一個姍姍來遲的承諾。

足迹遍13地　父子拍住上

兒子Spencer年少時是棒球隊的捕手，一直渴望到紐約看洋基隊比賽，然而每個賽季Randy總說「有一日我們會一齊去」，直到後來洋基體育場即將拆卸，他才履行承諾與兒子到現場觀看比賽。這或多或少是兒子至今仍熱愛棒球的原因，同時也令Randy領悟到，行動比空談更重要，要勇於接受不同的挑戰，而世界各地的風景與一張導演凳，也令他重拾攝影的熱愛，兩父子繼而一齊進行創作。對Spencer而言，「這計劃令我認識及了解世上許多不同的人與大自然，這張凳令我與世界有更密切的聯繫。」

兩父子早前來港舉辦展覽及演講，笑說二人就是帶着一張導演凳到不同國家拍攝，從加拿大開始，至今已踏足冰島、古巴、阿聯酋、日本及香港等13個國家地區，未來也想到紐約及撒哈拉沙漠拍攝。見識過地球的許多風景，試過在結冰的湖面或靜謐的森林拍攝，令他們更了解大自然的美麗與脆弱；試過在喧囂的鬧市取景，吸引途人關注及互動，感受過不同的文化背景，也更知道何謂和而不同。Randy說：「雖然每個地方的人文與風景不盡一致，但我們同樣渴望被尊重、同樣要保護居住的地球。」

捕捉水牛與大廈　思考與大自然聯繫

香港是其中一個令他們覺得很神奇的地方，都市與自然共融、新舊結合的對比，令拍攝計劃變得更加有趣。在鬧市，一張紅白色空凳放在安全島上，旁邊兩架巴士緩慢駛過；在海味店，空凳與正在用膳的員工在店內相遇；有時觀眾能明顯見到紅白色的空凳，有時可能隱藏在某個角落，完好融入在人來人往的廟街。「這些畫面許多人都似曾相識，我們故意將空凳放在不顯眼的地方，令觀眾更專注欣賞照片的內容。」

對他們而言，不論獅子山還是地質公園，每張照片的取景場地都別有意義，當日他們凌晨到達香港，回到酒店後不久就摸黑到獅子山，結果還走錯了路，但這亦令每張照片都顯得份外珍貴。他們也與香港世界自然基金會（WWF）合作，來到米埔自然保護區，捕捉水牛與大廈並存的畫面，甚至為等待鳥兒回到樹上，耐心地靜候五小時。Spencer說：「即使是香港人，也無法常常見到這樣的景象，我們都應該好好了解生活的地方。」

這系列「Take Your Seat」照片，一方面捕捉香港的平凡生活時刻，一方面又呈現出香港大自然的壯觀與美麗。「這張空凳成為我們講述故事的道具及象徵，從而促使人們去思考大自然與人類的聯繫。」Randy補充說，其實我們每個人都可以自己「Take Your Seat」，踏出那一步去追求自己的導演凳。

《Take Your Seat, Together》在2019年7月至8月曾於佐敦志和街1號Hotel Stage(The Muse空間)展出。