The nostalgic Hong Kong: Long Shadow by James Chung

Hong Kong, in the 1950s and 1960s, has an unadorned beauty. There were not many skyscrapers around, and sunlight always left long shadows on the streets and pedestrians. The late photographer James Chung (鍾文略, 1925-2018) once captured that era’s exquisiteness and aesthetic. The exhibition “Long Shadow-James Chung” is like wandering in Hong Kong’s past, immerse yourself in the beautiful light and shadow.

Under the Windows, North Point, 1958

When James Chung came to Hong Kong from Guangdong in 1947, his grandmother gave him two gold bars. According to his eldest son Stanley’s recollection, he exchanged gold bars to work as a movie advertisement apprentice in the theater. He was often exposed to celebrity images, and that spark his interest in photography. 

James Chung bought his first camera in 1957. After the store clerk explained the basic knowledge of aperture and shutter, he immediately rushed to the Zoological and Botanical Gardens. He photographed the shiny lotus flower under the sunlight, and it became his iconic work in early times. Unexpectedly, the image is quite exquisite and published in newspapers and magazines. He bought more film and photographic paper with the remuneration to continue his hobby.

Let There Be Light, Wan Chai, 1957

As an apprentice of movie poster painter, he often stayed in the cinema, which allowed him to observe the light differently. Sometimes the theater staff raised dust when cleaning, and it looks stunning under the sunlight streaming through the windows.  Although James was new to photography, he has a unique sense of light and shadow. According to Stanley’s recollection, he always has artistic visions. Benefit from his painting and woodcarving experience in his early years. He created his extraordinary skills in photography.

Although living conditions in the 1950s and 1960s were difficult, he still insisted on photographing every day. Sometimes, he pawned the camera to buy photographic paper and then used the prize money from the photography competition to redeem the camera. What made James determined to devote himself to photography was his participation in the newspaper’s Photography Competition in 1958. He went out early to take pictures every day and carry a camera even on duty.

Gaze, Kowloon Tsai, 1958

There was a time when his job was to whitewashed a school’s walls. He took pictures of the building in his spare time and later invited his wife and classmate to model inside the school. He captured a triangular pattern from the bottom of the building. The stunning image won a camera in the contest, which significantly strengthened his confidence and continued to improve his photography skills through the competitions.

New Frontier, Kwun Tong, 1962

In 1963, under the introduction of director Li Han-Hsiang, he worked for a film studio. His job was to create movie stills and actors’ portraits, preserving visual memories for many filmmakers. After that, he founded a photo studio in 1968 to engage in the photography and printing business until he retired in 1991. During the most exciting 30 years of his life, photography has been inseparable. 

Long Shadow-James Chung

Date: until 2021.01.31

Time: 10:30am-7:30pm

Site: f22 foto space, Shop W16 & W18, The Peninsula Arcade

Photo Courtesy of f22 foto space

Valentina Loffredo 真假鼻子隱喻私隱

誠然,科技及互聯網為生活帶來便利,但網絡資訊真假難辨,大數據時代下的個人隱私往往無所遁形,卻是不爭的事實。居港意大利攝影師Valentina Loffredo意大利總領事館文化處聯合舉辦的展覽「Nosy」,以難分真假的鼻子,隱喻數碼時代下的隱私問題。

身處數碼時代,人們生活的各個方面,不難避免受其影響。「當我使用社交網絡及電子產品時,總懷有一種觀察的心態,互聯網會記錄你的『數碼足跡』,令人們的生活習慣無形中被影響。」當公共與私人的界線愈模糊,個人隱私問題往往容易被忽視,究竟私隱何價?

以不同黃色方塊上的硅胶鼻子隱喻無處不在的監控鏡頭。

八卦形象化 難分資訊真假

作品以鼻子為題,並非某人鼻子的輪廓太好看,而是語帶雙關地道出Nose與Nosy的關係,前者既指鼻子,也有探問之意,後者與英文俚語big nose一樣,其實是諸事八卦、好管閒事的意思。人或許喜歡打聽八卦,但你的秘密卻一早被互聯網所掌握。「網絡有一套獨特語言,令你用輕鬆、有趣的方式去對談,我想從語言入手探討這個現象。 」語言及文字有時也很有趣,Valentina指出,Nosy與Nose在意大利文也有相似意思,在八卦(ficcanaso)裏面也藏有鼻子(naso)。

在兩塊藍色鑲板中間的是Valentina丈夫的真鼻子。

她以鼻子來形象化Nosy的概念,作品中既有真實人物的鼻子,更多是醫學用的硅胶鼻子,有時作品甚至是用photoshop後期製作而成的,畫面充滿玩味及視覺效果,然而卻令人無法輕易辨別真假,正如網絡資訊一樣,很多時都是模棱兩可的。在其中一幅由黃色方塊構成的作品中,不同角度的鼻子出現在畫面中的不同角落,不禁想起無所不在的監控鏡頭,彷彿正在監察你的一言一行,令人防不勝防。

穿牆的想像 展覽不限地點

對比相片中的鼻子,充滿黃色或綠色的繽紛畫面更加吸引,同時令作品變得有趣。「這就恍如互聯網,有一種很吸引的元素,但你慢慢靠近時,會覺得有些東西令你很迷惑,藉此呈現出我們面對互聯網時的體會。」她以一向簡約風格來呈現畫面,今次作品比以往更抽象,甚至有一種明顯的人造風景痕跡,去刺激觀者的想像力。

抽象的作品真假難分,與網上資訊一樣,眼見未為真。

Valentina的作品以攝影為基礎,同時延伸成為立體及裝置作品,她想像有人穿過牆壁進入家居,以牆上的立體鼻子來呈現。作品不僅在畫廊裏呈現,她更在畫廊附近的餐廳、店舖及公共空間黏上一個個黃色的鼻子,去Nosy別人的事情,正好貫徹展覽主題。對她而言,展覽不只是攝影作品的呈現,而是以玩味、幽默的手法重建一種經歷。有趣是聽說某些黏在店舖門口的黃鼻子消失了,不管是有心還是無意,正當展覽引起大家對私隱問題關注時,這或許也是對Nosy行為的一種覺醒吧。

Nosy

日期:即日至11月30日

時間:12pm-7pm(一至六)

地址:灣仔秀華坊5號地下Novalis Contemporary Art Design Gallery

原文見於果籽

Technology and the Internet are undoubtedly convenient for our lives, but it isn’t easy to distinguish between true and false information on the Internet. It is an indisputable fact that personal privacy in the era of big data is often visible.

Valentina Loffredo, an Italian photographer residing in Hong Kong, uses noses as a metaphor for privacy issues in the digital era to show the relationship between the Nose and Nosy. The former refers to the nose as well as inquiry; the latter, like the English slang term big nose, actually means gossip. People may like to curious about gossip, but the Internet has grasped your secret. 

She uses the nose to visualise the concept of Nosy. The works include real noses, and most of the playful images are silicone noses used in medicine, makes it difficult to distinguish between true and false, just like ambiguous online information. In one of the image consist of yellow blocks, noses appear in different corners reminds us of the ubiquitous surveillance camera, as if monitoring your every thought and deed.

Comparing to the mysterious noses, the colourful background of the picture is more appealing. Valentina Loffredo said, “The images are just like the Internet. It is rather attractive from a distance, and it can also be confusing when you get too close to it.”  The minimalist and abstract images have a noticeable trace of artificial scenery, which stimulate the viewer’s imagination.   

Nosy 

Date: Now till Nov 30 

Time: 12-7pm(Tue-Sat) 

Site: Novalis Contemporary Art Design Gallery, 5 Sau Wa Fong, Wan Chai

Miss Bean 當花遇上女生

90後攝影師羅豆(Miss Bean)擅長拍攝女生,她鏡頭下的女性,活力而有個性。她也喜歡為照片增添花之元素,營造出獨特的美感,燦爛奪目而動人。然而當女生遇上花,卻並非單純嬌美的交集,還衍生出一個個未知星球及「花型外星人」。最近,她推出新書及舉辦展覽「花型人間」,探索花朵與女性的異同,以及背後所象徵的生命與死亡。

模擬從地球望向太空的感覺,在球體上投射出花型行星的模樣。

花型人間 人花合一 

花型人間一詞由中文與日文組成,花型是指花的形狀、特質,而人間在日文則有世界的意思,營造出一個花之星球。「我以一個收集家、探險家的身份,想像着帶領一班花型外星人來到地球,踏上一段冒險旅程。」羅豆如此解釋展覽的概念。展覽分為兩層,地面是花型外星人來到地球的樣貌,一樓則是模擬從地球望向太空的感覺,在球體上投射出花型行星的模樣。「網上看到的照片往往是片面的,攝影集可以帶領讀者觀看作品,然而展覽才能完整呈現出『花型人間』的世界觀。」

波斯菊與Nancy Kwai

事情緣起她旅行時在餐廳見到的插花裝飾,她覺得這種呈現美麗的方式很有趣。「好多人都愛花,但當摘下它欣賞之時,也是它邁向死亡的狀態。」她不僅拍攝插花的照片,還將花之元素與擅長拍攝的女生結合,為此她去年在日本研修時,還特意前往著名的「東信、花樹研究所」學習花道兩個月,了解用花做創作的方法及媒介。今年初回港之後,她因疫情無法再重返日本,加上身邊發生的事情令她感受很深,於是開始創作這系列作品。「香港很漂亮,但它正慢慢步向衰落,這與我欣賞花的狀態很相似。」

帝王花與Hanna Chan

說起花與女生,令人想起蜷川實花、荒木經惟的作品,珠玉在前,她以羅蘭巴特《哀悼日記》的文本作引子,「我總是在桌子上放些花,我不願到任何地方旅行,這樣我就可以呆在那裏,防止這些花枯萎。」在她看來,花朵以優雅的姿態慢慢死去,這種詭異的美態同時演繹着生命與死亡,而當花朵遇上女生,混合成一種全新型態的生命,藉此探索及發現兩者的相同及差異之處。 

跳出舊有創作方式 發掘不同可能性

這系列作品共有38位女生、36種花朵,以人花合一的造型演繹不同的性格。有時因應女生的特質搭配一種花,有時則根據花的外型尋找相似的女生,比如雙喜藤的主角是一對雙胞胎,它能長出兩種顏色的花朵,兩者相互映襯,各自圍繞着對方成長,這種特性正令人聯想起雙胞胎。

羅豆坦言,作品並非全然根據花語進行創作,反而想發掘已知事物以外的可能性。以玫瑰為例,它給人的固有印象是愛,然而羅豆鏡頭下手執紅玫瑰的女生,成長的背景令她對這個世界很有戒心,因此拍攝時為她增添帶刺的物件,呈現出她的性格特徵。「我想呈現出花與女生的不同狀態,即使花朵逐漸衰落,都有美麗狀態的一面。」

荷花與Ip Yi

有別於過往的商業拍攝,羅豆故意跳出舊有的創作方式,在過程中不停嘗試新的可能性,每次拍攝均困在studio十多個小時,單是花妝已要三至五小時,每個細節及造型均一絲不苟,期間也令她更認識花的習性。「荷花是在水種植物,水要夠深,荷花才不會枯毀。拍攝前發覺水缸不夠深,前一日佈置的荷花全死了,這也令我對今次創作有更深的體會。」

如果說摘下來的花朵以死亡的前奏綻放出最美麗的風景,那麼在「花型人間」作品裏,它們卻同時經歷了死亡與不朽,蛻變成另一種生命。 

花型人間

日期:即日起至11月15日
時間:12pm-7pm(星期二至日)
地點:深水埗大南街202號地下Parallel Space

原文見於果籽

Bruno Barbey 彩色中國印象

馬格蘭法籍攝影師Bruno Barbey在2020年11月9日離世,享年79歲。半個世紀以來,他的鏡頭見證過許多重大歷史事件,在華文世界最廣為人知的作品,是在中國拍攝逾四十年的彩色照片,並於2014年結集成《Bruno Barbey: China 1973 – 2013: From Mao to Modernity》一書,這批影像2015年曾在跑馬地F11攝影博物館展出。

十六歲時,Bruno Barbey已學懂駕駛輕型飛機,期望到世界各地旅行。原本想成為飛行員的他,發現攝影可以遇見更多的人,於是改變主意成為攝影師。受美國攝影師Robert Frank的《The Americans》啟發,他在1961年至1964年期間走遍亞平寧半島,拍攝意大利人生活的方方面面,捕捉這個民族的精神面貌,最後結集成《The Italians》。因為這系列寫實的黑白照片,他在1964年被邀請加入馬格蘭攝影通訊社(Magnum Photos),後來在1992至1995年間更成為通訊社主席。

1968年是動盪的一年,布拉格之春、反越戰示威、馬丁路德金遇刺,還有巴黎的五月風暴。這場逾千萬人參與的罷工示威運動愈演愈烈,連法國電視台也罷工,當時並沒太多攝影師在街頭拍攝這場運動,身處巴黎的Bruno Barbey,拍攝學生與警察之間的對抗,捕捉許多這場運動的標誌性畫面,例如那幅站在交通燈上手握拳頭的學生。

Bruno Barbey的足跡遍及五大洲,在日本拍攝「反對成田機場建設遊行」、越南戰爭、波斯灣戰爭時在科威特拍攝燃燒中的油田,還有發生在尼日利亞、巴勒斯坦等地的重要事件。儘管走過烽煙大地,不過他並不視自己為戰地攝影師,他曾如此解釋到:如果你只專注在戰地攝影,眼見遍地屍體或慘不忍睹的畫面,很容易變得憤世嫉俗。

在黑白攝影當道的年代,加上當時的印刷技術有限,相比起其他馬格蘭同仁,Bruno Barbey是其中一位最早拍攝彩色照片的攝影師,這其實與他的成長經歷息息相關。生於非洲北部的摩洛哥,童年在當地繽紛色彩的環境下成長,這也令他自小對色彩有過人的觸覺,後來他也多次重返摩洛哥,以彩色拍攝他成長的斑斕國度。

上海,1973年。

雖然Bruno Barbey並非首位踏足中國的攝影師,但他卻是首位以彩色菲林拍攝這片神州大地的馬格蘭攝影師。1973年,當時仍是文化大革命時期,外國人很難取得簽證,Bruno Barbey以時任法國總統龐比度隨行傳媒的身分首次踏足中國,在五天的時間裏,拍攝許多龐比度與周恩來總理的會面情況,也拍攝紫禁城、解放軍儀仗隊、社會主義宣傳標語、幼稚園及北京街頭等,開始他與中國逾45年的淵源。

中國改革開放後,他在1980年重返中國,來到四川、上海等地。在四川的小村莊,人們見到這位拿着相機的外國人,紛紛投以獵奇的眼光,甚至跟隨他的腳步,好奇他在做甚麼。在上海,可見有價格管制的糧店,燙髮的女人頭上夾滿電線。他的照片呈現中國當時的社會面貌,人們踩着單車,穿着樸素的藍色或灰色工人服,很多地方仍豎立毛澤東雕像,標語上寫着「為實現四個現代化努力奮鬥」,如今重看固然覺得不可思議。 

1980年,北京

畢竟,中國近幾十年的變化巨大,這些樸素的畫面早已消失不見,只能在Bruno Barbey的彩色照片裏尋覓。對他而言,雖然報導攝影的黃金時代早已消逝,但他仍熱衷於拍攝,即使兩年前仍樂此不疲地在中國街頭拍攝。

·圖片來自Magnum Photos

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超現實香港 俄羅斯方塊屋邨

當屋邨單位變成恍如「俄羅斯方塊」遊戲裏的四格骨牌,超現實的畫面令人看得大呼過癮,香港攝影師Tommy Fung為其作品配上文字對白,「如果香港房屋問題是一個遊戲,最後我們會贏還是輸呢?」

俄羅斯方塊(Tetris)在八、九十年代風靡一時,喜歡打機的Tommy兒時也曾玩過這款遊戲,這啟發他將彩虹邨單位創作成「屋邨方塊」,是他為最新展覽創作的作品。「俄羅斯方塊的骨牌會隨着遊戲難度跌得越來越快,一不小心就很容易game over,究竟如何解決房屋問題、贏得遊戲,值得大家去商量、思考。」在這個不能掌握主導權的遊戲裏,任憑你如何節衣縮食,也不能輕易獲得理想的「單位骨牌」。

香港房屋問題嚴重,但土地不足是否就是唯一說辭?其實,香港並非沒有地方起屋,早在兩年前,他已以一幅「摘去棕地、然後種出大廈」及「獅子山頂建豪宅」的作品回應及諷刺問題。「新界明明有723公頃棕地可以納入發展,解決房屋問題,但政府偏偏一意孤行,硬是要發展郊野公園邊陲。」話音未落,又到「明日大嶼」,「政府總是一味說填海,我覺得很荒謬,其實還有其他解決方法,大可善用棕地。」

立體3D裝置 一層層無限輪迴

Tommy兒時住在狹窄的公共屋邨,九歲時移民委內瑞拉。長大後從事商業攝影,由於近年當地民不聊生,2016年回流香港。「在那邊的房屋大很多,回到香港覺得有很大對比,但並不感到很意外。」俗話說,室雅何須大,對他而言,有床睡覺、有張工作枱已足夠,奈何這種平凡的想法,對許多人來說仍是奢求。一般公屋申請人的平均輪候時間是5.4年,露宿者人數早已突破逾千人,如何解決這個迫在眉睫的問題?他以黑色幽默回應,將香港的房屋建造成樓高幾百層的住宅,問題或許可迎刃而解。

有逾半世紀歷史的彩虹邨,繽紛的外牆顏色吸引不少人慕名前來打卡,但生活在裏面的人,與很多港人一樣,面臨居住空間不足的問題。他將五顏六色的大廈外牆無限複製並縮小,變成越細越暗的劏房,居住空間越來越細,直指香港的劏房問題嚴重。另一幅華富邨的作品,他同樣以改圖的手法將屋邨變成無限輪迴的畫面,隱喻輪候公屋的時間之久,看不到盡頭。他將作品做成立體的3D裝置,一層層的畫面令照片的觀感更強烈,表面上越是美麗,更顯得背後的真相越荒謬。

細味改圖訊息 「非討論相片真假」

Tommy的照片並非一味搞笑,作品背後都有深層意思,藉此喚起大家關注、討論各種社會議題。早於2013年,身在南美的他曾創作講述空氣污染問題的作品《瓶中香港》(Hong Kong in Bottle),隱喻港人被困在一個充滿煙霧的玻璃樽,作品還入選WYNG大師攝影獎。2017年初,他成立「SurrealHK」,儘管呈現手法不一樣,但以攝影關注社會議題的想法早已埋下。

三年多以來,他創作逾三百多幅作品,題材涵蓋衣食住行,今年疫情期間的搶口罩、防疫、全民檢測等事件,也給他源源不絕的靈感,創作成天馬行空或詼諧幽默的畫面。想當初,很多人接觸他的作品都會直言是改圖、假圖,現在他的IG有九萬多followers,大家也慢慢接受這種創作風格。「改圖只是一種表達方式,是用另一種角度看事情,我覺得大家更應該留心背後所傳達的訊息,而非單純討論相片的真假。」

華富邨變成無限輪迴的畫面,隱喻輪候公屋的時間之久。

SurrealHK–My Surreal Life in Hong kong

日期:即日至11月8日

時間:12-7pm

地址:13a New Street Art Gallery(上環新街13A號)

原文見於果籽

The Surreal Game of Public Housing in Hong Kong

When the public housing unit becomes dominoes in the “Tetris” game, which offers a fascinating glimpse of the surreal life in hong kong, photographer Tommy Fung added his work a description. ”What if the housing problem in Hong Kong is a game? Are we going to win or lose?”

Tetris was all the rage in the 1980s and 1990s. Tommy also played this game when he was a child, and it inspired him to create the Choi Hung Estate unit as “flat dominoes,” which he made for the latest exhibition. “The dominoes of Tetris will drop faster and faster with the difficulty of the game, and it is easy to game over if you are not careful. How to solve the housing problem and win the game is worth discussing.”

Choi Hung Estate has become the most photogenic spot in Hong Kong. Its rainbow-colored external wall hooked visitors.  Meanwhile, the residents living inside the Estate are facing the problem of inadequate living space. Tommy Fung copied and shrunk the colorful outer walls of buildings, turning them into infinite smaller subdivided units, pointing out the problem of subdivided flats.

Another artwork is about Wah Fu Estate. He used the same method to present the infinite composition as a metaphor for public housing’s long waiting time. He made the image into a three-dimensional installation, and the layer of images strengthen the message—the more beautiful on the surface, the more absurd the truth behind it.

Helmut Newton百歲冥壽 TASCHEN復刻經典攝影集

10月31日是著名攝影師Helmut Newton百歲冥壽,德國出版社TASCHEN近日推出其復刻版攝影集《BABY SUMO》,以紀念這位在時尚及攝影界舉足輕重的人物。

BABY SUMO》由TASCHEN出版,限量一萬本,售價12,000港元。

這本攝影集前身是1999年推出的《SUMO》,它重35.4公斤、尺寸為70x50cm,名副其實是一本「巨著」,重量及體積均打破書本記錄。不鏽鋼書架由法國著名設計師Philippe Starck操刀,當年推出一萬本,Helmut Newton親自為每本攝影書簽名,結果很快銷售一空,連紐約現代藝術博物館(MoMA)也收藏此書,可見其影響力,連他本人也用「That book was an outrageous idea—totally crazy!」來形容這本書。千禧年時,有逾百位名人簽名的首本《SUMO》進行拍賣,結果以62萬德國馬克(約31萬歐元)成交,成為二十世紀推出的最貴書籍。

2009年及2019年,攝影師遺孀June Newton重新編輯書籍,推出比前作更輕的版本,事隔多年同樣有價有市,可見這本書的影響力歷久不衰。2020年是特別的一年,不僅是Helmut Newton誕生百週年,也是TASCHEN出版社成立四十週年,因此推出僅原始版本一半尺寸的《BABY SUMO》(35.8x50cm)。攝影集同樣由June Newton編輯,同樣有Philippe Starck設計的不鏽鋼書架,同樣限量一萬本,售價12,000港元。攝影集收錄四百多張Helmut Newton在1960至1990年代的作品,以及攝影師撰寫的自傳式文章,分享他的成長經歷。

Helmut Newton一輩子都與女性有著不解之緣。小時候由於母親的精心打扮,他時常被誤認為是女孩子,而這卻無阻他對女人的迷戀。十二歲時他愛上游水,吸引的除了運動本身,更重要是可在泳池邊欣賞身材曼妙的女孩。同年,他擁有人生首部相機Zeiss Box Tengor,開始對攝影萌生興趣,他十分喜歡在柏林的地鐵站拍攝,標記性的柏林廣播塔(Funkturm Berlin)更吸引他不停按下快門。十六歲時,他想成為攝影師,於是從學校輟學,拜師德國女攝影師Yva,可惜兩年後戰爭爆發,同為猶太人的Yva遭受迫害,不久後死在奧斯威辛集中營。

當時納粹不斷限制猶太人的自由,一家人想方設法逃出德國。由於護照問題,他並未能和父母一同坐船到南美,反而踏上開往中國的汽船。也許天沒絕人之路,1938年尾,當船隻到達新加坡時,由於他懂得英文與攝影,幸運地在當地《海峽時報》找到攝影師的工作,可惜不久後被解僱,再度落泊。當時新加坡政局變動,他和其他猶太人一同被送到澳洲。數年後,他成為澳洲公民,並將猶太名字改為Helmut Newton。1946年,他在墨爾本成立攝影工作室,遇上未來妻子June Browne,她後來也成為一名攝影師。

在澳洲攝影界打拼十多年,Helmut Newton知道這個遠離西方文化中心之地,早已不能滿足野心,於是他在1950年代末前往歐洲,先是在英國《VOGUE》雜誌工作一年,當他到達巴黎時,才真正感受到自己的活力。1961年,他任職法國版《VOGUE》雜誌攝影師,開始在時裝界嶄露頭角,向世人展示他那充滿情色誘惑的時尚攝影。他喜歡在巴黎街頭拍攝,這某程度上是受一直活躍於巴黎街頭的匈牙利攝影師Brassai影響,他說自己在攝影棚時總缺乏靈感,反而在戶外時充滿想像力,透過鏡頭呈現他心中的女性形象。

這種風格受到青睞,令他很快成為時尚及攝影界名人,之後二十多年,他一直是《VOGUE》雜誌御用攝影師,也不時受邀為《ELLE》、《MARIE-CLAIRE》等雜誌操刀拍攝。不論時裝、名人還是裸體,他鏡頭下的女性總是充滿情色挑逗,以前衛、唯美的視角展現女性的魅力,令人留有遐想。即使逝世已十多年,他的影響力至今仍不減退。    

·顯影 Instagram / Linkin.bio 

鍾文略  舊香港的長影 

1950及1960年代的香港,是生活質樸的純真時代,周圍沒有太多高樓大廈,陽光總能為街道及行人留下長長的影子。已故攝影師鍾文略(1925-2018)曾為那個年代的香港留下倩影,展覽《長影——鍾文略》就如漫遊在一段香江往事,令人沉浸在美麗的光影之中。

鍾文略在1947年從廣東新會來到香港時,奶奶曾給他兩條金條以備不時之需,根據他長子鍾易理憶述,「當時他以金條換取美術老師的教導,在戲院當美術廣告畫學徒,包食包住。」八年之後,他轉到灣仔國民戲院工作,當時正值粵語片時代,除了換電影廣告畫之外,平時算是清閒,他因工作時接觸到明星相片,對攝影萌生興趣。

鍾文略1957年開始攝影,拍攝下這幅早期代表作《花中君子》。

以戰養戰 贏獎金買菲林

當時完全不懂攝影的他,在1957年買下第一部相機,相機舖店員向他解釋光圈、快門及景深等基本知識後,他立刻帶着相機前往兵頭花園,見到陽光照射下水池中的蓮花泛起金光,拍攝出早期的代表作《花中君子》。當時他對照片並沒有太高期望,想不到沖曬出來的照片畫面精緻,更獲報紙雜誌刊登,於是拿着稿費購買更多菲林、相紙,開始「以戰養戰」的興趣。

戲院員工打掃時揚起的塵埃,在陽光下非常唯美。

留在戲院的時間,讓他得以觀察不同時分的光線,戲院員工打掃時揚起的塵埃,在透過窗戶投射的陽光之下,寫實得來也非常唯美。當時他雖然剛接觸攝影,但由此可見他對光影已有獨特觸覺。「爸爸是很有藝術美感的人,早年在鄉下已喜歡做木雕,加上多年的繪畫經驗,造就他過人的攝影功力。」

讓鍾文略決意投身攝影事業想法的,是參加1958年《新晚報》舉辦的「普魯士菲林攝影比賽」。那時他每天提早起床外出拍攝,不放過任何在街頭拍攝的機會,連開工也帶着相機。當時他曾跟師傅在一間學校粉飾牆壁,趁着休息時拿起相機四處拍攝建築,之後還邀約太太及她的同學做模特兒,以人物點綴建築物,其中一張從樓梯底仰拍的照片,剛好捕捉了一個三角形圖案。結果,兩張參賽照片均獲獎,贏得兩部相機,這大大加強他的信心,繼續透過比賽磨練攝影技巧,並在同年加入香港攝影學會。

三角形構圖的照片贏得攝影比賽,令他決意投身攝影事業。

鍾易理說,小時候已知爸爸是攝影師,雖然當時生活條件艱苦,但他仍堅持每天拍攝。為了攝影,他可以去得好盡,那時戲院的工資並不高,有時為了購買相紙,更會典當相機,然後利用贏得攝影比賽的獎金或報館的稿費,再贖回相機。「小時候試過沒錢食飯,要到外公開設的酒樓食飯。那時的酒樓通常會養雞,爸爸為了拍攝照片,更不惜將米掉在地上吸引雞。」

1959年拍攝的「食水難」獲得當年香港國際沙龍銀獎。

制水街拍 畫面紀實優美

鍾文略的照片,也紀錄當時的社會現象。1959年,香港實施制水,有次在柴灣街頭見到排長龍等水的畫面,他不假思索按下快門,托腮的婦女與凝固的水柱形成有趣對比,畫面紀實而優美。這幅「食水難」獲得當年香港國際沙龍銀獎,也令他更致力拍攝反映社會現實的照片,捕捉勞苦大眾的生活。

說起這張照片,鍾易理分享當中趣事,「當時爸爸將菲林放在床上,兒時的我用扣針刺穿菲林,令沖曬出來的相片有個『印記』,闖禍之後,我的屁股也受罪。」自此之後,鍾文略更小心處理及收藏拍攝的菲林,而當年菲林的破壞者,而今亦成為爸爸作品的守護者,展覽中的銀鹽黑白照片,便是由鍾易理沖曬,也算是父子間的另一種對話吧。

New Frontier, Kwun Tong, 1962 © f22 foto space

1963年,在李翰祥導演介紹下,鍾文略轉職到電懋影業公司,拍攝電影劇照及明星肖像,為那一代電影人留下重要的視覺回憶。之後他在1968年創辦影樓,從事攝影及沖印業務,1970年代開始減少在街頭拍攝,直至1991年退休,人生最精彩的三十多年,攝影可謂一直形影不離。

長影——鍾文略

日期:即日至2021年1月31日 / 時間:10:30am-7:30pm

地址:尖沙咀半島酒店商場BW11及13號 f22 foto space

PS:f22 foto space畫廊最近再次舉辦鍾文略個展《等待此刻》(Waiting for the Moment),展出逾三十幅作品,讓人再次漫遊在香江往事中。(展期由2021年4月開始)

《長影》的照片以動人的光影見稱,《等待此刻》的作品則比較注重線條,可見他的拍攝風格多元。相片看起來較有設計感,部分照片經過重新剪裁,呈現出不一樣的美感。「等待此刻」是鍾文略攝影的座右銘。他曾說,「等待是一張精彩照片的最重要元素」。或許如此,他總能捕捉到完美的光線及出色的構圖,例如西環碼頭的苦力、在雨中排隊的人群等,從另一角度細味昔日香港的街景和日常。

·原文見於果籽 ·如果你認同「顯影」有價,歡迎透過PayMe( payme.hsbc/photogstory )支持。

日本戰地攝影師 沢田教一

半世紀前的1970年10月28日,合眾社(UPI)日本戰地攝影師沢田教一(Kyoichi Sawada)在柬埔寨遭受毒打及槍擊後死亡,年僅34歲。

生於青森縣的沢田教一,從縣立高中畢業後,在當地美軍基地的攝影店工作,同時學習攝影。1961年,他獲得一名空軍基地軍官推薦,前往東京成為合眾社東京分社的攝影師。二戰後,日本傳媒幾乎只關注國內新聞,1964年的東京夏季奧運會改變這個局面,令國人對日本以外的世界愈感興趣,日本傳媒也更關注國際事件,包括當時如火如荼的越南戰爭。

1965年初,他利用假期時間獨自前往越南拍攝,合眾社見到他的照片後,最終將他分配至越南拍攝戰爭。同年九月,美軍懷疑平定省歸仁市(Quy Nhon)當地的村莊被越共用作大本營,於是先撤離村民,然後從空中轟炸越共狙擊手的根據地。

沢田教一剛好拍攝到一家五口在河中跋涉的畫面,他們眼中充滿無助與惶恐,成為越戰其中一張標誌性作品,不僅獲得同年世界新聞攝影比賽 (World Press Photo)的年度照片,翌年還贏得普立茲新聞攝影獎。名成利就之際,沢田教一重回當地村莊探望照片中的家庭,不僅送上得獎照片,還分贈部分獎金給他們,可見戰地記者的人道關懷不只侷限在鏡頭,同樣可以付諸行動。

獲獎後的沢田教一繼續留在越南,翌年拍攝出另一張著名照片,在一場戰役之後,一架美軍裝甲車後面拉着一具越共士兵的屍體,準備拖到附近的埋葬地。兩名士兵對這樣的畫面毫不在乎,然而這張照片卻再度震驚全世界,沢田教一憑此贏得1966年的新聞攝影比賽年度照片,是至今唯一能蟬聯此殊榮的攝影師。

1968年時 ,他曾被分配至香港分社擔任圖片編輯,但他並不喜歡文書工作,隨着越戰蔓延至老撾和柬埔寨,他仍不時回到越南拍攝。1970年柬埔寨政變之後,他開始紀錄當地的情況,沒想到當他準備接手合眾社金邊分局職務時,遭遇當地士兵毒手。

Stephanie Teng 月亮代表我的心

鄧麗君的《月亮代表我的心》早已街知巷聞,欣賞攝影師鄧詩廷Stephanie Teng)最新展覽「Solace」時,腦海裏不時閃過這首歌名,只是她表達的不是甜蜜愛意,而是透過捕捉多重曝光的月亮,安撫內心的混亂思緒。

月如明鏡 投射心理層面

夕陽無限好,只是近黃昏。或許世人都被日落的夕陽吸引,忽略了背後正在升起的月亮。在這日落月升之間,Stephanie卻對月亮情有獨鍾,連hotmail時代的電郵地址,也藏身着moonlight一字。月亮是無數藝術家的靈感源泉,不難在攝影家Ansel Adams或畫家Henri Rousseau的作品裏尋覓,然而將月亮視為獨特的攝影語言,Stephanie是為數不多的一位。在美國修讀心理學的她,大學時才接觸攝影,畢業回港後從事商業攝影。

她曾試過在不同的位置捕捉月亮。三年前開始,她想像自己在天空上繪畫,以月亮為畫具,每個月亮就是一重曝光。「每當我覺得煩惱或悶悶不樂時,總會尋找一片很安靜或在暗黑的環境,在日落時分或夜晚拍攝月亮,讓自己慢慢平靜下來。」在無雲或稀雲的天空,她透過移動相機的位置,在家中天台捕捉月亮在畫面的不同位置,利用多重曝光「繪畫」出弧形、圓形及不規則的彎月或圓月形狀。

月相及月亮的位置看似隨機,簡潔的畫面有一種舞動的節奏,展覽現場的首張作品,畫面中的八個滿月恍如不規則三角形,那種畫面上的混亂,其實正反映她的拍攝初衷。她也嘗試以月亮「繪畫」圓形,由於月亮的位置有所偏移,圓形的構圖並不完美,不過她沒有視之為「失敗」作品,藉此隱喻我們在為人處事或生活細節上,總想呈現一個最理想的狀態。

這系列作品讓Stephanie明白,即使不完美也有一種美。

混亂美態 毋須事事完美

展覽以一片黑暗的作品為開端,隨着展覽進行,畫面中慢慢增添光線,最後以燈箱呈現日出前藍色天空的月亮,八個彎月構成一個完美圓形,象徵着她從混亂走向平靜的心路歷程,是名副其實的「月亮代表我的心」。「攝影與月亮正如一塊鏡子,能投射心理層面的事物,這個媒介令我更認識自己。」更重要的是,每次她拍攝完月亮之後,紊亂的思緒總會得到紓緩,彷彿那一片月光就是她的精神寄託。

這系列作品既有沉澱,也相當有詩意,過程中亦令她明白很多事情。「很多事情即使不完美、不開心,也是可以解決的。我們很容易被不夠好、不夠完美的想法困擾,然後在負面思緒的惡性循環裏原地轉圈。在這輯作品裏,我發現混亂也有一種美,未必事事要追求完美。」由不規則到和諧、從黑暗到光明,Stephanie以月亮為視覺語言,探索自己的內心世界,這種攝影手法可謂獨樹一幟。

\展覽以日出前月亮的完美圓形為完結,象徵她的心路歷程。

Solace

日期:即日至11月2日

時間:12pm-6pm(一至五)

地址:上環善慶街6至10號地下B室The Wild Lot

原文見於果籽

Photographer Stephanie Teng moves the camera to capture the moon at different positions in a cloudless or sparsely clouded night sky, trying to form the moons into different patterns through multiple exposure images.

The eight full moons in the first image at her solo exhibition “Solace” look like irregular triangles. The moons in random position present chaos, reflecting her original intention for this series. Meanwhile, the process of photographing the moon appeases her chaotic thoughts.

Stephanie tried to “paint” the circle with the multiple exposures moons. Even though the circle’s composition is not perfect, she did not regard it as a failure. “We always want to look perfect, and it is easy for us to immerse in such negative thoughts.”

Even if something is chaotic or imperfect, it can still look beautiful. What is more critical for Stephanie is that every time she finishes photographing the moon, her confusion will always be relieved as if the moonlight is her spiritual sustenance. “Photography and the moon are like a mirror, which can reflect my inner self and know myself better.”