攝影 – Page 5 – 顯影-PhotogStory

美國往事 Bruce Davidson

June 20, 2018June 20, 2018Posted in 香港, Photo NoteTagged Brooklyn Gang, Bruce Davidson, Civil Rights Movement, East 100th Street, Joel Meyerowitz, leica, MAGNUM PHOTOS, Steve McCurry, Subway, The Dwarf, Thomas Hoepker, 名人堂, 徠卡, 攝影Leave a comment

徠卡名人堂獎（Leica Hall of Fame Award）又添一名新成員，繼Steve McCurry、Thomas Hoepker、Joel Meyerowitz、Gianni Berengo Gardin等著名攝影師之後，今年85歲的美國攝影師Bruce Davidson最近也獲得此殊榮。從事攝影工作大半世紀，拍攝過黑幫、民權運動及地下鐵等題材，他的每一輯作品就如一段美國往事，值得世人回味。

USA. New Jersey. 1958. Beatty-Cole-Hamid Circus at Palisades Amusement Park. Jimmy ARMSTRONG.

USA. Palisades, New Jersey. 1958. The Dwarf.

《The Dwarf》

Bruce Davidson自小已展現出對攝影的觸覺，在羅徹斯特理工學院（Rochester Institute of Technology）及耶魯大學讀書期間，不斷磨練攝影技巧，畢業後應徵入伍成為通訊兵，在法國服兵役時認識了對他影響頗深的布列松。1958年，他以25歲之齡成為Magnum Photos最年輕的預備會員，翌年成為正式會員。Bruce Davidson向來以充滿人文關懷的寫實攝影見稱，1958年至1961年期間，他拍攝的《The Dwarf》、《Brooklyn Gang》等系列作品奠定了其風格，開始在攝影界嶄露頭角。

USA. New York City. 1959. Brooklyn Gang.

《Brooklyn Gang》

《The Dwarf》紀錄了馬戲團侏儒小丑Jimmy Armstrong的故事，《Brooklyn Gang》顧名思義拍攝的是紐約黑幫的生活，都是非常出色的報導攝影。他長時間與這些人相處，慢慢與拍攝對象建立關係，捕捉下許多自然而私密的瞬間。1961年至1965年，他用四年時間拍攝如火如荼的美國民權運動《Civil Rights Movement》，見證馬丁路德金的非暴力抗爭，期間也在紐約現代藝術博物館（MoMA）舉辦首個個展。

《Civil Rights Movement》

1966年創作的《East 100th Street》，是Bruce Davidson的代表性作品。他用兩年時間在紐約東哈林區的East 100th Street拍攝，這條街主要是拉丁裔及黑人聚居的貧民街區，他每日拜訪不同的家庭，包括父子、情侶、母女、朋友等，拍攝下這些不同膚色不同宗教的人的面孔及生活環境，以及他們的喜悅與憂傷。這些充滿關懷的相片，令人想起Robert Frank拍攝的《The American》，Bruce Davidson同樣以寫實的方法，紀錄了當時的美國社會現狀。

USA. New York City. 1966. East 100th Street.

USA. New York. New York City. 1966. East 100 St. ©Bruce Davidson/ Magnum Photos

USA. New York City. 1966. East 100th Street.

《East 100th Street》

Bruce Davidson一直在紐約生活及拍攝，對這個城市非常熟悉，除了《East 100th Street》，九十年代時他還用近四年時間拍攝《Central Park》。當然，更多人提起的，或許是《Subway》系列。這是他為數不多的彩色攝影作品，1980年他開始拍攝紐約地下鐵，那時候的塗鴉文化非常流行，地鐵成為了流動的塗鴉牆，他利用塗鴉及環境來凸顯拍攝的人物，人們如何在這狹窄的公共空間相處，又是如何表現自己。Bruce Davidson的照片，成為了這座地下世界的最好見證。

USA. New York City. 1980. Subway.

《Subway》

關玲玲中風後的探戈舞姿

May 19, 2018Posted in InterviewTagged Bahia Blanca, Bar Sur, Carlos Di Sarli, 玫瑰人生, 關玲玲, 阿根廷, Jean-Dominique Bauby, La vie on Rose, 探戈, 攝影, 春光乍洩, 中風, 潛水鐘與蝴蝶Leave a comment

2015年10月，關玲玲（Alina）歐遊時中風，躺在巴黎的醫院，無法走路也無法進食，腦海裡卻想像著自己在阿根廷跳探戈——情況有如法國作家Jean-Dominique Bauby，他在中風後靠跳動的眼皮來傳達訊息，最後寫出《潛水鐘與蝴蝶》。

那時候的Alina沒有被如潛水鐘般僵硬的身體困住，心早如蝴蝶一樣飛到萬里之外的布宜諾斯艾利斯，當時醫生跟她說，「如果你能一連氣飲三口水，就讓你出院。」可見當時她連飲水都有困難，最後她辛苦地飲完三口，昂然出院，不是回香港休養，而是直接去阿根廷，再次呼吸那「美好的空氣」（首都「布宜諾斯艾利斯」的西班牙文原意）。

花甲之年，猛學猛跳！

年逾七旬的關玲玲是位奇女子。

年輕時在藝術中心修讀攝影，八十年代開始拍攝油畫人像，鏡頭下盡是當時名人。之後她做過時裝、開過boutique、也涉獵過地產，到1994年開始環遊世界，直至2011年遇上探戈，花甲之後迎來人生「第二春」。「當時我在《明報周刊》見到一個阿根廷探戈的廣告，心思思報名開始跳。」那時一星期只有兩堂，學習了一兩個月，發覺遠不能滿足自己對探戈的熱愛，結果她毅然遠赴阿根廷，一個禮拜跳足六堂，用她的原話，就是「猛學猛跳」。

第一次來到《春光乍洩》裡張國榮與梁朝偉跳舞的Bar Sur，有人拉著她跳探戈，發覺原來跳得尚算可以。「當時我看到表演的女孩，發奮要跳得像她那樣好。」那時她幾乎每晚都去舞會，沉醉在音樂與舞蹈中，跳到大汗淋漓，有時一日還要跳兩次。

七年來，她每年去阿根廷兩次，有時甚至三次，每次留三個月。今年四月，她再度啟程去阿根廷。回港後她也沒中斷，單在香港就有四位探戈老師。「每個老師的風格都不同，即使同一首歌的不同版本，也有不同跳法。」那時候的她，其實是閉著眼睛，與男伴隨著音樂與感覺翩翩起舞的，Alina笑說就如在雲端起舞。哪想到，遇上了中風。

中風後的玫瑰人生

「中風之後跳得很差，沒有力氣，要在舞伴身上借力。」舞步帶著蹣跚，對方還以為她是初學者，不過對Alina來說已相當不易。她左臂左腳麻痺，連站立都難，頑強的意志在探戈音樂的伴隨下份外有力量。訪問當日她原本穿著平底鞋，拍攝時主動建議穿上高跟鞋，隨著探戈音樂家Carlos Di Sarli的《Bahia Blanca》音樂起舞，完全看不出曾經中風。

Alina笑說現在比以前跳得差得多了，有時走路也要人攙扶，展覽那兩日她站得多，夜晚痛得睡不著。難得是她心態看得開，沒有悲觀失落，也沒有自怨自艾，只享受眼前。「這或多或少受到南美人的樂天性格影響，我一直是個很獨立的人，以前有時也介意別人看法，現在我完全不在乎了。」

以前她為別人留倩影，曾有人建議她做展覽，單是鏡頭下的名人已足夠號召力，但她一直沒做。這次她為自己展舞姿，二月份時在藝術中心包氏畫廊舉辦展覽，展出在世界各地拍攝的探戈舞自拍照，有巴黎威尼斯的，也有在香港的，不過更多的是在阿根廷跳探戈時所拍。

「以前的人像攝影並沒有訊息想傳達，但今次很不同，我想告訴別人我中風後也行得走得，唔一定坐輪椅。」展覽名為《La vie on Rose》，她用電腦將相片處理成浮世繪、梵高等效果，更能表達出強烈的情感。作品畫面色彩繽紛，正是其玫瑰人生的最好寫照。

原文見於OLO MAGAZINE

攝影尋親黃鑽治（Ng Swan Ti）

May 8, 2018May 11, 2018Posted in ExhibitionTagged 福建, 莊吳斌, 黃鑽治, JCCAC, Ng Swan Ti, 光影作坊, 印尼, 攝影, 攝影師, 東南亞Leave a comment

印尼有許多福建人，記得以前有位來自福建的大學同學，她說她的家人都住在印尼，最近在JCCAC「光影作坊」看《東南亞攝影系列（二）：我姓Ng—黃鑽治（雅加達）》，忽然想起了這件無關緊要之事。但仔細想想，又是有關係的。以「我姓Ng」來命名展覽，攝影師黃鑽治藉由一個姓氏帶出一段家族的歷史。黃與NG，中英文聽起來似乎是不同發音，象徵著兩種身份。在閩南話裡，黃的發音正是NG，生活在印尼的黃鑽治，不懂得說閩南話，正如她曾對父親的過去一樣，也是一知半解。

黃鑽治曾參與南韓東江國際攝影節（2016年）、雅加達雙年展（2015年）及荷蘭Noorderlicht國際攝影節（2006年），在印尼東爪哇瑪琅出生的她，現居於雅加達，原本以為爸爸是印尼人，後來才知他來自福建泉州。父親在1979年離世後，她發現原來父親在來印尼前，在泉州已有一頭家！她也很想了解遠方的那個家，那位同父異母的姐姐黃麗端。契機出現在幾年前，黃麗端女兒忽然打電話到她的老家瑪琅，自此兩家人算是恢復了聯繫。

2016年農曆新年，黃鑽治與姪兒一起到福建與黃麗端碰面，並同遊了天安門與長城，翌年黃麗端與女兒也到了印尼瑪琅，黃鑽治用攝影紀錄下這兩次聚會，成為今次展覽的內容。展覽以一幅象徵爸爸墳墓的火山牆紙開始，牆上是爸爸生前的照片，作為故事的延伸，另外兩面牆則是遊覽中國及印尼過程的照片，照片中拜神及聖誕樹等細節，也反映了兩種文化的區別。在印尼，政府規定所有國民都要表明自己的宗教信仰，身為華人後代，黃鑽治卻選擇了洗禮成為天主教徒，並與當地的穆斯林結婚。面對著宗教、身份、文化等等的差異，攝影師嘗試在過程中剖析，最後發現自己原來不屬於任何地方。

說實在，這批影像如果缺乏背後的故事性，在畫面上或許顯得有點乏善可陳，觀眾也難產生共鳴。不過攝影並非單純講求美觀，有時樸實反而更顯得真實，對攝影師自身來說，這批影像也有非一般意義，正如策展人莊吳斌表示：「她在作品中重塑父親一生，試圖體驗印尼和中國在不斷變動的政治局勢下如何左右了他的際遇。照片中出現夢幻般的火山和藍色海洋，隱喻攝影師身處的一個介於各文化和地域的幻想空間。」

PS：光影作坊與新加坡籍策展人莊吳斌共同策劃的《東南亞攝影系列》，連續三年每年介紹一名東南亞攝影師，繼去年展出馬來西亞攝影藝術家郭靜潔（Minstrel Kuik）作品，今年則帶來黃鑽治作品，展示當下東南亞攝影的最新面向。

《東南亞攝影系列（二）：我姓Ng — 黃鑽治（雅加達）》

展覽日期： 即日起至2018年5月27日

開放時間 ：星期二至日11am-1pm; 2-6pm (逢星期一及公眾假期休館)

展覽地點：石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心L2-10 光影作坊

超現實時尚 Rodney Smith

April 25, 2018December 4, 2021Posted in 香港Tagged 顯影, 超現實, PhotogStory, Rene Magritte, Rodney Smith, Salvador Dali, Walker Evans, 古典, 怪誕, 攝影, 攝影師1 Comment

講起超現實主義，西班牙畫家Salvador Dalí及比利時畫家Rene Magritte是兩座高山，對後世影響深遠，至今仍相當流行，尤其數碼影像及後期製作盛行的當下，許多風牛馬不相及的影像經過處理後，已帶有超現實風格影子。美國攝影師Rodney Smith最厲害之處，是他從來無需後期製作，以或夢幻或怪誕的照片，奇妙地構思出超現實主義元素。

古典、簡約、怪誕，是Rodney Smith照片的特色，鏡頭下的人物，男的多是西裝高帽、女的則多數穿上優雅裙子，猶如生活在童話世界或夢境中。時下流行用Photoshop執相，在仍是黑房的年代，他同樣無需後期製作，也不用特別濾鏡加強效果，單憑想像力將現實變為超現實。這種風格的特徵就是超乎邏輯，例如Dalí畫中的時鐘是扭曲的、Magritte畫中的後腦是有面孔的，Rodney Smith聰明之處就是將生活中的不合常理，在事前通過畫面表達出來，譬如他會將生活中的物件放大以顯得真人渺小、或者將人物放置在古怪的場景中，以影像挑戰人類固有的常識與理性。

照片常常天馬行空，許多人以為他事先已籌備好一切，其實他大多數的作品，都是臨拍攝前數分鐘即興構思出來的，以哈蘇中片幅相機進行拍攝。Rodney Smith的作品毫不嘩眾取寵，沒有誇張強烈的視覺衝擊，反而隨處可見他構圖的心思，他甚至將超現實風格帶進時裝攝影，在以豪華、大製作的時尚界，以想像力及幽默感走出非凡道路，既有傳統的時尚感，又創作出一種永恆的感受，在藝術及時尚領域遊刃有餘。

有些人或許天生就擅長某樣事物，只是後知後覺。作為一名攝影師，他的專業之路有點不一樣，生於1947年的他，年少時已喜歡攝影，不過一直鮮有操刀拍攝，大學時學習的是英國文學，後來到耶魯大學修讀神學時，才跟隨注重寫實風格的攝影大師Walker Evans學習攝影。受恩師所影響，70年代的他曾拍攝過許多寫實照片，也曾在耶魯大學教授攝影。不過他並無沉浸在學術的象牙塔中，反而慢慢從紀實攝影轉向時裝攝影，成功打入商業及時尚世界，但仍堅持攝影教學多年。這或多或少與家庭背景有關，父親是時裝品牌Anne Klein總裁，無形中也培養了他對時尚、美學及細節的觸覺，照片中的構圖、燈光都非常嚴謹，他對影像細節一絲不苟，兒時的潛移默化絕對功不可沒。

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Stanley Kubrick 太空漫遊前的攝影作品

April 19, 2018March 7, 2022Posted in ExhibitionTagged 發條橙, 紐約, Day of the Fight, 閃靈, 雜誌, LOOK, Museum of the City of New York, Stanley Kubrick, Walter Cartier, 太空漫遊, 攝影, 攝影師1 Comment

大導演Stanley Kubrick執導的《2001太空漫遊》、《發條橙》、《閃靈》等經典之作，大家應該一早已看過，不過他作為攝影記者拍攝過的照片，相信大部份人仍未看過！是的，他曾在紐約《LOOK》雜誌做過五年攝影師，正是早期攝影師的工作令他萌生做導演的念頭。

中學時父親送給他一部相機，他很快愛上攝影這玩意，讀書時已幫校園雜誌拍攝照片。1945年，他將拍攝的一幅報販哀悼羅斯福總統逝世的照片賣給《LOOK》雜誌，賺了25美金之餘，也獲邀成為雜誌社史上最年輕的攝影師，當時他只有17歲。1945年至1950年期間，他為雜誌社拍攝了許多人物系列照片，他擅長以對比的方式來拍攝，作品也很有戲劇效果。

非常值得一提的作品是拍攝拳擊手的相片，他以記者的視野及fans的好奇心來拍攝拳擊手一日的生活，包括做彌撒、食早餐、賽前檢查及比賽的畫面，構圖與畫面都很獨特，所有畫面加起來正是一個完整的storyboard。1951年，他沿用這輯相片的結構，拍攝了一部十多分鐘的紀錄片《Day of the Fight》，正式走向導演之路。

五年攝影生涯中，Stanley Kubrick拍攝下逾萬張相片，許多都未曾曝光。數年前，紐約城市博物館（Museum of the City of New York）曾在網上拍賣他的作品，2014年也曾在維也納展出過這些照片，2018年，紐約城市博物館將舉辦《Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs》，展出129張他在雜誌社工作時期的攝影作品，包括已出版甚至從未曝光的相片以及負片。

不似攝影的攝影 Wolfgang Tillmans

April 14, 2018April 15, 2018Posted in Exhibition, InterviewTagged David Zwirner, Martin Parr, Turner Prize, Wolfgang Tillmans, 卓納畫廊, 德國攝影師, 攝影, 攝影師Leave a comment

Installation view, Wolfgang Tillmans , David Zwirner, Hong Kong, 2018 © Wolfgang Tillmans. Courtesy David Zwirner, New York, London, Hong Kong (6) — Wolfgang Tillmans的作品大小及尺寸不一，有時甚至簡單用透明膠紙或長尾夾吊在牆上，看起來非常隨意。（卓納畫廊）

在德國藝術家Wolfgang Tillmans的展覽上，總是有人會忍不住問，為何他的作品這麼平庸，卻可以擺在畫廊裡做展覽？如果你也曾這麼想，或許正中藝術家下懷，因為他感興趣的，不是自己是否拍攝了一張出色的照片，而是觀眾觀看照片的反應。

要明白他的作品，先來了解他的世界。這位50歲的德國人，從小就是個喜歡發問的男孩，熱愛天文學的他在無窮宇宙中找到慰藉。觀星時經常有光學失真及能見度的問題，用不同儀器在不同天氣下會呈現不同的現象，所以他自小就明白，看待事物的方式可以是不一致的。

Wolfgang Tillmans, _Susanne Oberbeck (No Bra)_, 2016 © Wolfgang Tillmans Courtesy David Zwirner, New York, Hong Kong

Wolfgang Tillmans, _Patricia_, 2018 © Wolfgang Tillmans Courtesy David Zwirner, New York, Hong Kong

《蘇珊·奧伯貝克(無文胸樂隊)》（Susanne Oberbeck (No Bra),2016）與《派翠西亞》（Patricia, 2018）

1990年代他曾在英國Bournemouth & Poole College of Art & Design修習過兩年攝影理論課程，在此之前，18歲時他已使用黑白激光複印機來創作圖片。1995年出版第一本攝影集《Wolfgang Tillmans》，就顯示出對攝影的探索，書中他將友人的肖像與世界各地的景觀並置在一起，玩味地將親密、趣味及社會批判融合，向社會制度及現實提出疑問。1998年的《Wolfgang Tillmans: Burg》及2005年的《Truth Study Center》更走進一步，從肖像、靜物到天文攝影，內容更多元化。

他不是那種墨守成規的人，創作時自然沒有學院派那種嚴肅及技巧的包袱，所以當時攝影界及攝影畫廊也不太嚴肅對待他的作品，即使2000年他獲得英國當代藝術大獎透納獎（Turner Prize）、以首位用攝影為媒介及首位非英國籍的藝術家獲得此獎項時，仍有評論家認為他的作品不知所謂。還好當代藝術畫廊選擇了他，讓他繼續突破攝影的界線。

Wolfgang Tillmans, _Sections_, 2017 © Wolfgang Tillmans Courtesy David Zwirner, New York, Hong Kong

Wolfgang Tillmans, _CLC 004_, 2017 © Wolfgang Tillmans Courtesy David Zwirner, New York, Hong Kong

《切片》（Sections, 2017）與《CLC 004, 2017》

探索攝影的意義

在他的展覽中，不會將所有作品裝裱得美輪美奐，然後整齊地並列在牆上。他的作品大小及尺寸不一，有時甚至簡單用透明膠紙或長尾夾吊在牆上，看起來非常隨意。所以你看他的作品不會很享受，不會覺得他很了不起，感覺就是拍攝日常生活中的平常事情。其實每件作品的大小及位置都經過計算，形成不一般的觀展經驗。看他的作品，不是看他如何拍攝或者拍攝了什麼，除了感官上的刺激，他也想激發你去質問攝影的意義及本質，它為何要做成這樣？作為觀眾又是否要一味地同意呢？

我曾看過他的畫冊，有時也覺平平無奇，甚至不明其拍攝動機，沒有太多的隱喻，也沒有Martin Parr那種令人會心一笑的趣味點。不過有些作品，仍是會嚇你一跳的，尤其在畫廊觀展時。記得他有幅特寫陰莖的作品，大大張照片巨細無遺，看得人臉都紅。這種視覺上的衝擊，直接轉化成觀眾的反應，非常玩味。他不避諱觸碰性的主題，但不會像Terry Richardson及其徒弟新田桂一那樣過份渲染，甚至以此為賣點。

Installation view, Wolfgang Tillmans , David Zwirner, Hong Kong, 2018 © Wolfgang Tillmans. Courtesy David Zwirner, New York, London, Hong Kong (3) — 卓納畫廊展覽現場

看他最近在香港舉辦的展覽，玩味感覺不太強烈，橫跨畫廊的兩層空間，展示他的新舊肖像及靜物攝影作品。細心留意的話，仍能看到他一向創作的心思，他會將某些作品放大，就如那幅鳥瞰撒哈拉沙漠的巨大照片，近乎無窮無盡的細節帶來視覺上的衝擊；有些作品一如既往細細張並列，形成有趣的對比，讓觀者在過程中感受到他的聯繫。1993年時他曾拍攝澳門與大陸的邊境，25年後另一幅在上水的作品，同樣透過跨越邊界的相片，把看不見的地域差異顯示出來。

Installation view, Wolfgang Tillmans , David Zwirner, Hong Kong, 2018 © Wolfgang Tillmans. Courtesy David Zwirner, New York, London, Hong Kong (5) — 《從香港看深圳，a-b》（Shenzhen from Hong Kong, a-b, 2018）

Installation view, Wolfgang Tillmans , David Zwirner, Hong Kong, 2018 © Wolfgang Tillmans. Courtesy David Zwirner, New York, London, Hong Kong (7) — 左《冰箱靜物》（Freezer Still Life, 2017）與右《玩紙牌，香港》（Playing cards, Hong Kong, 2018）

在展覽現場他說起當年來港的感受，「那是我第一次來亞洲，對這個地方幾乎一無所知，也覺得自己的觀察很表面。」當時他在街上拍攝了一群菲律賓女人席地而坐的畫面，這對於當時的他或許是很新鮮的畫面（另一幅電視記者訪問豬肉檔的作品相信也是如此），25年當他再踏足香港時，原來此情此景仍在，這次他拍攝的是一班菲律賓女人在玩紙牌。同場還有他的紅外線自拍作品，以及他用複印機將具體事物與抽象圖片結合的作品，在在顯示出他多元的創作手法。

1990年代末時，他已認為這個世界有太多的照片，沒有必要再以這種方式生產更多的照片，所以當時他突然轉向拍攝一些不太真實的畫面，一些比較抽象的圖像。而今更是一個影像氾濫、無處不在的年代，他想以深刻的手法提醒大家，究竟攝影還有什麼作用。

Wolfgang Tillmans, _Evelene (post solar eclipse)_, 2017 © Wolfgang Tillmans Courtesy David Zwirner, New York, Hong Kong

《伊芙琳(日食之後)》（Evelene(Post Solar Eclipse),2017）與《阿爾戈船員》（Argonaut, 2017）

《Wolfgang Tillmans》

日期：即日起至2018年5月12日

地址：卓納畫廊（中環皇后大道中80號H Queen’s 5及6樓）

Sweet Sorrow/甜蜜憂傷夏永康給香港的情書

April 10, 2018May 2, 2018Posted in Exhibition, HK PhotographerTagged Art Central, Blue Lotus Gallery, Sweet Sorrow, Wing Shya, 夏永康, 攝影, 攝影師3 Comments

Wing+Shya,+Superheroines+[Hong+Kong,+2013]

Sweet Sorrow，既甜蜜且憂傷，讀起來不就是情書嗎？只是這情書有點光怪陸離，充滿視覺衝擊，反襯出這個城市的物質與繁華，背後隱藏的卻是人的孤獨情感。這是攝影師夏永康（Wing Shya）給香港的情書。

他總說變遷的時代是美麗的。生活在資訊爆炸的年代，我們的生活習慣潛移默化在改變，夏永康也明顯感受到了這種變化，舊事物的消失，新文化的衝擊，這種感覺縈繞在他心中許久。他想拍攝一輯相片，去呈現這種變遷，來回應社會的巨大變化，究竟在變幻的洪流中，都市人的內心世界是怎樣的？

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紛擾而孤獨，是《Sweet Sorrow》這系列作品給人的最大感覺。他鏡頭下的場景都是殘破而隱蔽的，天台、廢屋、霓虹燈，在夏永康鏡頭下變成充滿電影感的畫面，每個場景的設計都盡顯他熟練的電影及時尚語言，畫面上的色彩繽紛充滿視覺愉悅，正正襯托出畫面中人物的孤獨感。他說這種反差正如香港，是不同文化拼貼出來的。這種矛盾狀態，既甜蜜且憂傷，令人著迷。

在展覽文字裡他如此提及這種感受，這個時代的人（Me Generation）物質上很富裕，但這並未為他們帶來更開心的生活，反而這種物質與資訊的氾濫，令他們的孤立意識非常明顯。其實，摩登都市的孤獨疫情何止年輕人，所有城市人也有所共鳴。

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夏永康關注這一代的年輕人，對年輕人喜歡攬枕、Cosplay的現象感到好奇。在這輯作品中，他將目光聚焦日本的次文化，如繩縛、性虐等，請來日本美術指導Kanako B. Koga、視覺藝術家Fantasista Utamaro合作，為每個人物設計造型及服飾，用動漫的視覺語言來呈現主題。熟悉日本次文化的人，看來應該更有共鳴。

這系列作品在2013年創作，與過往的電影劇照及商業拍攝不同，《Sweet Sorrow》是單純的個人創作，耗資三百萬、出動一百人的拍攝團隊，每天拍攝一張，最終完成了30多幅攝影作品。由構思到拍攝，用了兩年時間，再用兩年時間編輯，如此勞心勞力，原來他曾決定不對外展示，當成是給自己的情書，對他來講，享受整個拍攝過程已相當滿足。

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他說作品原本有機會在日本展出，不過後來談不成就擱置了，去年港安醫院慈善基金邀請他舉辦慈善攝影展，令《Sweet Sorrow》作品曝光。上個月我曾在Art Central的Blue Lotus Gallery見過部份作品，細問之下才知原來在其柴灣畫廊正展出這系列作品。

《Sweet Sorrow》

時間：即日起至4月28日（星期二至六11am-6pm）

地址：柴灣永泰道60號柴灣工業城1座1606室Blue Lotus Gallery

浪子回頭金不換？囚——更生人士圖文展

April 9, 2018May 2, 2018Posted in Exhibition, HK PhotographerTagged 香港社區組織協會, SoCO, 囚, 攝影, 文化中心, 更生人士, 林振東Leave a comment

浪子回頭金不換，聽就聽得多，可是當這個浪子是更生人士時，有色眼鏡還是不能輕易地摘下，做到一視同仁。社會上大家傾向幫助弱勢社群，對於在囚及更生人士，往往會被標籤為不可救藥、罪有應得，不容易被接受。香港社區組織協會（SoCO）最近在文化中心舉辦《囚——更生人士圖文展》，透過香港攝影師林振東的鏡頭，配以文字訴說多位更生人士的故事，希望大家能更多地從人性的角度來看待及接納他們，而非簡單將罪狀等同其人生。

正如中文大學崇基學院神學院副教授白德培牧師（Tobias Brandner）在展覽文字中所寫：「犯罪只是他們人生的一部分，社會將一個人送進監獄改造，也應該歡迎他重回我們當中。媒體或公眾往往只聚焦於其罪行，而忽略了其他方面。」其實，他們與你我一樣，都是有血有肉有感情的人。

張大偉因曾拿刀砍追債者換來牢獄之災

偉倫由道友成為註冊社工

細閱圖片的文字，發現每個人的故事都不盡相同，有人因拿刀砍追債者換來牢獄之災、有人因打劫而入冊，也有道友成為註冊社工……如何在出獄後撕下監犯標籤，重砌人生拼圖呢？其中一個令我印象深刻的故事，主角名叫貫中，聲稱志願就是不讀書的他，中三畢業就進入社團撈偏，16歲開始吸毒，數年間因傷人、藏毒、勒索等罪名八次進出監獄，身體也因毒品變得虛弱，後來在日出山莊成功戒毒，喜歡足球的他更實現了參加「無家者世界盃」的夢想。三十而立，走過人生低谷的他回到日出山莊，用舍監身份以身作則，幫助正在掙扎中的人。

拍攝這輯照片的攝影師林振東，從事攝影記者十多年，也曾任香港攝影記者協會主席，目前專注紀錄香港政治及社會議題。過往他曾以鏡頭關注香港的少數族裔女性（《她說》系列作品）及長者生活（《活著》系列作品），在展覽自述中他提到，更生人士有許多顧慮，面對鏡頭更需要勇氣。「許多人即使出獄多年，有正當職業，也似乎無法直面人生。走出實在的監獄後好像仍是四處碰壁，彷彿被囚禁在無形的囚牢中。」

展覽現場猶如一所監倉，遠看像是一排黑色的鐵窗，鐵窗內是一個個有血有淚的故事。穿過「監倉」閱讀完這些故事後，是否真能令人更輕易地放下標籤呢，或者你可以在這裡找到答案。

《囚——更生人士圖文展》

時間：即日起至4月12日

地址：香港文化中心地下大堂E3展區

法國X香港：跨文化攝影展一座城市兩種景觀

April 5, 2018May 2, 2018Posted in Exhibition, HK Photographer, InterviewTagged 見山不是山, 香港, F22, F22 Foto Space, Karine Moge, Kellen, Michel Eisenlohr, 在非在, 攝影, 殷家樑, 法國Leave a comment

生活在香港的人，對這城市的方方面面司空見慣，不要說拍攝日常生活畫面了，可能連駐足觀望的念頭也欠奉。反觀許多攝影師來到香港後，對所有事情嘖嘖稱奇，走在街頭忍不住咔嚓咔嚓地拍攝。這個現象很有趣，我時常在想，如果一位外來者與一位本地人同樣拍攝一座城市，會產生如何不同的視角呢？在F22 Foto Space舉行的《在非在》攝影展，就是如此一個有趣的對比，去呈現出一個城市兩種不同的面貌。一黑白一彩色，兩組照片互相映照，既帶出攝影師與這城的關係，背後也是對香港城市發展的詰問。

8B1BA9B1-E26F-41D5-946C-3BB9A5C329A2 — F22 Foto Space展場兩層空間展出約40幅攝影作品，照片多以一組的形式呈現，在作品之間產生對話。

A141A0B8-C039-4736-AFED-BA9956A64428 — 法國作家及攝影師Michel Eisenlohr

Michel：香港是個充滿矛盾與反差的城市

兩位攝影師分別是來自法國的Michel Eisenlohr，以及香港視覺藝術家殷家樑（Kallen），兩人事前並不認識，事緣Michel三年前在「法國五月」期間來港展出作品時，覺得這個城市很不可思議，垂直的石屎森林猶如未來城市一樣，用他的原話就是Blow away（即Greatly impressed），這種文化衝擊隨即令他產生拍攝香港的念頭。Michel本身的經歷很有趣，他是文學出身，大學之前基本上與攝影無緣，拍攝動機往往也是從文本出發。「每次開始拍攝計劃前，我總是閱讀很多資料文獻，有時文學裡面的故事令我想去看看那些地方，這也是一種發現文學的方法。」

這位自學成才的攝影師，曾獲法國政府資助拍攝當地歷史建築，用鏡頭來寫作。當他著手拍攝香港計劃時，則基於城市發展等理論去拍攝，期間他與香港大學建築系合作，與建築師、城市研究員等專家商討，研究了許多關於香港的建築及城市規劃，創作出《城市地域》（Urban Enclaves）這系列作品。地域即土地的範圍，不過他想探討的並非香港的疆域，而是城市的不同面貌。

Michel - images for the press_118BD — Michel作品《香港大學》

Michel - images for the press_112BD — Michel作品《油麻地果欄》

在他看來，香港是個非常有趣的城市，這種有趣來自反差，高樓大廈中的古老街市、被百年古樹包圍的廟宇、石屎森林中的天台泳池、不同宗教的墳場融合在一起……過程中他盡可能不拍攝密不透風的建築物、色彩繽紛的霓虹燈招牌等遊客眼中常見的香港景象，避免單純在街上閒逛及拍攝，更多地由個人的想法與建築等理論出發。正如香港大學建築系教授Nasrine Seraji在展覽文章所寫，香港許多地貌都是人為做出來的，這些大廈並不是植根於泥土或天然地基，因為大廈下面還有商場、交通工具，是另一個城市。Michel特別拍攝香港的天台夜景，這是一種很獨特的建築視角，相片中幾乎沒有人的元素，看起來有點似葛咸城及《Blade Runner》電影裡面的虛構城市，帶有cyber或futuristic的感覺。當然某些作品亦明顯滲透了外來者的好奇心視角，像薄扶林村，以及墳場裡密密麻麻的墳墓。

1699889D-C243-47BB-A1B2-47C92A114F0F — 香港視覺藝術家殷家樑（Kallen）

Kallen：在僅存的建築中回憶我城

在殷家樑看來，Michel的作品很多時是從視覺去考慮的，「他可以沒有包袱地拍攝照片，其中一張相片是拍攝鴨脷洲洪聖古廟與李慧琼大型橫幅，我肯定不會這樣拍攝，或者至少不用這樣的方式去拍攝。」Michel前後四次來港拍攝，其中一次Kallen帶他去瀑布灣拍攝，以前西方船隊進出珠江水域時，會來瀑布灣補給淡水。在前漁農署助理署長饒玖才先生的《香港的地名與地方歷史》一書中也提到這段歷史，英國畫家哈唯（W. Havell）在1816年所畫的有關瀑布的水彩畫，就描繪了海員到瀑布灣汲水的情景。「我覺得這個地方代表了香港的過去與歷史。」Kallen如此說。

Michel - images for the press_116BD — Michel作品《鴨脷洲》

相片背後雖然有歷史的陳述，不過策展人Karine Moge卻建議二人盡量不要一起去拍攝，害怕Kallen的想法會影響Michel對於這個城市的觀感。Michel本人也認同這種做法，「許多地方對Kallen來說是很有歷史意義或個人回憶的，但對我來說並沒有，通常我都會事先計劃拍攝的內容。」這在他們從照片的處理中也可見一斑，Michel拍攝的是彩色照片，這是一種非常當下的感覺，「當你是一個外來者時，對身邊的環境有更多的反應，這是很自然也很感性的。」

Kallen - images for the press_180117_Mountain_Yan-6 — 殷家樑作品《華景》

Kallen - images for the press_180117_Mountain_Yan-21(8pcs) — 殷家樑作品《見山不是山》

Kallen拍攝的是黑白照片，呈現出截然不同的風景，他坦言是帶著悲觀情緒的。他用3:1的照片比例突出畫面的壓迫感，驟眼看畫面中的樓景恍如山巒，這種典型的石屎森林景色在香港隨處可見。其中一幅作品將不同照片的山與樓拼貼在一起，畫面竟然和諧地得以延綿，背後不正是拆去鮮花種出大廈所帶來的結果嗎？這系列作品名為《見山不是山》（Mountain to Mountain），殷家樑在作品中拋出一個問號，探討香港城市的變遷。「那些無處不在的大廈，似乎在提醒這個城市的來源正是大自然，香港城市的發展就是不斷地拆除與重建，而繁榮是否一定以此為代價呢？」

Kallen - images for the press_180117_Mountain_Yan-11 — 殷家樑作品《中環街市》

Kallen - images for the press_180117_Mountain_Yan-2 — 殷家樑作品《白虹樓》

2012年時他曾拍攝過一系列排檔的照片，現在這些排檔幾乎已消失殆盡，還有中環嘉咸街街市、裕民坊……歷史與回憶終究敵不過推土機的速度。Kallen的照片除了是對城市一種叩問之外，也參雜了許多個人情感，以及他與城市自身的關係，「照片中的屋邨或中環街市、裕民坊等地方，都是我居住過或經常去的地方，它不只是一座大廈，也承載了許多我自己的記憶與經歷。」誠然，每一位有經歷的觀眾，都可在照片中追憶不同的往事，Kallen也試圖在僅存的建築中拼湊出自己回憶中的那座城。「到最後如果我想通了我與這個城市的關係，那麼『見山還是山』，只是目前尚未去到那個境界。」

這是對自身的疑問，也是對香港的詰問。

21A79F8D-2481-4969-A04E-7734C8DAAAEB — 《嘉咸街》（左）與《般咸道》，兩張照片有時是有關聯的及吻合的，如圖兩張照片都在中上環附近拍攝。

《在非在》攝影展

日期：即日至5月5日（六）

時間：11am – 7pm （二至六，公眾假期休息）

地點：F22 Foto Space（灣仔摩理臣山道70-74號凱利商業大廈5樓）