Josef Hoflehner 詩意風景

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奧地利攝影師 Josef Hoflehner 擅長拍攝風景照片,作品風格以平靜及詩意見稱,不論是亞洲、美洲的城市還是南極洲,在他鏡頭下總增添一份空靈與寂靜的感覺。當他來到加勒比海東北部的聖馬丁島(Saint Martin)拍攝海灘與飛機時,更多了一份視覺震撼。

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旅行攝影

Josef Hoflehner的童年軌跡與其他偉大攝影師不太一樣,兒時的他並沒受過任何攝影啓蒙或薰陶,家人與攝影向來沒有淵源,即使在重要節日,一家人也很少拍照留念。二十歲時,他買了一部相機,開始去旅行。慢慢地,他贏得攝影獎項的鼓勵,讓這位年輕人決定成為一名旅行攝影師。關於他早期的作品及經歷,Josef Hoflehner並沒有太多提及,即使在他的網頁上,也沒有太多個人資料。

轉捩點是2002年,這一年他開始與兒子Jakob Hoflehner一同旅行並進行攝影創作。為拍出最好效果,他們仔細挑選每一處拍攝的地方,也經常重複去同一地方拍攝,等待最適合的天氣和最好的光線。 一年十二個月裡,他們超過一半時間都在旅行,踏足的地方遍及五大洲,從冰島到香港,從美國到南極洲,在不同國家地區創作黑白風景照片。

Josef Hoflehner常常以長時間的曝光帶出空靈的感覺,構圖及畫面也非常簡潔,甚有禪宗與中國山水畫的留白意境。他的照片往往缺乏人的元素, 紐約、洛杉磯、香港這些原本五光十色的現代城市,在那鏡頭下卻營造出一種萬籟俱寂的感覺。當然這種風格並非他首創,在杉本博司、MICHAEL KENNA的作品裡均能找到異曲同工之妙。MICHAEL KENNA以長時間的曝光軟柔化影像,令其變成另一個世界。 Josef Hoflehner也以如此手法,以移動的雲和流動的水為背景,過濾畫面的喧囂,呈現出一種平靜與詩意。

JET AIRLINER

在眾多於世界各地拍攝的風景照片中,最著名莫過於「JET AIRLINER」系列。2009年至2011年期間,他與兒子前後四次踏足加勒比海的聖馬丁島,拍攝飛機低飛的壯觀畫面。

每天只有數架飛機降落島上的茱麗安娜公主國際機場(Princess Juliana International Airport),這對他的6X6 HASSELBLAD相機來說可謂是一大挑戰,因為相機不能像數碼單反般連拍,每次飛機升降只能拍攝一張,對時機的拿捏要把握得很好。

海灘上人群的走動,以及對飛機高度與位置的估計,也為構圖帶來難度。攝影師巧妙地以天空與海水、淺色海灘作背景,突出龐大飛機的視覺震撼力,由於海灘與飛機的距離有時只有十多米,因此拍攝效果非常震撼,同時也充滿趣味。

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天邊一朵雲  Cole Thompson

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見到美國攝影師 Cole Thompson 這系列《Harbinger》(預兆)的作品,就想起蔡明亮的《天邊一朵雲》,無關劇情,純粹是戲名。Cole Thompson拍攝過好多有趣的系列作品,好像是有趣形狀吊燈的《Ceiling Lamps》、孤獨男人背影的《The Lone Man》。聽落似乎很有想法,不過想當年他向畫廊展示舊作時,卻被畫廊主人批評他一味複製Ansel Adams,完全沒有自己風格。

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現年66歲的Cole Thompson,14歲時經過Kodak公司創辦人George Eastman的舊屋時,閱讀他的自傳及那些大師的作品後,決定成為一名純藝術的攝影師。說得好像很草率,那時他從未拍攝過照片,也從未踏進過黑房,不過卻自信滿滿。之後十年時間,他不是在拍照,就是在閱讀那些攝影大師的作品,Ansel Adams、 Edward Weston、Wynn Bullock⋯⋯潛移默化這麼久,又很難不受影響,所以他早期的作品,有意無意都在模仿這些大師的風格。

好啦,被畫廊嫌棄之後,他有段時間幾乎不看攝影師的作品,甚至拍攝前也不做功課,去訓練自己的觸覺。或者正是如此,後來他慢慢走出Ansel Adams的影子,創作出自己的風格,現在大家看到他的照片時,都會馬上想起Cole Thompson

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不過嘛,與他的前輩一樣,Cole Thompson也執迷於黑白攝影,覺得黑白之間的神秘曲線是最偉大的詩。色彩雖可記錄喧鬧的畫面,但黑白才能捕捉最真誠的情感。

其實很難怪,他們這一代的攝影師,成長的世界都黑白的,說的是電視、電影及新聞,許多美感的啓蒙也都是黑白的,年紀跟他相若的Michael KennaJosef Hoflehner等攝影師,也拍攝過許多詩意的黑白風景相片,一直至今。

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日本人像攝影先驅 藤井秀樹


201說起日本攝影師,你或會想起荒木經惟森山大道,但要數日本最享負盛名的人像攝影師,藤井秀樹(Hideki Fujii)絕對當之無愧(操上和美也十分出色),集日本寫真藝術專門學校校長、日本廣告寫真家協會會長等諸多頭銜於一身,他的一生見證二十世紀下半葉日本商業攝影的發展歷程,而在他長達半個世紀的攝影生涯裏,成功結合商業廣告與人體藝術,堪稱日本人像攝影先驅。

藤井第一次拍攝照片的經歷頗具戲劇性,當時他還是中學生時,班裏有個男生想約會女生,由於害羞說不出口,就叫上藤井一起去看電影。碰巧戲院起火,眾人都在逃命,手握相機的藤井,卻情不自禁站在座位上,將整個火災的場景拍攝下來。戲院對面是《朝日新聞社》(The Asahi Shimbun),藤井將菲林交給報紙編輯,讓他始料不及的是,第二日報紙出街,整整三版都是他拍攝的照片。

這不僅令他獲得優秀報導攝影獎,他同時亦因這次難得的體驗,從此對攝影深感興趣。高中畢業後,藤井如願考入日本大學藝術學部攝影學科。當時媽媽並不想兒子成為攝影記者,而是希望他當商業攝影師,因此在大學二年級時,哥哥介紹他到著名攝影家秋山莊太郎(Shotaro Akiyama)的工作室當助手。秋山可謂藤井的啓蒙老師,藤井在那裏學到很多學校沒有教授的知識和經驗,後來隨着工作越來越繁忙,他索性退學,專心投入攝影工作。

三年之癢

跟隨秋山三年後,當時東京有一本《DRESS》雜誌創刊,秋山於是推薦25歲的藤井去雜誌社任職攝影師。當時日本雜誌流行用女明星當封面,藤井開始大量拍攝人像,為日後的人像攝影奠下基礎。任職雜誌社期間,他幾乎每晚都在工作室度過,暗房技術也大有長進。如是者又過三年,他正尋求新突破,恰好這時日本設計中心(Nippon Design Center)剛成立,他於是二話不說辭去雜誌社工作,轉而在日本設計中心工作,負責豐田等汽車的廣告攝影。

1960年代,美國才是汽車界的龍頭大哥,而日本國內的汽車攝影也不發達,藤井於是買來玩具汽車,利用不同的角度、亮度等去研究汽車造型,更試驗出一種新方法去消除拍攝環境在車身的反射,拍攝出風行一時的汽車廣告照片。三年後,害怕陷入墨守成規的風格,藤井又辭去工作,開創工作室拍攝他最喜愛的人像攝影。

人像攝影
在1970年代之前,日本廣告攝影基本上仍以歐美模特兒為主,然而他認為,和服代表日本傳統美,應該在攝影中呈現日本文化的精髓,於是利用日本女性及和服進行實驗性的創作。當時他聘請芳齡美少女做專用模特兒,過程中也對人體美感有獨到見解,他注重呈現出鮮明的日本特色,更帶有日本歌舞伎的文化烙印,這種手法令他開始聲名大噪。不久後,彩妝品牌Max Factor邀請他拍攝化妝品,他開始拍攝彩色人像作品,同時與化妝師小林照子一起探索人體彩繪,結合光影、色彩及完美的構圖,將人體攝影提升到藝術層次。

創作,歸零

看藤井的作品,有時像照片,有時又像繪畫,充滿視覺震撼,同時展現出女性身體美感。雖言為商業攝影師,但他的作品卻從來不乏藝術色彩,將商業和藝術完好結合。藤井最令人值得敬佩之處,是他時常以一種不滿足的心態進行創作,也經常反思照片的拍攝手法和技巧,他說創作就猶如杯子一樣,如果你想裝入新水,就必須把舊水倒空。也許正是這種歸零的想法,令他沒有局限在既有規條,而是不停的創新,在人像攝影領域領先於人前。

藤井秀樹(1934-2010)

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注:圖片來自網絡。

Pieter Hugo 從非洲到中國

憑電影《三夫》先後入圍台灣金馬獎及香港金像獎最佳女主角的內地女演員曾美慧孜(小美),戲內戲外都是話題人物。數年前,曾在北京為她掌鏡的南非攝影師Pieter Hugo說:「她很瘋狂,是個很古怪的人。」回想當時,小美得悉攝影師在北京的拍攝計劃,主動聯繫Pieter尋求上鏡,拍攝當日,她自攜一箱衣服前往餐廳,穿上華麗服飾擺出性感姿勢,「那時她不斷叫我拍攝,但這並不是我的風格。」最後完成的作品是一幅手指夾着香煙、眼睛直視鏡頭的照片,與電影裏的小妹判若兩人,也與最近的形象大相逕庭,然而在攝影師的鏡頭下,卻有一種莫名的情緒投射出來,吸引人去觀看照片。

Pieter坦言自己一直不知道她是誰,直到最近才知道小美是演員,對《三夫》這電影也聞所未聞。事實上,他多年來拍攝的題材都聚焦在非洲大陸上,拍攝尼日利亞的獵狗操控者、加納的廢品回收工人、盧旺達大屠殺之後的兒童等,平靜畫面背後的赤裸現實,有強烈的情感衝擊。他不懂得中文,也從沒想過踏足中國,受到巴黎出版社Editions Bessard邀請,第一次探索非洲以外的地區,對他而言,是一次有趣的挑戰。「踏足之前,每個人都告訴我北京的空氣污染很嚴重,沒人講英文,不能用google。來到之後,我發現這地方有很強的文化底蘊,這裏的人很好也吸引。」

在這座歷史與摩登重叠的都市,他感受到社會的複雜性滲透在生活的方方面面,他用照片來呈現這個地方從集體主義到個人主義的轉變,一切來得急速而自然。最初他拍攝當地人的家庭照片,後來慢慢轉移到個人身上,用現代的攝影手法捕捉社會與家庭的那種隱形矛盾。成長在改革前的老一輩,家庭觀念傳統,而成長在數碼化年代的年輕人,則完全沒有這種包袱,同性戀、裸體、紋身、穿孔,他們嚮往自由及個人主義,然而儘管兩種文化截然不同,被攝者的形象服飾各異,但他們都渴望做真正的自己——在他看來,這才是真實的北京。

與被攝者建立私密關係

這些照片其實也可視作攝影師在首都的所見所聞,只是他的觀察不是旅客式的走馬觀花,而是將手中的鏡頭對準北京人日常生活中的私密瞬間。這些拍攝對象有大學生、有他的助手、也有在街頭及在微信認識的人,在非洲擔任攝影記者及拍攝多年,他善於發掘人們的特質,與被攝者建立一種私密的關係,並透過照片反映出來。

「我的拍攝計劃很緩慢,經常與他們一起出去吃喝玩樂,了解他們的生活。」他把整個計劃命名為「Flat Noodle Soup Talk」,指的是北京話「片兒湯話」,意思就是吹水、說些不着邊際的話。正是這種平等、地道的對話,讓攝影師得以捕捉他們自然又內在的一刻,大城市燈紅酒綠,Pieter的照片卻有一種「過於喧囂的孤獨」。

展覽現場也有他在盧旺達及南非拍攝的作品,雖然地域截然不同,不過有些聲音卻是類似的,1994年是南非種族隔離政策的終結,也發生了盧旺達種族屠殺,而歷史的問題無形中影響了下一代。成長在南非的政治制度,許多事情都是被政府牢牢控制,這一點與中國非常相似,「我想作為一個中間人,去引起一些共鳴。」再者,他照片裏的人物總是直視鏡頭,令觀者產生好奇心,究竟你正在看甚麼,歷史與時代的印記,又能否在這雙眼中反映出來?

Africa To China

日期:即日至5月29日

時間:10am-6pm(星期二至五)、11am-6pm(星期六)

地址:香港仔黃竹坑道48號聯合工業大廈16層Pékin Fine Arts畫廊

原文見於果籽

倒模攝影負負得正 還原缺失的士多風景

負片是常見的菲林,拍攝後會得到反轉的負像,底片影像的明暗與現實相反。90後藝術家李卓媛(Sharon)借用負像的概念,來拍攝倒模士多物件後的水泥,內凹的負空間在負像顯示下,負負得正重現物件消失的空間,還原缺失的士多風景。

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豆豉鯪魚罐頭、珍寶珠、樽裝可樂、益力多等都是士多常見的東西。

事情緣起整理奶奶遺物時,發現一批關於士多的照片。「原來爺爺一家1970年代曾在柴灣經營士多,在當時的木屋區前舖後居,後來這區要發展,搬遷前爺爺把店舖空間及每個角落仔細拍攝。」無意間挖掘出塵封的往事,她深感好奇,然而當她與爸爸重臨故地時,卻發現士多原址已成為一片水泥牆,過去的痕跡便這樣消失得無影無蹤。

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豆豉鯪魚罐頭、珍寶珠、樽裝可樂、益力多等都是士多常見的東西。

畢業於中大藝術系,及後從事陶瓷創作,她原意是用水泥為士多物件做標本,參考照片中見到的物件,在土瓜灣士多買來豆豉鯪魚罐頭、益力多、珍寶珠等食品,又問起父親關於士多的印象,再找來生抽王、高露潔牙膏等物件,然後在工作室一一倒模這60多件物品,儼然一項偌大工程。

李卓媛說,在倒模過程中,許多關於物件的資料會流失,只保留了形狀,文字及色彩均無法辨識。她想以此來借喻,近年香港的倒模式發展,也令某部分的城市景象慢慢消失。近些年她不時遠赴外國做藝術交流或當駐村藝術家,「每次回來,總覺得好似又再稍微不認得這個城市了,這種狀態與倒模一樣,是一種介於熟悉與陌生的感覺。」

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「影像令我的立體作品多有一重閱讀空間。」

倒模是一種「攝影」

她沒接受任何攝影的訓練,然而影像總與她的創作不時偶遇,畢業作品以錄像拍攝陶瓷裝置,去年她在光影作坊舉辦首個個展時,展出多元化陶瓷作品,其中一系列以影像拍攝倒模手心的作品,看起來像一座山峰,令人嘖嘖稱奇。 「從事陶瓷創作的人對物料比較敏感,影像令我的立體作品有多一重閱讀的空間,提供另一個角度去呈現作品。」

對她來說,倒模就像是對物件的第一重「攝影」,留住了物件的形狀,同時製造出一個負的空間;第二重攝影是用相機對倒模水泥的拍攝,拍攝時她特意用測光,令物件留下很深的影子,她故意將影像轉為負像,遠看恍如炭筆畫,照片中的影子變成了光亮之處,原本水泥中消失的物件空間亦得以顯現出來。

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爺爺奶奶1970年代曾經營士多,亦是這系列作品的緣起。

這系列作品啟發自舊照片,以倒模及攝影作為創作媒介,最後以裝置的形式來呈現。李卓媛為每張負片影像加上白鐵框,框身厚度正是物件原來的厚度,還原物件原來的體積。

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藝術家以物件原大的尺寸來呈現影像,框身厚度正是物件原來的厚度。

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《缺景》

日期:即日至11月18日

時間:星期三至六(2pm-6pm)

地址:石硤尾白田街30號賽馬會創意藝術中心L522私畫廊

·原文見於果籽

山水意境畫上身 捕捉另類「紋身」

現年52歲的中國藝術家黃岩,從小鍾情傳統山水畫,繪畫至今四十載,他沒有畫在傳統的宣紙上,反而繪畫在皮膚及身體上,將傳統山水畫、行為藝術及攝影結合──繪畫是表達他想法的行為,攝影則是記錄他行為的呈現,成為其人體「紋身」的宣言。

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《中國山水纹身10》,人體山水畫由於肢體動作及構圖不同,完成的攝影作品也不盡相同。

在身體上繪畫不是新鮮事,藝術家劉勃麟借用「狙擊手」的做法,把自己塗畫成身處背景的造型,拍攝了一系列「隱形人」攝影作品,去表達對現實的不滿與無聲抗議。這種創作模式,黃岩比劉勃麟還要早逾十年,當年他受京劇臉譜彩繪的影響,已開始嘗試在人臉上繪畫,再用攝影的手法記錄下來,這一點與劉勃麟有異曲同工之妙。人臉之後,他很快也嘗試在身體上繪製宋元時期的山水景觀,將山水畫崇尚自然的「烏托邦理想」化成身體的另類「紋身」。

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皮膚有別宣紙 自創水溝油新繪畫技術
黃岩說身體繪畫不僅對材料還是技術都是一種挑戰,始終人的皮膚有別於宣紙,不易控制墨水的乾濕。「因為皮膚是油性的,很難在皮膚上表現出山水的意境,所以我就自創了一種結合水和油的新繪畫技術。」雖然畫出來的效果不及傳統山水畫層次分明,繪畫在人體上卻更具立體效果,況且不同的肢體動作會有截然不同的畫面,變成一幅幅不同的攝影作品。例如今次展覽的《中國山水紋身》系列,共有13幅攝影作品,每一幅作品的構圖與肢體都不盡一致,它提供了一種想像,令觀者能以不同的方式與角度觀看傳統的山水畫。


黃岩自12歲已跟隨山水畫名師王淮學習繪畫,嚮往傳統文人繪畫與禪宗崇尚自然的理念,那時剛好改革開放,西方藝術理論湧進中國,他也深受影響,還參加了當時的「85美術新潮運動」。相比起繪畫,他的攝影啟蒙其實更早,在父親的影響下學習,於1984年左右,18歲的他已嘗試將繪畫與攝影結合進行創作。對他而言,傳統藝術與西方的觀念藝術可以是並行不悖的,「我的攝影是跨媒介的,是不受到形式束縛的。」於1994年開始,他開始用繪畫與攝影記錄自己的觀念與行為,在赤裸的人體上繪畫,某程度上是一種禪宗崇尚自然的體現。


今時今日,裸體藝術對普羅大眾而言,仍是禁忌,當年黃岩創作《拆山水》系列攝影作品時,讓充滿山水畫的裸女站在油畫前拍攝,非常前衞。在繪畫裏注入當代元素,也在攝影這個媒介裏融入繪畫與行為藝術,這系列作品既象徵東西方藝術的對碰,又意味着傳統與現代藝術的融合,對黃岩而言,更是他對中國文化及身份的認同,成為他獨特的藝術商標。

《紋身烏托邦》

日期:即日至11月15日

時間:11am-7pm(星期日及公眾假期休息)

地址:西營盤皇后大道西189號SOHO 189地下獅語画廊

·原文見於果籽

余偉建 紀錄回歸前後歲月

1998年,啟德機場的最後一日,一架舊款國泰747客機徐徐起飛離開香港,象徵一個舊時代的逝去。美聯社攝影記者余偉建Vincent Yu)把這一幕記錄在菲林裏,同年他以香港機場代碼HKG為名,推出個人首本攝影集,用影像記載五十年不變前的香港。二十年過去,表面上「馬照跑舞照跳」,可暗地裏許多事情已悄然改變,許多固有價值在眾聲喧嘩中慢慢被蠶食,甚至是面目全非。有感於此,余偉建重新製作《HKG》攝影集,加入了回歸後的作品,記錄香港變化的同時,也無不有警示意義。

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1994年,〈地鐵站內的鄧小平廣告〉。

余偉建從事新聞攝影三十多年,多年來採訪過南亞海嘯、四川大地震、北韓勞動黨周年慶典、福島311大地震等重大事件,其中一個令他難忘的經歷,便是回歸,這也是二十年前《HKG》面世的契機。「其實回歸前數年已決心要出一本書,覺得要認真地記錄香港。」從1992年彭定康離開答問大會的畫面到董建華上台,從地鐵站裏的鄧小平廣告到駐守添馬艦的解放軍,還有一張香港與英國士兵對望的照片,他的照片不僅記錄了殖民地的最後歲月,背後亦有強烈的象徵意義及時代特色。


社會在轉,歷史在演變。2007年他舉辦攝影展,展出回歸前及回歸後十年的相片,當時余偉建已有重出攝影集的打算,可惜最後擱置了。又過十年,變化巨大,他覺得許多東西正慢慢消失,更加覺得要重編書籍。在新版《HKG》裏,依然能見到許多國旗、英女皇像、鄧小平等充滿符號性的元素,他以1986年英女皇離港上機的畫面開篇,以啟德機場的最後一天做結尾,似乎在嘆息一個時代的終結。
新書照片大多是回歸及回歸前的照片,同時亦加入了海洋公園的熊貓像、胡錦濤的蠟像、天星碼頭鐘樓等在2006年及2007年拍攝的照片,記錄香港的變化。印象深刻是那幅大會堂的照片,被拆走的殖民地徽章在牆上留下一個印,這是歷史留下的痕迹。

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1992年,〈新華社門外的示威〉,一雙眼睛令人想起big brother is watching you這經典預言。

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問及回歸的最大變化,他說以前能暢所欲言地說話,「現在很多人都有顧慮,有種無形的掣肘。」攝影策展人黃啟裕在攝影集裏提到中英聯合聲明是流產的承諾,或許有人會覺得字眼敏感,是政治不正確,「這是以前不會有的,現在大家都有了自我審查。」誠如末代港督彭定康在書中序言所寫,「我希望香港仍然會是一個能夠維持其自主和法治的偉大城市……而近年的種種事件也確實令人有點氣餒。」

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《HKG》由獨立出版社Brownie Publishing出版,「顯影·書櫃」有售。


舊版書名的HK字母是黑色的,現在有意無意變成了紅色,印在半透明的牛油紙書套上,封面是一張在新華社門外示威的照片,照片裏的眼睛影像若隱若現,似乎在印證big brother is watching you,而且令人越來越擔憂。「1992年拍攝時這張照片時或許是預言性的畫面,現在這種情況香港已經發生了。」政治如此,民生問題亦然,回歸前他拍攝住在籠屋及劏房裏的人、貧富懸殊(銅鑼灣的勞斯萊斯與巴士),而今看來這種情況沒有最差,只會更差!
佐治·奧威爾在《1984》裏寫道:誰控制了過去便控制了未來,誰控制了現在便控制了過去。不論香港的現在由誰控制,《HKG》裏的香港景況,是在這一代人的記憶消失前,不能復再的歲月。

·原文見於果籽

色彩與情慾 Guy Bourdin

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VOGUE》雜誌一直是時尚攝影的先鋒,這背後不得不提兩位重要推手,一位是Helmut Newton,另一位是Guy Bourdin。二人均在時尚攝影作品中探討了情慾與性的話題,如果說前者的風格充滿偷窺意味,那麼後者則是對死亡與迷幻的追求,以及他對色彩的靈活應用。Guy Bourdin知名度不及Helmut Newton高,但他卻影響David LachapelleNick KnightJean-Baptiste Mondino等時裝攝影師,乃至更多後繼者的攝影風格。

色彩與慾望

Guy Bourdin以他獨特的視覺建立起其別樹一幟的時裝攝影風格,與同期在《VOGUE》任職的另一時尚攝影師Helmut Newton的黑色風格不同,他的攝影作品往往色彩鮮明,所有場景都經過精心設置,構圖也與傳統的人像攝影截然不同。Guy Bourdin鏡頭下的畫面帶有豐富的性符號,給人一種很強烈的視覺衝擊,甚至勾起觀者的慾望,有時更是以一種近乎瘋狂的手法去呈現他心中的世界。而被母親拋棄與妻子、女友自殺的殘酷也似乎一直縈繞在他的腦海揮之不去,他對模特兒苛求、鏡頭下的畫面時而極端時而荒謬,這些跡象在他作品裡都可見一斑。

由棄嬰至攝影先鋒

1928年,名叫Guy Louis Banares的男嬰在巴黎呱呱墜地,翌年被媽媽遺棄後,有位叫Maurice Desire Bourdin的好心人收養了他,並將他養大成人。這名男嬰,就是後來著名的時尚攝影師Guy Bourdin20歲時他在法國空軍服役,在駐紮非洲塞內加爾期間開始攝影。1950年回國後,遇上超現實主義攝影師Man Ray,並成為他的學徒。戰後法國的社會氣氛非常保守,當時他接觸到Man Ray、攝影師Edward Weston、超現實主義畫家Rene Magritte和超現實電影大師Luis Bunuel的作品後非常癡迷,而在他的作品裡也不難發現這些裸體、超現實風格的影子。

Guy Bourdin也是個出色的畫家,年僅22歲就在畫廊舉辦個展,展出自己的素描和油畫作品。兩年後當Man RayGuy Bourdin的攝影展寫引言時,也似乎預見這位年輕人的成功。這段時間他一邊創作油畫、素描(後來甚至在紐約也辦過展覽),一邊摸索自己的攝影風格,當然在1955年法國《VOGUE》雜誌首次刊登他拍攝的時尚攝影作品後,人們自然也更多地關注他的攝影作品,而這一年,也可視為他攝影生涯的轉捩點。

在接著超過三十年的時間裡,他和這本雜誌一直合作無間,英國版、意大利版、法國版,還有《HARPER’S BARZAR》等時裝雜誌,拍下一幅幅別具風格的時尚攝影作品。在他最巔峰的7080年代,Guy Bourdin也為包括Issey Miyake在內的多個重要品牌拍攝廣告攝影。2003年開始,世界各地亦開始Guy Bourdin的回顧展,2007年時曾在香港展出。2012年,在他離世21年後,Guy Bourdin被美國《TIME》雜誌評為100Fashion Icons之一。

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Alan Lo 海底微距攝影

36376823_1966677426697898_6847656450970353664_o海底攝影不是新鮮事,不過從事海底攝影的香港攝影師卻是寥寥可數,尤其喜歡拍攝海底微距攝影的,更是少之又少了,盧澤暉(Alan Lo)就是其一。Alan來頭不小,曾獲得聯合國舉辦的世界海洋日攝影比賽大獎,也被寶珀選為「世界最佳50位水底攝影師」 。不過他投身海底世界,其實也只是近十年的事。

不太深諳水性的他,當初在太太鼓勵下接觸海底世界,對潛水的焦慮,伴隨相機進入水底後消失得無影無蹤。Alan從事商業攝影逾二十年,時裝、人像、食物通通都拍攝過,然而來到海底世界,一切都充滿新鮮感,自此他迷上了海底攝影,前往印尼、菲律賓、馬爾代夫,甚至墨西哥及厄瓜多爾等地拍攝。

有人喜歡海底世界的壯觀,Alan偏偏鍾意微距攝影,聚焦微細的海洋生物。在中環的展覽現場,他指著一幅類似白飯魚的作品說,「這就是《海底奇兵》裡面nemo魚的魚卵,在透明的卵膜下可見到它的眼睛。」Alan拍攝的生物都小於2cm,拍攝如此細小的生物,除了要用微距鏡頭及放大鏡,也必須盡量接近被攝的生物,身處漂浮的海底世界近距離拍攝,一點也不簡單。試過剛好對焦一條魚,轉眼間就被其他魚類吃掉了,正正印證海底世界的變化多端。

Alan大部份作品都是拍攝海洋生物的行為,例如魚卵孵化的過程,他試過在印尼逗留一個月,為的就是拍攝魚卵破蛋而出的畫面,他每一兩日就去檢查,直至等到最後想要的畫面。「如果沒有動物的行為,就如每個人拍攝一樣的風景,缺乏了個性。」這背後除了留意魚類的行為,也需要耐心,去細心找尋微小生物的身影。

現在全世界都在關注海洋保育,大多海底攝影師都在倡導保護海洋的訊息, Alan也不例外。見證過馬爾代夫的珊瑚嚴重白化,也目睹過東南亞國家用魚炮炸魚過後的屍橫遍野,而漂浮在海中的膠袋,更會被海龜以為是食物而進食,結果令其無法消化而死亡。「許多你今年見到的畫面,可能五年、十年後就會不復存在!」這值得我們反思。

「心繫海洋」展覽
日期:即日起至7月6日
地址:中環皇后大道中20號太平行地下