Photo Note – Page 4 – 顯影-PhotogStory

光影與角度之魅 Ralph Gibson

December 18, 2018July 26, 2022Posted in Photo NoteTagged Ansel Adams, Dorothea Lange, Eugene Smith, Ralph Gibson, ROBERT FRANKLeave a comment

Eugene Smith的照片是反映社會的不公平、Ansel Adams風景照片重新定義壯觀與層次感、布列松的決定性瞬間影響無數後來者⋯⋯每位偉大攝影師都總有令人喜歡的理由，美國攝影師Ralph Gibson之所以備受讚賞，除了因為他將光影與構圖的美感發揮至極，還在於他將照片轉化為一種視覺符號。

海軍攝影師

Ralph Gibson的攝影之路很偶然，十七歲時加入美國海軍，利用閒暇時間學習攝影，並成為海軍攝影師（Photographer’s Mate）。結束海軍生涯後，他旋即入讀San Francisco Art Institute攝影系，這時他的攝影技巧已相當純熟，當時還成為著名女攝影家Dorothea Lange助手，得以近距離觀察她的攝影創作。1962年在畢業後，他成為一名自由攝影師，及後也曾協助另一著名攝影師Robert Frank拍電影。他也當過攝影記者，但很快發現自己並非想透過攝影講述新聞事件，而是敘述個人想法，於是他拍攝女性胴體，利用強烈對比的光影線條，在作品中講述自己的想法。

商業頭腦

能跟隨大師學習，誠然是他的幸運，但他並沒迷失在前輩的思想裡，他的成功更多是因為他獨特的風格，以及懂得向世人展示自己作品的生意頭腦。1969年，他與Robert Frank分道揚鑣後，在紐約成立出版公司Lustrum Press，接著數年裡，連續出版《The Somnambulist》、《Deja-Vu》和《Days at Sea》三本攝影集。這三部曲不但令更多人認識其作品，他的出版生意也有聲有色，可謂名利雙收。除了自己作品，他也幫前輩Robert Frank、好友Mary Ellen Mark及名不見經傳的新人出版攝影集，還發行黑白攝影教科書，這種營商頭腦是其他攝影大師所沒有的。

高反差的局部符號

Ralph Gibson的作品以黑白、高反差及局部化的處理手法見稱，充滿豐富的視覺元素，錯位的畫面、嫵媚的女性、強烈的光暗對比，牽扯著觀眾的情緒，看似神秘又頗有超現實主義意味。他善於捕捉局部及不為人注意的細節，儘管作品多以女性為主角，但似乎很難將其歸類為人像攝影，更多地反而是攝影師思緒和感覺的反映。他說自己不太理會相機如何看事物，最重要是透過它看到自己看東西的方式。對他而言，攝影是一種視覺上的選取及裁切，去除人物的主要表情和動作，再以高反差的形式將剩下的身體視覺轉化為一種符號，營造出更多的想像空間。

馮漢紀影像創作不一定要侷限在相機

December 5, 2018Posted in Exhibition, HK Photographer, Interview, Photo NoteTagged Duane Michals, 顯影, 馮漢紀, Susan Sontag, 即影即有, 改革開放, 中國1 Comment

三十年前，馮漢紀用硬物在顯影中的即影即有照片上進行刮劃，被破壞的感光劑在照片上顯示出不同的顏色，最後的畫面儼如油畫。「影像的表達有好多種形式，不一定要侷限在相機。」年屆八旬的馮漢紀一直是香港攝影教育的重要推手，桃李滿門的同時，他也是一位充滿實驗及前衛精神的攝影家。作為香港國際攝影節的壓軸展覽，最近他舉辦大型回顧展，展出1980年至今近的多組照片，有拍攝中國的黑白及彩色照片，也有用電腦製作出來的概念性影像。

1980年代，任教香港理工學院的馮漢紀遇到瓶頸，毅然前往芝加哥修讀藝術碩士。「最大改變是心態，以前大家會叫你影相佬或攝影師，是有標籤的，去到那邊大家都會說是藝術工作者，只不過我是用攝影來表達。」展覽有部份作品是關於他的芝加哥歲月，最初踏足美國時他曾感迷惘，在一幅《In a Cage》作品中，馮漢紀以六張照片加上文字來表達這種情緒，或多或少是受美國攝影師Duane Michals影響。

螢幕截圖 2018-12-05 下午8.54.09 — 《In a Cage》作品

當年在香港教書時，他一直無法靜下心來創作，反倒是到芝加哥後，拍攝了許多人像作品。除了在的士高裏拍攝造型奇異的龐克少年，他的一系列拍攝同學的肖像中，也安排了拍攝者（自己）與被攝者一同進入畫面——著名評論家桑塔格（Susan Sontag）將相機比喻為一種武器，馮漢紀想探討的是，當操控相機的人同時入鏡，這種意義會否改變。

兩年的進修經歷，擴闊了馮漢紀的攝影視野，間接影響了後來的創作，不太拘泥於攝影的形式與媒介，這在他的「前衛視點」作品裏可見一斑。九七回歸後翌年，他創作的「蝴蝶夢系列」充滿實驗性質，用一個製作三維風景的軟件來創作出不存在的風景，將虛擬的蝴蝶置身不同的環境，顛覆攝影的定義。蝴蝶有蛻變的象徵，畫面中的蝴蝶時而困於籠中，時而躺於火海，究竟是莊周夢蝶，還是回歸後的隱喻，而今看來或更有同感。

隨意拍攝捕捉1980年代中國

馮漢紀孩童時代已遊走於兩岸四地，生於廣州，不久後移居香港，日治時期在澳門渡過，及後又前往台灣讀醫。躲過文革，1978年改革開放後，他成為第一批較早進入中國大陸拍攝的攝影家。當時他正理工學院任教，每年利用暑假閒暇時間前往北京、深圳、青海、雲南等城市拍攝，為那個純真年代留下最後倩影。在沙龍攝影非常活躍的1960及1970年代，馮漢紀也曾是「龍友」，及後他發現自己格格不入，轉而拍攝社會紀實的畫面。當沙龍攝影師忙於發掘祖國的大好河山時，他卻把鏡頭對準了街道小巷的人生百態。

「我會說是直接攝影，拍攝時是很隨意的。」拍攝前他沒有任何預設的構思，也沒有追求唯美的構圖，胡同裏的途人、街邊的小販、巴士上的乘客，每個畫面似乎都是漫不經心的，有種淡然的詩意，然而畫面中的細節卻值得細細回味。後來他捨易取難，以中片幅相機取代135mm相機，拍攝了連南瑤族自治縣、青海、雲南等少數民族及鄉郊環境，同樣沒有風光旖旎的畫面，反而以樸實的鏡頭記錄他們的生活——這些都構成了馮漢紀的「中國，我的中國」系列作品。

在推行改革開放的同時，鄧小平也批評了毛澤東時代的個人崇拜現象，其時許多地方的毛像都被拆卸，有次馮漢紀在南京一間紀念館偶然見到毛像，深感意外，畢竟在大城市較為罕見。然而萌生拍攝「毛澤東系列」作品時，已是千禧年的事，他在廣東、雲南、香港及東南亞等地拍攝毛像，其中一張照片裏的毛澤東雕塑舉着招牌領導人手勢，牆上掛着寫有「鸞鳳和鳴」的掛毯，違和感十足。「不論世人對他的評價好或不好，作為上世紀最有影響力的中國人，我想用照片去呈現這樣一個現象。」

《時/空：暫如照片》

日期：即日起至12月19日（10am-8pm）
地點：香港藝術中心包氏畫廊

·原文見於果籽

盧廣用鏡頭揭露中國社會問題

November 30, 2018September 19, 2019Posted in Photo NoteTagged 環境污染, 盧廣, Eugene Smith, 荷賽獎, 西部大淘金, 解海龍, ROBERT CAPA, Sebastiao Salgado, World Press Photo, 攝影師Leave a comment

現年58歲的中國攝影師盧廣，自1990年代開始，專注拍攝中國的環境污染問題以及底層人民生活，被譽為「攝影界的良心」，作品獲得尤金·史密斯人道主義攝影獎及荷賽獎等。根據其妻子徐小莉的Twitter發文，2018年十月底至十一月初，他到新疆出席活動及旅行，然而11月3日起失去聯繫，據悉被當地的國保警察帶走。

消息旋即在網絡上廣為傳播（更新：根據《美國之音》中文版2019年9月9日報導，徐小莉日前在twitter證實，盧廣在幾個月前已回到家中，因不想被打擾而暫時沒有發布消息，這也是盧廣去年失蹤之後，外界首次得知他的安危。），連BBC也有報導，這裏反而想寫寫他的故事，看完之後你大概便知道，當權者為何想讓他「被消失」。

盧廣1961年生於中國浙江省，讀書不多的他半路出家自學攝影，自1980年拿起相機，便對攝影充滿熱情。最初他邊在家鄉永康縣的工廠工作，邊在農村為朋友拍攝全家照，1987年他在當地開設照相館，一直到1993年。照相館為他賺到十萬元，但他明白不能單純為了賺錢，便拿著積蓄到北京中央工藝美術學院（現為清華大學美術學院）進修。

攝影師有責任去記錄及改變現狀

盧廣喜歡Robert Capa、Sebastiao Salgado與Eugene Smith等攝影師，他們的作品都帶有強烈的人文主義關懷，在學校時他還接觸了中國攝影師解海龍的《希望工程》作品，這些照片某程度改變了中國貧窮學童無法上學的命運。這也令他明白，攝影的真正意義是什麼。

他的首個拍攝計劃是《西部大淘金》，1994年開始拍攝，在海拔5,000多米的西藏，逾萬人在金礦裏淘金，這些工作不僅辛苦，而且死亡率很高，淘金過程又嚴重地破壞了大自然。這些作品轟動一時，也令他更加堅定，要用相機來記錄及揭發重要的社會議題。

2001年，他在北京讀到一篇河南愛滋病小孩到北京求醫的新聞報導，深有感觸的他很快找到孩子父母，仔細調查了解，知道這些人因家裏貧苦去賣血，最後竟感染上愛滋病。他在河南省的不同村莊拍攝近三年，在國內發表作品後引來一定迴響，令部份孩子得到救助，但仍無法真正解決愛滋病問題。當時他將照片送到國外參賽，結果贏到荷賽獎一等獎（World Press Photo/Contemporary Issues），此事也促使河南省政府下令調查當地愛滋病狀況，加快官方救助當地愛滋病人的步伐。

在中國，此等社會問題層出不窮，然而要進行拍攝卻並非易事，畢竟這些影像間接地批評掌權者，因此盧廣的拍攝過程常常受到阻擾，他試過被抓、試過被搶相機、試過被人按在地上打，家人也收過恐嚇電話，但他從沒想過放棄，因為他明白，照片一旦曝光，便意味著有機會改變現狀。他曾在訪問中提及，「其實我做的許多專題，很多人是知道的，不過政府壓著不讓說而已，當地人不敢說也不敢拍攝，所以當地的問題就需要外地攝影師去拍攝。」作為一個攝影師，他覺得自己有責任去紀錄、發表、改變這些現狀。

中國式污染

盧廣長期關注中國的污染問題，2005年開始拍攝，他用四年時間走遍中國西部及東部沿海，拍攝環境污染致病、海洋污染等，期間他與地方官員及排放污染物的公司企業鬥智鬥勇，他追蹤污染來源，拍下許多驚人的畫面，最後這輯《關注中國污染》作品獲得2009年的尤金·史密斯人道主義攝影獎（W. Eugene Smith Memorial Fund）。

污染的現象不是中國獨有，歐美國家甚至日本，在現代化的進程中，都發生過類似問題，Eugene Smith拍攝的日本水俁病作品，堪稱紀實攝影的典範。作為世界第二大經濟體的中國，過去十多年間因為不斷開發，嚴重破壞了環境，廢料及廢氣的排放導致農田及空氣污染，不僅使草原變成沙漠、農民失去家園，也使呼吸疾病的患者越來越多，連食物及飲用水也受到污染，許多地方都出現「癌症村」。盧廣曾在訪問中提及，自己對環境的改善是抱有希望的，畢竟某些工廠是改善了污染情況，然而許多企業卻「化明為暗」，選擇在夜晚偷偷排放，或者將污水通道建在地底下，直接排放到河流或海洋。

2015年，這系列拍攝因經濟發展而造成環境污染問題的《開發與污染》作品，為盧廣獲得荷賽獎長期拍攝題材（Long-Term Projects）的三等獎，是國際社會對他的再一次肯定。拍攝社會議題逾二十載，獲獎無數，盧廣說自己更像是一位調查者，不斷去挖掘社會上被隱藏的問題，從而引起世人關注。只可惜，相比起改變或改善，某些地方政府或當權者，更多地是選擇了隱瞞，或者直接令人噤聲甚至消失。

霓虹都市懷舊香港

November 8, 2018January 19, 2025Posted in Exhibition, Photo NoteTagged An Eye on Hong Kong, 王家衛, 達明一派, 霓虹燈, Keith MacGregor, 今夜星光燦爛1 Comment

達明一派在1987年的歌曲《今夜星光燦爛》裏如此唱道：霓虹亮透晚上/把城內也照亮。霓虹燈曾是香港夜景的標誌，五光十色的招牌，承載着工藝與美學，也記錄了香港的歷史與文化。

為霓虹燈深深着迷的，有英國攝影師Keith MacGregor，2002年他曾出版以霓虹燈為題材的攝影集《Neon City, Hong Kong, at Night》，把密密麻麻的霓虹招牌拼貼在同一街景裏，充滿超現實意味。事隔十多年，72歲的他最近在香港展出這輯《霓虹幻想》（Neon Fantasy）作品，以及近半世紀以來鏡頭下的香港情懷。

LED欠靈魂　「太boring了」

霓虹光管的出現最早可追溯到19世紀末，先在歐洲流行，二戰後才逐漸傳入香港。霓虹燈招牌與香港的發展息息相關，1960、1970年代，隨着工業蓬勃發展，許多飯店、國貨公司、夜總會，甚至公司企業等，紛紛使用霓虹燈招牌來宣傳品牌。在未有互聯網的年代，以大取勝來突出形象，是慣常的做法，加上當時未有完善的法例規管，結果招牌數目越來越多，爭芳鬥艷互相遮擋。Keith鏡頭下1970年代的莊士敦道及1980年代的上海街，都是招牌林立的場景。
霓虹燈招牌是香港流行文化的一部份，在王家衛導演的《重慶森林》與《墮落天使》裏，不難見到霓虹招牌的都市景象，達明一派的《今夜星光燦爛》MV更是如此。Keith雖然不太明白招牌上的中文字，但他仍為招牌的圖像及設計着迷，「霓虹燈招牌是一種藝術，它塑造了香港的特色，令香港的街道變得獨一無二。」只可惜，政府在1990年代開始，不斷拆卸舊式霓虹招牌，取而代之的是燈箱或LED招牌，曾經的霓虹之城，已逐漸消逝。

相比起霓虹燈招牌，LED的確較省電，卻毫無特色，「太boring了，無法呈現香港的靈魂。」在香港拍攝近半世紀，見證過舊時代的美好事物，他說霓虹招牌與大排檔、老店、街頭小食都是香港的一部份，香港正慢慢拆掉它的文化。「我也明白城市要發展，但不是建設一些毫無美觀可言的東西。」2001年開始，Keith嘗試把霓虹燈招牌從菲林照片的背景中剪出來，然後在真實的街道上密密麻麻地拼貼出霓虹招牌，包括某些已經消失的標誌性招牌，看起來很超現實，恍如外國遊戲中的香港典型印象，同時又有一種似曾相識的歷史畫面。

令Keith深感可惜的，不只霓虹招牌的逐漸消逝，還有中式木帆船（Junk）的消失。「這些帆船看起來像蝴蝶，有帆船的維多利亞港才是最漂亮的。它某程度上是香港的象徵。」Keith生於印度，畢業於牛津大學，無師自通學懂攝影，後來在紐約學懂黑房技巧。他的家族與中國有很大淵源，其時家人在香港從商，1969年他移居香港後，卻決定成為一名攝影師，從事人像及婚禮攝影，也拍攝了許多香港市民的生活百態。那時候他也為船務公司拍攝商船，時常乘坐直升機拍攝維港，航拍了許多帆船的照片。

香港掌鏡半世紀　72歲仍有passion

1974年是他的一個轉捩點，他在怡東酒店舉辦個人攝影展，反應很熱烈，結果有出版商邀請合作推出日曆，再一次獲得成功。朋友於是建議他做明信片生意，一年大賣二百萬張，那年代外國人對香港的認識，或多或少由Keith的影像所塑造。「明信片生意成功之後，很快被人複製，後來漸漸就沒再推出了。」1992年，Keith舉家遷回英國，之後每年仍會來港兩三次，繼續拍攝香港不斷變化的城市景觀。1997年，他推出首本攝影集《An Eye on Hong Kong》，六版全部售罄，大賣數萬本，以攝影集來說是非常驕人的數字。

在Keith的照片裏，可以見到香港的黃金時代，充滿殖民地及本地文化的懷舊街景，「我很喜歡1970年1980年代，那時候的街景很美麗。當時我忙於工作，像港島西區等地方並沒有仔細拍攝，我希望能拍攝更多。」 Keith有時也會搞搞新意思，把照片轉成黑白，僅僅保留某些巴士及招牌的彩色，「我覺得看起來很漂亮，更加突出街景的特色。」現在許多相機已有這種功能，然而在黑房的年代，卻並非易事。眼見近年香港變化之大，他也嘗試用新舊對照的方法，在相同位置拍攝全景照片，這個城市的變改、高樓大廈拔地而起，一目了然。

_{Keith在1970年及2016年分別用全景方式拍攝同一位置，照片見證香港的變化。}

Keith今年72歲了，他說現在經常背痛，不能像以往一樣揹着相機四處拍攝，「不過我仍有拍攝這座動人都市的動力，我來香港時，總是感覺很有passion，這也是我能拍攝近半世紀的原因。」

PS：2018年，Keith MacGregor在Blue Lotus Gallery舉辦攝影展《The Way We Were》。

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曖昧相撲 by Dolly Faibyshev

October 26, 2018Posted in Exhibition, Photo NoteTagged 相撲, Dolly Faibyshev, Martin Parr, SumoLeave a comment

This was at the Playstation Theatre on Broadway and featured three Sumo world champions – Yama, who at 600 lbs is the “heaviest Japanese human being ever”, Byamba from Mongolia, and Ramy from Egypt. In total, they share 8 Pro Sumo Champion and World Sumo Champion Titles and 1500 lbs. I was drawn to their unconventional shapes, which are a juxtaposition to the bodies I photograph at Fashion Week. I’m drawn to spectacle and the nostalgia of this ancient Japanese practice, and used their forms as a canvas for color. Byamba and Yama in the ring.

隨性的構圖、詼諧的畫面、鮮豔的顏色，看美國攝影師Dolly Faibyshev的作品，很自然想起英國攝影師、Magnum Photos前主席Martin Parr的相片。Dolly Faibyshev鏡頭下的畫面，甚至比他更不和諧，色彩更濃豔，強硬直接的燈光（即使大白天也用閃光燈），有種突兀效果，然而細看卻總能發現相片中的趣味點。

生於俄羅斯家庭，Dolly Faibyshev與其他移民一樣，自小對於所謂的「美國夢」有所幻想，自學攝影後，便用影像來探索所謂的「American Dream」——它可能是很華麗的，同時又可能是很庸俗的。看她的照片，猜想她應該是個觀察力很敏銳的人，因為不管摔角比賽、時裝週還是寵物展，她總能找到那種有趣的瞬間。

Three Sumo champions perform at Sumo + Sushi at Playstation Theatre on Broadway — This was at the Playstation Theatre on Broadway and featured three Sumo world champions – Yama, who at 600 lbs is the “heaviest Japanese human being ever”, Byamba from Mongolia, and Ramy from Egypt. In total, they share 8 Pro Sumo Champion and World Sumo Champion Titles and 1500 lbs. I was drawn to their unconventional shapes, which are a juxtaposition to the bodies I photograph at Fashion Week. I’m drawn to spectacle and the nostalgia of this ancient Japanese practice and used their forms as a canvas for color. Ramy, Byamba, and Yama posing for photos.

Dolly Faibyshev居於紐約，有次機緣巧合得悉有相撲表演活動，她覺得與之前拍攝的題材截然不同，便拍攝下這系列《Sumo/相撲》照片。三位分別來日本、蒙古及埃及的相撲選手同場競技，Dolly說這更像是一場表演性質的儀式及活動，並非真正的比賽，而她則以一向的風格來捕捉這三位巨人表演的有趣畫面，在飽和的色調下顯得很曖昧。

《映像相撲》紐約攝影師Dolly Faibyshev作品展
日期：2018年10月25日至12月10日
時間：上午11時至下午6時 (逢星期三休息)
地點：.JPG（西環保德街6至20號保基大廈地下5號舖）

土耳其攝影師Ara Güler逝世享年九十歲

October 23, 2018September 21, 2024Posted in Photo NoteTagged Ara Güler, MAGNUM PHOTOS, Marc Riboud, Orhan Pamuk, 土耳其, 布列松, 攝影師, 伊斯坦堡Leave a comment

土耳其Magnum Photos攝影師Ara Güler的照片，與諾貝爾文學獎得主帕慕克（Orhan Pamuk）的小說，構成了許多人對伊斯坦堡及土耳其的想像。

一生在亞非歐洲及中東拍攝，可Ara Güler最愛的仍是伊斯坦堡，為這座城市捕捉了豐富而詩意的瞬間。Ara是帕慕克最喜歡的攝影師，因他紀錄了最美好的伊斯坦堡。上週（10月17日），這位有「The Eye of Instanbul」之稱的土耳其攝影師逝世，享年九十歲。

生於1928年，Ara Güler的父母是亞美尼亞人，父親與藝術界朋友相熟，年少的他想成為一名劇作家，及後才轉向攝影。1950年，22歲的他一邊在伊斯坦堡大學修讀經濟學，一邊在當地的Yeni Istanbul報社擔任攝影記者，及後轉職到另一間報社Hürriyet。1958年，美國雜誌公司Time Life在土耳其開設分部，他成為該地區的第一位近東攝影記者，開始走向國際之路，為英國的《The Sunday Times》及德國的《Stern》雜誌工作。

服完兵役後，1961年，他成為Hayat雜誌社攝影部門負責人，繼續攝影師生涯。同一年，他在巴黎認識了布列松及Marc Riboud，並接受他們的邀請成為Magnum Photos一分子，當時通訊社只有十多位攝影師。1960年代，他在肯亞、印度、中亞等地方拍攝任務，1970年代他拍攝了畢加索、達利等藝術家，以及邱吉爾、甘地等政治家。然而，要說他最令人記得的照片，仍是1950及1960年代拍攝的伊斯坦堡。

1950年代初開始，伊斯坦堡開始興建新廣場及大樓，許多歷史建築被拆除，Ara Güler的照片留住這座城市的美好時光。街頭與店舖、碼頭與郵輪、馬車與電車、白天與黑夜，博斯普鲁斯海峡（Bosporus）的霧氣縈繞與奧斯曼帝國的歷史餘暉，他鏡頭下的伊斯坦堡有種淡淡的鄉愁，同時又是充滿詩意的。

他說一座城市的靈魂，是人們的生活與記憶，以及周遭的環境，Ara Güler為他們一一留下珍貴影像，是伊斯坦堡的視覺歷史學家（Visual Historian）。

山水意境畫上身捕捉另類「紋身」

October 13, 2018October 13, 2018Posted in Exhibition, Photo NoteTagged 紋身, 黃岩, 山水畫, 攝影Leave a comment

現年52歲的中國藝術家黃岩，從小鍾情傳統山水畫，繪畫至今四十載，他沒有畫在傳統的宣紙上，反而繪畫在皮膚及身體上，將傳統山水畫、行為藝術及攝影結合──繪畫是表達他想法的行為，攝影則是記錄他行為的呈現，成為其人體「紋身」的宣言。

螢幕快照 2018-10-13 上午12.09.32 — 《中國山水纹身10》，人體山水畫由於肢體動作及構圖不同，完成的攝影作品也不盡相同。

在身體上繪畫不是新鮮事，藝術家劉勃麟借用「狙擊手」的做法，把自己塗畫成身處背景的造型，拍攝了一系列「隱形人」攝影作品，去表達對現實的不滿與無聲抗議。這種創作模式，黃岩比劉勃麟還要早逾十年，當年他受京劇臉譜彩繪的影響，已開始嘗試在人臉上繪畫，再用攝影的手法記錄下來，這一點與劉勃麟有異曲同工之妙。人臉之後，他很快也嘗試在身體上繪製宋元時期的山水景觀，將山水畫崇尚自然的「烏托邦理想」化成身體的另類「紋身」。

皮膚有別宣紙　自創水溝油新繪畫技術
黃岩說身體繪畫不僅對材料還是技術都是一種挑戰，始終人的皮膚有別於宣紙，不易控制墨水的乾濕。「因為皮膚是油性的，很難在皮膚上表現出山水的意境，所以我就自創了一種結合水和油的新繪畫技術。」雖然畫出來的效果不及傳統山水畫層次分明，繪畫在人體上卻更具立體效果，況且不同的肢體動作會有截然不同的畫面，變成一幅幅不同的攝影作品。例如今次展覽的《中國山水紋身》系列，共有13幅攝影作品，每一幅作品的構圖與肢體都不盡一致，它提供了一種想像，令觀者能以不同的方式與角度觀看傳統的山水畫。

黃岩自12歲已跟隨山水畫名師王淮學習繪畫，嚮往傳統文人繪畫與禪宗崇尚自然的理念，那時剛好改革開放，西方藝術理論湧進中國，他也深受影響，還參加了當時的「85美術新潮運動」。相比起繪畫，他的攝影啟蒙其實更早，在父親的影響下學習，於1984年左右，18歲的他已嘗試將繪畫與攝影結合進行創作。對他而言，傳統藝術與西方的觀念藝術可以是並行不悖的，「我的攝影是跨媒介的，是不受到形式束縛的。」於1994年開始，他開始用繪畫與攝影記錄自己的觀念與行為，在赤裸的人體上繪畫，某程度上是一種禪宗崇尚自然的體現。

今時今日，裸體藝術對普羅大眾而言，仍是禁忌，當年黃岩創作《拆山水》系列攝影作品時，讓充滿山水畫的裸女站在油畫前拍攝，非常前衞。在繪畫裏注入當代元素，也在攝影這個媒介裏融入繪畫與行為藝術，這系列作品既象徵東西方藝術的對碰，又意味着傳統與現代藝術的融合，對黃岩而言，更是他對中國文化及身份的認同，成為他獨特的藝術商標。

《紋身烏托邦》

日期：即日至11月15日

時間：11am-7pm（星期日及公眾假期休息）

地址：西營盤皇后大道西189號SOHO 189地下獅語画廊

·原文見於果籽

Fine Art Asia 攝影展區

October 1, 2018October 1, 2018Posted in Exhibition, Photo NoteTagged Artify Gallery, Boogie Woogie Photography, 篆刻, 馬召其, F22 Foto Space, Fine Art Asia, Pekin Fine Art, 典亞藝博Leave a comment

2016年Fine Art Asia（典亞藝博）十週年之際，首次加入了攝影展區，今年已是第三屆，依舊由攝影機構Boogie Woogie Photography策劃，展出包括f22 foto space、Pekin Fine Art、Artify Gallery、香港大學美術博物館以及獨立映像空間（重慶）及Galerie Esther Woerdehoff（巴黎）等多間畫廊的攝影作品。

Boogie Woogie Photography (Hong Kong)_Adieu Philippine — 《再見菲律賓》，1962年。Raymond Cauchetier @Boogie Woogie Photography。

作為攝影展區的策劃者，Boogie Woogie Photography展出法國攝影師Raymond Cauchetier (1920年生) 的作品，這位自學成才的攝影師，曾在中南半島的擔任法國空軍攝影師，回法國後他與尚盧·高達及杜魯福等法國新浪潮導演成為好友，成為電影的攝影師，也拍攝下許多的60年代彩色攝影作品。

1162/37 — 《Santa Monica, California》1955年， Elliott Erwitt@f22 foto space

最矚目的作品當屬f22 foto space呈現的美國攝影師Elliot Erwitt的作品，現年90歲的他是Magnum Photos攝影師，1960年代後期曾擔任通訊社主席，在他超過半世紀的攝影生涯裡，重要作品包括美國總統尼克遜與蘇聯領導人赫魯曉夫1959年在莫斯科的重要會面、1961年瑪麗蓮夢露拍攝電影《亂點鴛鴦譜》的情景，以及1963年美國肯尼迪總統夫人在丈夫喪禮上的痛哭神情等，當然為人所知的還有一系列拍攝小狗及生活趣事的畫面。

Pékin Fine Arts_Steps at #24 Caine Road Hong Kong — 《香港堅道24號的樓梯》，1978年。Robin Moyer@ Pekin Fine Art。

Pekin Fine Art同樣有精彩作品，年逾七旬的美國攝影師Robin Moyer是位傑出的攝影記者，任職《時代》雜誌逾20年，曾在柬埔寨、阿富汗、菲律賓、漢城奧運拍攝，也曾紀錄過1989年的天安門事件，作品曾贏得世界新聞攝影獎（World Press Photo）等重要獎項。畫廊展出他多年來在中國拍攝的照片，以鉑金相片訴說逾40年的中國人文風景故事。

Pékin Fine Arts_The Weight of Oneself — 《自我的重量》，2017年，柳迪 @ Pekin Fine Art。

至於中央美術學院畢業的柳迪 (1985年生) 現居北京，他的作品以透過數碼後製而成，相片中的野生動物猶如卡通片角色一樣安坐於殘破的住宅區，又或是赤祼巨人棲身於自然環境，柳迪以超現實手法描探討中國大自然與城市生活之間的摩擦。

Hong Kong University Museum and Art Gallery_Hong Kong Harbour Queen_s Building, Central waterfront, and Kowloon Ferry Pier — 維多利亞港：皇后行，中環海濱及九龍碼頭， 1908年。Dezső Bozóky@香港大學美術博物館。

香港大學美術博物館展出了匈牙利籍海軍醫生Dezső Bozóky(1871–1957) 在110年前在香港拍攝的畫面，他以玻璃幻燈片紀錄了殖民地時期繁忙的維多利亞港及自然景觀。無獨有偶，Artify Gallery也有一位匈牙利攝影師Bence Bakonyi的作品，這位九十後曾在亞洲各國旅遊及拍攝，以影像探討自由等主題。同展館亦有馬來西亞攝影師Eiffel Chong的作品，透過平凡的生活細節，去探討生與死等抽象概念。