黃海昌《馬來西亞女傭》@ Art Basel誠品畫廊

 

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黃海昌《馬來西亞女傭》

連續兩天參觀Art Basel預展,一如以往不乏國際攝影大師作品,森山、荒木的作品老是常在日本畫廊出現,很開心見到Robert Mapplethorpe、張照堂、杉本博司、Cindy Sherman等個人頗為喜歡的攝影師,之前聞所未聞但有驚喜的攝影師也為數不少,孤陋寡聞今天才在誠品畫廊認識了馬來西亞藝術家黃海昌Wong Hoy-cheong)的攝影作品。

生於1960年的黃海昌曾留學美國,及後回到馬來西亞從事影像創作,他的作品既從自身出發,又非常關心社會議題。誠品畫廊展館展出兩部黃海昌影片與三個攝影系列相片,影片《狗洞》是父親的親身經歷,他在二戰時曾被日本憲兵抓到集中營,牢獄入口的大小正與狗洞相若,他真人演出父親那段死裡逃生的經歷;另一部裝置影像作品《再:注視》曾在2003年威尼斯雙年展展出,他在影片裡捏造一段馬來西亞曾經殖民奧地利的假歷史,在馬來西亞中產家庭客廳播出的電視節目中,奧地利人為追求更好生活到馬來西亞謀生,卻只能從事女傭、清潔工等工作,藉此反諷西方的殖民心態。

他的作品帶著黑色幽默,2008年曾在台北雙年展展覽的《馬來西亞女傭》系列攝影作品,有異曲同工之妙。如同在香港、新加坡、台灣一樣,菲律賓和印尼女傭在馬來西亞的情況也非常普遍,許多當地中產階級家庭都會僱用女傭,讓她們帶孩子上學、洗車、煮飯、照顧老人,然而許多女傭卻無法得到基本的人權,遭受禁錮及虐打的情況也時有聽聞。

在這系列作品中,他以staged photography的手法,將女傭化身為百變女超人,一時像聖母瑪麗亞一樣守護嬰兒、一時抱著小朋友一飛沖天趕上學,一時又變身暴風女招喚大雨洗車⋯⋯黃海昌用誇張及戲謔的手法道出這個社會常見的現象——當經濟越來越全球化時,不同國家對女性的剝削仍無時無刻在上演,《馬來西亞女傭》系列作品恍如「糖衣陷阱」,照片表面的搞笑有趣吸引了你的目光,然後在幽默中告訴你殘酷的真相。

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黃海昌《馬來西亞女傭》

【其他精選】

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荒木經惟作品
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Robert Mapplethorpe作品
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張照堂作品
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法國攝影師Jean Pigozzi作品
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越南藝術家Dinh Q. Lê作品
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美籍埃塞俄比亞藝術家Awol Erizku作品
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德國攝影師Candida Hofer作品
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美國藝術家Cindy Sherman作品
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美國藝術家Jeff Koons作品

Photography@Art Central

始於2015年,Art Central會打着衞星藝術博覽會旗號與Art Basel同期進行,在中環海濱臨時建築物內舉行。大會班底是Art Basel前身Art HK的搞手,首次舉辦時已吸引逾20個國家75間畫廊參與,來到第四屆更有102間參展,當中有逾十間畫廊展出攝影作品。昨日Art Central預展(今日27日開幕),「顯影」率先走遍全場,搜羅展館內攝影大師的作品,你又最喜歡哪一位呢?

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Emily Allchurch @ Karin Weber Gallery
  1. 英國攝影師Emily Allchurch透過攝影與拼貼,重現古典大師Pieter Bruegel 的《巴別塔》,去年她來香港後拍攝近萬張照片,最後挑選400多張相片拼貼成《Babel HONG KONG》。
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Michael Wolf 《Tokyo Compression》@ Flowers Gallery

2. 居住香港二十多年的德國攝影師Michael Wolf以系統性拍攝城市、社會議題見稱,這次他將鏡頭對準東京地鐵,在peak hour時間拍攝返工者擠進地鐵的畫面。

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Edward Burtynsky @ Sundaram Tagore Gallery

3.  加拿大攝影師Edward Burtynsky以拍攝受工業摧殘的景色照片而聞名,這張照片的荒蕪,令我想起早前被大火燒毀的南生圍。

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劉勃麟 @ Danysz Gallery

4. 中國藝術家劉勃麟的「隱形人」系列始於2005年,透過自身行為藝術般的影像,去帶出不同的社會議題。

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JACOB GILS @ IN THE GALLERY

5.丹麥藝術家JACOB GILS通過多重曝光結合移動錯位的照片,遠看猶如油畫。

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Cyril Delettre 《After Midnight》@ La Galerie – Paris 1839

6. La Galerie創辦人之一的Cyril Delettre同時也是一名攝影師,來自法國的他拍攝香港黑夜之後的景象。

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David Yarrow @ Moddox Gallery

7. 倫敦攝影師 David Yarrow 以黑白影像捕捉老虎等動物的完美神態。

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Thomas Struth 《Pergamon Museum II, Berlin》@ Gallery Hyundai

8. 德國攝影師Thomas Struth拍攝《Museum Photographs》系列多年,他說每個人觀看藝術品時的動作神態不盡相同,有人只是凝視、有人閱讀作品標示牌、有人聆聽導覽,他覺得有時觀眾與作品中的主題非常相似。

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高倉大輔 @ Tezukayama Gallery

9. 日本攝影師高倉大輔(Daisuke Takakura的《Monodramatic》系列作品,靈感來自電視劇中一人分飾多角的做法,在同一畫面內重複拍攝相同人物,合成有趣照片,很有戲劇感。

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10. Wing Shya《Sweet Sorrow》 @ Blue Lotus Gallery
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11. 蔣志 《悲歌之不舍》與《悲歌之命运之瑟》@ Caissa Besseiche (Asia) Art Center
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12. Erwin Olaf 《SHANGHAI》@ Danysz Gallery
 

國家地理攝影師Keith Ladzinski :做個負責任的旅行者

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去年保育組織Sea Legacy攝影師在北極圈拍攝到一隻骨瘦如柴的北極熊,最後更因食物匱乏而餓死。照片引起全球關注,再次證明全球暖化日益嚴重。《國家地理》雜誌攝影師Keith Ladzinski月前去格陵蘭島時,亦明顯感受到北極熊的數量在減少,他在當地的巨大冰川數日只見到三隻北極熊,a stark sign of over hunting and climate change heavily affecting the population of this mighty apex predator——他如此形容當時的感受。

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這位在Instagram上有逾百萬追隨者的美國攝影師,最近在中環展出慈善攝影展「A Fragile Planet」,展出三十多幅他在世界各地拍攝地球面貌的作品,透過美麗的照片去提醒世人地球其實很脆弱希望喚起大眾保育地球的意識。多年來在七大洲拍攝,他深深感受到地球環境正變得越來越差,他曾見過許多企鵝的屍體,這令他感受非常痛心。

當日他出席在香港的首次個展,一來就被問到會不會擔心自己的照片鼓勵更多人去旅行而破壞了生態。坦言現代人的碳足跡的確比以往更多,「旅行可以開闊視野,無可否認我的相片也鼓勵了某些人去體驗生活,但同時間也傳遞出愛護環境的訊息。最重要是我們應該做一個負責任的旅行者,每個人做出一點改變,去令環境減緩及停止惡化。」他舉例自己曾多次在不同的國家公園見到遍地垃圾,這令他很傷心,「這是非常不尊重大自然的行為。」這亦更令他明白作為一個influencer,傳遞正確的訊息是多麼重要!

由極限運動到大自然

Keith Ladzinski說自己最愛拍攝大自然,看他那些上天下海的相片,少一點冒險精神也無法完成。事實上他的冒險基因早在年輕時已種下,1990年代時他很喜歡玩滑板,當時他用哥哥的相機拍攝滑板運動,出來的效果令他很震撼,於是買了一部二手Pentax K1000相機。「我不是為了投身攝影才買相機,而是拍攝滑板這件事很有趣,慢慢才培養出來攝影的興趣。」 

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在美國西部科羅拉多州長大,當地周圍都是崇山峻嶺,有次在《國家地理》雜誌讀到一篇四個美國人去巴基斯坦攀岩的故事,也啟發他愛上這項運動,他一位好朋友帶他去攀岩,沒想到Keith Ladzinski摔下來弄傷了頸部。「當時我正職是程式員,偶爾幫滑板及旅行雜誌拍攝,有日我收到一間雜誌邀請拍攝一個攀岩的故事,當時我傷患仍未恢復,但還是接受了工作。」之後他被公司遣散,正好踏上全職攝影師之路,最後更成為《國家地理》雜誌攝影師,也成為RED BULLNIKON等廣告商的常客。

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拍攝極限運動與大自然是兩種截然不同的經歷,他說拍攝極限運動時要有passion,而拍攝大自然則要學識patient,有時甚至要徒步幾日才能拍攝到一張相片。在拍攝一幅海星的作品時,平時拍攝極限的打燈技巧也有用武之地,他用四盞燈照亮黃昏時海裡的海星。相片中的海星被綠色海葵包圍,2013年以來,太平洋沿岸的海星大量死亡,科學家們懷疑是海洋溫度上升所導致。這也是攝影師在策展時經常思考的問題,如何透過一張相片去講述背後的訊息。

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A Fragile Planet——Keith Ladzinski攝影展

日期:即日起至2018526

時間:11am至8pm (星期二至六) 10am至7pm  (逢星期一)

地址:中環雲咸街4044號雲咸商業中心29The Haven by Jacada Travel

 

PS:主辦單位Jacada Travel舉辦以#AFragilePlanet為主題的Instagram攝影比賽,呼籲大家分享自己在世界各地拍攝的相片。由即日起至5月31日,在Instagram上傳自己拍攝的大自然風光,並加上主題標籤,就可以參加比賽。比賽得獎者將會獲得一本由Keith Ladzinski親自簽名的《A Fragile Planet》相冊。

(二)From Martin Parr To Hong Kong Parr

「數碼年代下誕生很多攝影師,同時也出現很多垃圾照片。攝影不是為了按下快門而出現,而是為了表達想法、傳達思考。」

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Martin Parr是馬格蘭攝影通訊社 (Magnum Photos)攝影師,也曾擔任通訊社主席。他的攝影生涯始於1970年代,從英國本土出發,多年來在世界各地不同城市拍攝,食物、人像、消費文化等,將藝術與紀實共融於同一鏡頭之下。

他沒有像通訊社的前輩們一樣走進戰爭場地或貧窮地方,而是在那些看似再普通不過的地方拍攝人們的生活百態,他的照片色彩鮮豔,往往帶有詼諧及諷刺意味,看似隨意又不乏趣味點。他鏡頭下的每個城市都充滿幽默感,所以當他將鏡頭瞄準香港時,便可見廣東道的自由行、街市的豬肉佬、馬場的馬迷等畫面。

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小時候的Martin Parr在業餘攝影師爺爺的耳濡目染下對攝影產生興趣,1970年,他在前稱Manchester Polytechnic的曼徹斯特都會大學學習攝影,並於不久後成為職業攝影師。那個年代彩色攝影雖已誕生,但攝影藝術創作仍以黑白照片正宗,他早期的作品集《Bad Weather》(1982年)也是以黑白菲林拍攝。

1976年,美國攝影師William Eggleston在紐約現代藝術博物館(MoMA)的彩色攝影個展,開始改變業界對彩色攝影的偏見,與Stephen Shore等人一同掀起彩色攝影革命。遠在大西洋另一端的Martin Parr也深受影響,他在1982年開始拍攝彩色照片,並將其帶入紀實攝影。

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他並不在乎Robert Frank等人推崇黑白攝影的論調,他認為紀實攝影不應有黑白或彩色之分,最重要的是照片如何講述故事,而他覺得彩色攝影能更好地展示色彩繽紛的世界。1986年,他出版第一本彩色攝影集《The Last Resort》,也幾乎是在這段時間,他停止拍攝黑白照片,直至現在。

即使是紀實攝影,他也沒有追隨前人的腳步拍攝社會運動那千鈞一發的場面,反而將鏡頭聚焦在瑣碎之事,沙灘、人群、食物、奇異表情,這些照片色調濃烈,往往令人忍俊不禁。與其他攝影師的宏觀及探索社會議題的作品相比,Martin Parr的照片自然顯得媚俗,有人說這些照片低俗、有人說帶有批判性,惹來不少爭議,以至後來1994年他加入馬格蘭時,通訊社裡仍有不少反對聲音。

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然而在他看來,紀實是非常主觀的事,他時常舉的例子是,在大雪紛飛的夜晚拍攝,一張使用閃光燈,另一張用慢快門拍攝,結果是截然不同的畫面,究竟哪個才是真實?所以他並不在乎那些評論與解讀,他只是繼續以自己的方法去拍攝,去呈現他所見到的真實。那麼當他來到香港,所拍攝的又是哪一種真實呢?

一座城市有很多種面貌,在攝影師Michael WolfRomain Jacquet-Lagreze眼中是密不透風的石屎森林,同時又是充滿人情味與活力的社區。Martin Parr鏡頭下的香港,是實實在在的生活場景,人們在墳場拜山、在景區拍照、在渡輪上看報紙、在廣東道的名店門外排隊、用望遠鏡在馬場觀看賽事。生活在這城市裡的人對這些畫面司空見慣,不要說專程拍攝了,甚至連駐足觀望的慾望也沒有,他卻以敏銳的觸覺捕捉下來,呈現他所看到的香港城市生活。

這些照片某程度上也延續Martin Parr的風格,乍眼望去平平無奇,是生活中熟悉的場景。當仔細觀賞時,卻又隱隱發現畫面中的趣味點,走神的眼睛、旅行社裡的「此處不換零錢」指示牌、名車與清潔工人所象徵的貧富懸殊、名店外的自由行遊客,無不充滿著幽默感或諷刺意味。

他說這次香港之行共拍攝3,000多張照片,僅挑選當中約30張集結成攝影集《Hong Kong Parr》,並結合《The Last Resort》及《Luxury》兩個系列舊作在香港舉辦首個攝影展。

Martin Parr曾在2014年於黃竹坑BLINDSPOT GALLERY舉辦香港首個個展《Hong Kong Parr》。相片鳴謝刺點畫廊

香港VS東京:誰的夜景更迷人 ?

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香港與東京的夜景,你覺得哪個更迷人?

答案相信是各有所愛。相比起在東京鐵塔或太平山頂感受夜景的壯觀,我反而更喜歡在涉谷或油麻地感受都市霓虹的另類夜景。

許多旅居香港的攝影師,都被石屎森林式的密集建築所吸引,德國攝影師Michael Wolf、澳洲攝影師Peter Stewart、法國攝影師Romain Jacquet-Lagrèze等,在他們的作品裡都能發現那種密密麻麻的大廈夜景,呈現出生活空間的壓迫感。

同樣來自法國,現年31歲的攝影師Nicolas Jacquet卻更喜歡香港人的地道生活。原本畫畫的他,2009年來到香港後轉而愛上攝影,因為他覺得香港的活力本身就是一件龐大的藝術品。他想透過攝影去呈現他這個城市的色彩繽紛,以及街頭的繁華與生命力。

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東京·黑夜之後

Masashi Wakui 

喜歡東京可以有千萬個理由,但最迷人的東京,發生在夜晚。看過日本攝影師Masashi Wakui的作品,大概便能體會。這位自學成才的攝影師今年40歲,2012年才拿起相機咔嚓咔嚓,姍姍來遲卻隨即深深愛上,並很快找到方向,將入黑之後的東京角落定格。

東京無疑是Masashi Wakui的靈感源泉,不過這位夜鶯攝影師甚少拍攝東京白天,往往都在入黑後才出動。當一般商店關上大門,居酒屋的霓虹燈及燈籠亮起之時,這城市才開始有他的足跡,從涉谷到新宿再到板橋,用一部Sony RX100或Ricoh GR漫遊捕捉,去尋找那些私密而又真實的角落。

居酒屋通常隱藏在巷弄之間,霓虹燈的彩色與燈籠的微暗燈光,在寂靜的場景中營造出一絲色彩繽紛。 事實上他喜歡色彩更飽和的畫面,經過後期處理相片色彩後,他鏡頭下的場景也充滿了動畫感及超現實。

PS:想了解更多Masashi Wakui與Nicolas Jacquet的作品,可到中環PMQ的YellowKorner(S101室),畫廊正展出包括他們在內的Pop Up展覽《Night Lights》。

香港光軌:國家地理x會德豐攝影大賽精選

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「香港未來」組別第一名周子皓的《流光歲月》。

光軌(Light Trail)是拍攝夜景的常見手法,利用長時間曝光捕捉汽車光線在畫面上形成的光軌。很多人將光軌攝影視為light painting的一種,其實也不無道理,只是繪畫的對象由人變成在城市中穿梭的汽車罷了。不過說到底,光軌只是一種拍攝手法,重要的始終是畫面所呈現的內容。

最近在金鐘廊Wheelock Gallery展出的「2017 國家地理會德豐青年攝影大賽」得獎作品,就不約而同出現了兩幅在車廂內拍攝的光軌相片,一幅是「香港人和事」組別第三名莊俊傑的《那夜凌晨,我坐上了開往時光隧道的紅VAN》,以及「香港未來」組別第一名周子皓的《流光歲月》。

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「香港人和事」組別第三名莊俊傑的《那夜凌晨,我坐上了開往時光隧道的紅VAN》。

莊俊傑說靈感來自常見的光軌作品以及港人常乘搭的小巴,搭過深宵小巴的乘客都深有體會,司機們時常視速度如無物,開得奇快。本應是提心吊膽的時刻,處變不驚的香港人卻早已習以為常,有人玩手機、有人在睡覺⋯⋯而他正好捕捉下這個奇妙的畫面,畫面中震動的光線,彷彿令人錯覺進入了時光隧道。

至於另一幅作品《流光歲月》也相當貼題。攝影師周子皓參加的是「香港未來」組別,他覺得在港島服務逾百年的電車見證了香港發展,至今仍屹立於此,縱使未來如何變化,他亦希望電車仍能在港島的城市版圖上繼續前進。

大會評審之一的香港生態攝影師蘇毅雄(Samson)說,作品兼顧了美感及故事性,「讓大家從不同角度去認識香港的自然景觀和城市光影,感受香港社會的脈搏和動力。

PS:「2017 國家地理會德豐青年攝影大賽」由《國家地理》雜誌與會德豐地產在去年尾合作舉辦, 以「香港地,人和事」為主題,比賽分為香港地、香港人和事、香港未來、手機組共四個組別,吸引來自13個國家地區的3,518件作品參賽。得獎作品正於金鐘廊 Wheelock Gallery(即日至226日)及將於尖沙咀海港城‧美術館(228311日)展出。

更多得獎作品:

「香港人和事」組別第一名——黃俊鏗《香港精神》

「香港人和事」組別第二名——JOAN PABONA《SACRIFICE》

「香港地」組別第一名——李世傑《晨霧》

香港地組第二名
「香港地」組別第二名——潘志良《水鄉情懷》

香港地組第三名
「香港地」組別第三名——梁振邦《夕陽下的繁華》

「香港未來」組別第二名——梁志勇《黑暗中的曙光》

香港未來組第三名
「香港未來」組別第三名——林希然《脈衝》

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註:所有圖片由《國家地理》雜誌提供。

謝至德 回歸前後的香港面孔

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來到JCCAC地下的畫廊空間,攝影師謝至德正在沖茶,與展覽的名稱《萬念叢生》一樣,彷彿都帶著禪意。他笑著說,「叢生是因為《香港面孔》是我創作的第一輯相片,現在回想,也是最喜歡的一輯。」

謝至德近三十年的攝影生涯創作了逾40個系列的作品,他80年代開始攝影,1993年成為報社的攝影記者。回歸前夕,外國傳媒爭先來到香港,拍攝殖民地的最後歲月。當時很多關於香港的影像都帶有濃厚的政治色彩,但卻不是他所熟悉的香港。「這啟發了我去影這一輯相片,算是留給香港人吧,畢竟那年代的香港是很有味道的。」

《香港面孔》共有逾50幅作品,全是黑白的菲林相片,拍攝對象基本上是很市井的平民百姓,可謂90年代的香港街頭眾生相,放在講求集體回憶的當下,份外有共鳴。這輯相片與他後來的作品很不同,構圖不是很唯美的,但是一整排黑白相片的impact卻很大,巧妙地帶出那個年代的氣氛,有些許張照堂的感覺。

謝至德說自己其實也有受張照堂及阮義忠等台灣攝影師影響,欣賞他們拍攝的動機,以鏡頭紀錄台灣的人文與鄉土氣息。「我自己很少去外地拍攝,因為我覺得會少了一份自身對一個城市的關懷。」這種關懷恰恰是最令人有共鳴的。

共鳴的除了是那些年,也因照片裡隱藏的趣味點。細看相片,人人直視鏡頭,試過在街頭拍攝的人便知道,這絕不簡單!所以忍不住要問他是如何做到的?

「有時覺得是他們選了我,令我覺得非影不可。」其中一幅作品是兩爺孫一齊過馬路,孫女戴著黑超,爺爺挽著書包,見到如此有趣的畫面,他飛快地跑到對面馬路,立即蹲下拍攝。另一張雀仔街的照片也是由類似的直率情感所驅動。最初我還以為是園圃街雀鳥公園,後來才想起舊的雀仔街在康樂街,即朗豪坊的前身。「當時拍攝這些相片時也沒想過要去呈現什麼東西,但恰好紀錄了歷史,亦能反思我們社會的發展。」   

現在人人隨時隨地能影相,許多人開始對影像麻木,越是這樣的時代,其實越需要一些打動人心的相片,《香港面孔》正正是這樣的作品。相比起instagram上那些唯美主義但空泛的照片,我更加推薦你看這系列構圖未必很完美的作品。

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展覽詳情

《萬念‧叢生》謝至德個展一部曲

展覽日期:即日至2018年2月14日

展覽時間:星期一至五 – 下午1時正至晚上8時30分

                   星期六及日 – 上午11時正至晚上8時30分

展覽地點:九龍石硤尾白田街 30號 賽馬會創意藝術中心JCCAC L0藝廊

PS:謝至德個展二部曲《萬念‧歸寂》將於4月份在中央圖書館展覽館展出!

香港街市貓 Marcel Heijnen

貓咪的嗲人與可愛,大概沒有人抗拒得了,有時傻更更的行為,又會令人忍不住笑。難怪人人說貓咪是治療系動物,心甘情願當貓奴,身邊亦有攝影師朋友常常為喵星人留倩影。來自荷蘭的設計師Marcel Heijnen更甚,年逾五十的他自小與貓咪相伴,稱他為資深貓奴也不為過。他在亞洲居住超過廿年,九十年代曾旅居香港,後來去了新加坡,闊別十八年後,在2015年再次以香港為家。

養貓幾十年,早些年在新加坡時也有貓咪相伴,重返香港搬至西營盤時,卻缺乏了貓咪陪伴,幸好這區周圍都有貓貓蹤跡。西營盤許多老店都有養貓,有次經過見到可愛的貓咪,就用電話拍下,相片在社交網絡獲得不錯迴響。經常在該區遊走,Marcel Heijnen很快與幾隻貓咪熟落了,一隻又一隻,一間又一間,慢慢地他越影越多,甚至有出版商建議出影集,去年尾他出版了第一本貓咪影集《香港舖頭貓》(Hong Kong Shop Cats),當時連英國《衛報》網站都有介紹,也舉辦了攝影展。

Marcel Heijnen說單靠貓咪的神情與動作,其實還不夠有趣,照片的背景才令整個畫面生動。貓咪藏身在店舖裡,往往也未能立即發現;有時主人與貓的互動,也令畫面充滿趣味。況且,這些老店的背景也記錄了香港的地道生活。這樣的場景香港人或者習以為常,不過對Marcel Heijnen來說卻相當有意思。他說很多城市都禁止在店舖裡養貓(當然香港的商場也沒有),從來沒見過一個城市有這麼多舖頭貓,牠們在店舖都像大爺般寫意,時而在店舖內追逐,時而熱情地逗得客人樂開懷。

晃眼一年,最近他帶來第二本貓咪影集《香港街市貓》(Hong Kong Market Cats),並在西營盤舉辦攝影展。當初拍攝舖頭貓時,他並沒有特別細分舖頭與街市,不過隨著作品日積月累,這位貓咪星探也有新的想法,據知他仍會出版一本《香港後巷貓》(Hong Kong Ally Cats)。

踏足過旺角、大埔的露天市集,上環、九龍城、堅尼地城的街市及油麻地果欄等,Marcel Heijnen說街市貓與舖頭貓不同,大多是流浪貓,自由出入來去無蹤,比較怕陌生人,也不及舖頭貓那麼親密及友善,靠近拍攝時貓貓往往會匿藏在隱蔽的地方。街市環境雖然比較雜亂,但反映的同樣是好local的香港生活,而且人與貓之間亦有種微妙的關係。攝影集封面的照片是一位豬肉佬與小貓肥妹,身材魁梧的豬肉佬與溫柔的小貓對望,那種畫面太有愛,還真是超級治癒系!

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