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William Klein 遊走時尚與紀實

September 13, 2022September 13, 2022Posted in 香港Tagged Alexander Liberman, 紀實攝影, Fernand Léger, new york, VOGUE, William Klein, 時尚攝影

美國攝影師William Klein是屈指可數在紀實攝影及時尚攝影範疇均取得出色成就的攝影師，他與Robert Frank一同被視為是街頭攝影之父，對攝影界有重要影響力。William Klein日前 (9月10日)逝世，終年96歲。

1928年，他出生於紐約一個貧窮猶太家庭，天資聰穎的他兒時已嶄露頭角，年僅十四歲以進入名校紐約市立學院 (City College of New York) 修讀社會學。二戰後，美蘇進入冷戰時期，18歲時的他應徵入伍駐紮德國，後來被派至法國。1948年，從軍兩年後退伍，當時他並沒回到美國，而是進入巴黎索邦大學，跟法國畫家Fernand Léger學習繪畫。他對抽象畫和雕塑深感興趣，做過短時間職業畫家後，已成功在米蘭舉辦兩次個展，並開始與建築師Angelo Mangiarotti合作做建築設計。

1950年代初，他接觸攝影後便迷上這藝術，雖沒受過任何專業訓練，但有紮實藝術根基的他，起初嘗試將繪畫的抽象想法融入攝影，後來發現攝影能記錄真實世界後更為著迷。1954年，《VOGUE》雜誌藝術總監Alexander Liberman在巴黎看見他的動態藝術作品(Kinetic art)後，被他的天賦深深吸引，於是說服他為雜誌擔任攝影師。就這樣，他回到紐約開始攝影生涯。William Klein以大膽、前衛的藝術風格拍攝時尚攝影作品，為時尚拍攝注入街頭活⼒，以人來人往的街道映襯華麗雲裳，將⾼級時裝從攝影棚帶到現實世界中。

在為《VOGUE》雜誌拍攝時尚照片的同時，William Klein也在紐約開始拍攝街頭攝影，相比起其創新(如Light Painting)的時尚影像，他的紀實作品更有一種原始的力量，高反差、粗微粒的黑白照片，有時甚至曝光不準或模糊。1956年，他將照片結集成攝影集《William Klein: Life is Good & Good for You in New York》，隨即在攝影界引起轟動，由於這些影像挑戰傳統攝影的規條，初時曾受到評論家和其他攝影師的批評，後來卻被視為經典。

《New York》一書令他聲名大噪，不但贏得Prix Nadar法國攝影出版物年度大獎之餘，也奠定別樹一幟的攝影風格，影響無數後來者，包括將這種風格發揚光大的森山大道。之後，他還拍攝羅馬、莫斯科及東京等城市，儘管在《VOGUE》雜誌任職攝影師達十年之久，但他從不認為時尚攝影是他的職業，他真正喜歡的，是在羅馬等城市所拍攝的樸實而自然的照片。

1960年代，他開始嘗試電影創作，在1965年辭去雜誌工作後，將精力更多地投放到電影，拍攝拳王《Muhammad Ali》等近二十部電影及逾250部電視廣告。1980年代，他重回攝影之路，這時他的舊作重新得到世人認可，作品被紐約現代藝術博物館、倫敦泰特現代藝術館、巴黎龐比度中⼼等重要藝術機構收藏，1995年出版的《New York 1954.55》，更被譽為是二十世紀的重要攝影集之一。

同是畫家的William Klein，另一為人所津津樂道之處，是他在1980年代回顧早期作品時，在菲林底片 (Contact sheet) 上用顏色筆圈出合適的相片。他說一般攝影師只會呈現已挑選好的照片，而底片印樣則可見到攝影師拍攝時的猶豫、失敗及選擇，令人見到相片前後的對比。每位攝影師的挑選方法均不盡相同，而William Klein則直接在底片印樣上繪畫，最後演變成《Painted Contact Sheets》作品(「顯影·書櫃」有售)。

無獨有偶，尖沙咀f22 foto space近日正舉辦William Klein攝影展《Style/別樹⼀格》，哪想到在展覽開幕前夕， William Klein恰好撒手人寰，這個展覽正是再次認識William Klein作品的好時機。

William Klein《Style/別樹⼀格》

日期：2022年9⽉15⽇起

時間：11am-7pm (星期⼆⾄日)

地點：尖沙咀半島酒店商場BW11及13號f22 foto space

岑允逸攝影集《某座》反思香港公共屋邨的怪異現狀

September 6, 2022September 6, 2022Posted in 香港, HK PhotographerTagged 香港攝影師, 屋邨, 岑允逸, 攝影集, 攝影師

香港樓價全球數一數二，公屋成為許多草根階層的避難所，很多居於劏房的人，最大願望就是入住公屋。香港的公共房屋政策，與1953年石硤尾寮屋區大火不無關係，自此政府在港九各地興建一幢幢徙置大廈，1960年代推出廉租屋，1970年代的公營房屋開始引入社區規劃的元素，屋邨內通常設有商場、休憩公園、學校等配套設施。根據房委會2022年的數據，香港有逾210萬人口居於公屋，在《某座》(Blocks) 推出之際的2014年，正是攝影師岑允逸在公屋居住三十週年，加上此前公屋的種種翻新及重建，促使他以攝影為媒介探討公共屋邨議題。

1994年，岑允逸在理工大學獲得攝影設計(榮譽)學士，曾任攝影記者逾十年，現為獨立攝影師。他的作品被香港文化博物館等機構收藏，也曾出版多本攝影集，包括《一人生活》(2007)、《係‧唔係樂園：岑允逸攝影作品》(2008) 及《某座》(2014)等。《某座》的誕生，一方面是他在公屋居住多年的經歷與啟發，背後也與香港公共屋邨的政策及變化息息相關。

千禧年代，香港的屋邨靜悄悄地發生改變，一方面是「領匯」接管屋邨商場的經營及管理權後引入連鎖集團商店，加租令許多街市商販及小商戶無奈結業，美其名為「提升生活質素」，其實是剝削屋邨居民的選擇權，令屋邨商場逐漸變得一式一樣。另一方面，公屋的設計及配套也有逐漸向屋苑看齊的意味，老舊的屋邨髹上鮮豔的顏色後，從外觀看恍如充滿活力的遊樂場 (最經典的例子大概是彩虹邨，已成為打卡聖地)，然而卻無法掩蓋另一個無可否認的事實：如低收入及人口老化等。

從2008年至2014年，岑允逸穿梭在各個屋邨拍攝，有他成長的順安邨、重建前的牛頭角下邨，還有坪石邨、東頭邨、白田邨、南山邨、彩雲邨、蘇屋邨、沙田圍邨等，既拍攝建築物的外牆、錯落有致的空間，也拍攝牆上的壁畫圖案、屋邨的植物，記錄下屋邨的千奇百怪。他並非拍攝建築物的美感，而是捕捉環境的氛圍，被鐵欄圍起的樹木、詭異的裝飾品、斑駁的油漆、沒有深思熟慮的人工地景……有時荒誕、有時卻帶點超現實。攝影師坦言無意為公屋設計做考查，而是透過《某座》回視自己的過去，用攝影與空間、建築物對話，以冷靜、客觀的角度帶領觀眾進入大家既熟悉又陌生的屋邨，促使觀者思考居民與屋邨空間的微妙關係。

在其鏡頭下，順安邨一座髹上鮮豔綠色的乒乓球檯，乍看之下令人想起美國導演Wes Anderson的電影畫面，細看又會發現鮮豔顏色與斑駁的地面形成強烈對比，即便乒乓球檯被髹上奪目的顏色，依然無法改變無人問津的事實。岑允逸刻意以冷峻的Deadpan風格，為公共屋邨留下一個個客觀記錄，他的鏡頭不見屋邨的「人情味」或懷舊情懷，甚至缺乏人的元素，用一種相對抽離的角度去拍攝，這也是攝影集以《某座》命名的原因。

羅蘭巴特說，「風景相片（城市或鄉野）應是可居，而非可訪的。」岑允逸笑說他的照片是不可居的，時下的社交平台盛行在屋邨打卡的照片，這種所謂的趨勢表面上只追求一張漂亮的相片，卻無意了解屋邨所面臨的處境及問題。誠然，每個人對香港的認同建基於不同層面與角度，岑允逸認為喜歡一座城市不是只談及其優勝之處，也不應過份投射一種美好的畫面，反而是因為真正熱愛這片土地，才會對這座城市提出批判與反思。「愛一個地方不是將那份情懷無限投射在身邊的事物中，更不應將部份情感膨脹，愛一個地方要懂得批判。」

PS：順安邨乒乓球檯這幅作品現於黃竹坑畫廊聯展《我城 / My Hong Kong》展出，現場也可購買《某座》攝影集。

《我城 My Hong Kong》

日期：2022年9月3日至10月1日、10月11日至15日

時間：下午2時至7時 (星期二至六)

地址：黃竹坑道56-60號怡華工業大廈8樓 The Loft

《In The American West》——Richard Avedon歷時六年拍攝美國西部人像

May 22, 2022June 23, 2022Posted in 香港

在美國著名時尚及人像攝影師Richard Avedon (1923–2004) 逾六十年的攝影生涯裏，曾為無數演員、歌手及藝術家拍攝人像，單是他鏡頭下的美國總統，已有甘迺迪、卡特、福特等。若說他最重要的人像作品系列，無疑是在1979年至1984年間拍攝的《In The American West》，他用六個夏天的時間在美國中西部多個州份拍攝752位西部人，結果僅123幅作品在德州Fort Worth的Amon Carter Museum展出，同名攝影集也僅收錄一百餘人的肖像。《In The American West》是一本史詩般的著作，也是二十世紀最重要的攝影集之一，深深影響無數攝影創作的後來者。

Richard Avedon年少時已對攝影感興趣，家中的Kodak Box Brownie相機滿足他對世界的好奇心；在紐約讀高中時，他已與後來的美國作家及社會活動家James Baldwin合作編輯文學雜誌，還獲得「桂冠詩人」的稱號。年輕時，他已覺得護照相片很漂亮，對於人像攝影的熱愛，最早可追溯至二戰時期。1942年，十九歲的他加入商船（民間商船在戰爭時可被軍隊徵用）的攝影部門工作，每天工作就是為航海員及士兵拍攝證件照片，到他真正成為攝影師時，估計已經拍攝過十萬張臉孔。

1944年，21歲的他成為一名自由攝影師，同時跟隨《Harper’s Bazaar》雜誌藝術總監Alexey Brodovitch學習攝影，兩年後進入這本著名時尚雜誌任職攝影師。他原本喜歡在戶外拍攝時尚影像，Alexey建議他將人像攝影的那種真誠融入時尚照片，從此開創他別樹一幟的時尚攝影。Richard Avedon很快成為《Harper’s Bazaar》雜誌首席攝影師，同時成立攝影工作室為《Vogue》、《Life》及《Look》雜誌拍攝。1962年，他跟隨著名時裝編輯Diana Vreeland的步伐，加盟另一時尚雜誌《Vogue》，1970年代及1980年代雜誌的多個封面，均是由他操刀。除了時尚拍攝工作，他在1960年代也拍攝過當時如火如荼的民權運動、越戰示威、精神院病人，以及後來柏林圍牆的倒塌。

《In The American West》

時間來到1978年，55歲的Richard Avedon已是行內數一數二的著名攝影師，不但在大都會藝術博物館 (The Metropolitan Museum of Art)舉辦回顧展，也成為首位登上《Newsweek》雜誌封面的攝影師。他的作品也引起德州Amon Carter Museum注意，這間博物館藏有許多十九及二十世紀的西部照片，當館長Mitchell A. Wilder見到攝影師在蒙大拿州拍攝牧場騎馬師的照片時，隨即產生濃厚興趣，於是委託他在美國西部拍攝人像，並於1985年在Amon Carter Museum舉辦展覽《In The American West》，這些作品也成為博物館的永久收藏。

《In The American West》是美國攝影的里程碑，也是Richard Avedon最重要的作品。他的西部印象不見傳統的田園風光，只有身處白色背景下的一位位平凡人物，打破世人對美國西部人的典型印象。攝影師與兩位助手及隨行人員Laura Wilson（也是攝影師），帶著Deardorf大片幅相機、8×10吋菲林以及9×12呎的白色背景紙，穿梭在德州、內華達州、新墨西哥州、達科他州等美國中西部的不同州份，尋找合適的拍攝對象。那時候尚未有互聯網，生活在這些地方的人們，基本上從未聽說過Richard Avedon的名字，攝影團隊以真誠說服人們出現在他的鏡頭前。

有次他們在奧克拉荷馬州看見一位肩上背著鋪蓋的人在公路上徒步，這引起眾人的注意，於是邀請他上車，得知他甚少在任何城鎮久留，大半生總是不停地遊走，這種「On The Road」的精神令他們印象深刻。當時團隊在公路邊的一間咖啡館外牆黏上白色牆紙，拍攝下這位雙手交叉於胸前的流浪者。

Richard Avedon選擇在沒有陽光直接照射的地方拍攝，避免強烈的光線凸顯臉孔的輪廓，從而影響攝影師拍攝時的判斷。他從不指導被攝者如何擺動作，也沒有使用閃光燈，有的僅是白色的背景，以及一位他深感興趣的人物。當被攝者從身處的環境抽離出來，觀者會更容易觀察到他們的表情與動作，Richard Avedon認為身體與動作同樣非常重要，也能揭示被攝者的經歷與情緒，因此他只在溫暖的夏天拍攝，畢竟在冬天時，人們的身體總會被厚厚的衣服所包裹。

_{德州聖安東尼奧Bexar Country Jail，Jesus Cervantes & Manuel Heredia，1980年。}

在拍攝過程中，Richard Avedon總是站在相機旁邊，而非站在相機觀景器後面拍攝，因此他要等到相片沖曬出來後才知道拍攝的畫面。如此一來，擅長與人溝通的他，可即時留意拍攝者的表情與動作，也更易察覺對方的內心情緒，感受與被攝者之間的微妙情感。雖然他無需親自拍攝，不過相機擺放的位置及高度、與拍攝者之間的距離，仍需由他決定。這種多人合作的拍攝模式，可使拍攝過程更快速，因為他深深明白，一般被攝者集中的時間往往是有限的。

Richard Avedon鏡頭下的人物，均是平凡無奇的西部人，以及那些被世人忽視的人們，油田及屠宰場工人、礦工、搬運工人、新墨西哥州精神病院病人。在德州聖安東尼奧拍攝紋身師時，他們得知最好的紋身師均在監獄裏面，於是千辛萬苦取得許可進入監獄拍攝。裏面的犯人大多是墨西哥裔人，他們的紋身總與宗教信仰相關，攝影團隊發現身處兩位不同牢房的犯人，他們互不相識，然而他們的身高、背景甚至紋身均很相似，於是他們將兩幅相片並置，創作成一幅「雙聯畫」。

_{左：John Malkovich致敬之作。/ 右： Richard Avedon原作。}

若說《In The American West》中最廣為人知的一幅作品，無疑是養蜂人Ronald Fischer，攝影師Sandro Miller與演員John Malkovich創作的《Homage To Photographic Masters》系列，也復刻過這個經典造型。1981年，Laura Wilson兒子說起在學校看見一位「蜜蜂鬍鬚」（Bee Beard）的養蜂人，Avedon助手聽聞後立即深感興趣，還構思出滿佈蜜蜂的畫面。他們在學校建議下，在養蜂人刊物詢問是否有養蜂人有興趣拍攝，接著幾天他們收到四十多張不同相片，其中一位名為Ronald Fischer的養蜂人引起團隊的注意，於是聯繫他進行拍攝。

拍攝當日，他們邀來昆蟲學家在被攝者的胸前及頸部蘸上蜂后外激素的液體，氣味吸引蜜蜂在養蜂人的身體停留。在兩日時間裏，團隊分三次共拍攝121張照片，有些照片明顯可見養蜂人被螫後的痛苦表情，最後他們選擇一張養蜂人習慣被螫的照片，Ronald Fischer泰然自若地望向鏡頭，在白色背景下的襯托下尤其震撼。

創作《In The American West》期間，攝影師Laura Wilson與Richard Avedon一起工作六年，她以旁觀者及參與者的角度，詳細記錄這系列作品誕生的過程，展示Avedon如何工作、選擇、與被攝者互動，仔細觀看拍攝者的臉孔及軀體，甚至實驗性及拍攝失敗的時刻。前面提及這些照片背後的故事，均收錄在她於2003年出版的《Avedon at Work》一書，也是了解《In The American West》創作過程的天書。

攝影界梵高 Vivian Maier

May 3, 2022May 3, 2022Posted in 香港Tagged DIANE ARBUS, 顯影, FINDING VIVIAN MAIER, JOHN MALOOF, puisuk, ROBERT FRANK, ROLLEIFLEX, VIVIAN MAIER, 攝影界梵高Leave a comment

一位保姆在40年間拍攝逾15萬張菲林照片，生前從沒與人分享，甚至沒有沖曬出來；死後這批照片被收藏家公諸天下，在業界引起巨大迴響，各種稱讚欣賞之詞接踵而至，更被譽為20世紀最偉大的攝影師之一。是的，Vivian Maier的故事很像梵高，她的才華橫溢也是死後才被人發掘，不同的是，她根本不嚮往任何頭銜，事實上大多數照片甚至連她自己也沒有看過，她只是愛攝影，並沒想過要改寫攝影史。或許，正是她生前的平淡，增加死後的戲劇感，當世人發現她的天賦時，才驚現原來攝影界也有一位梵高。

原是保姆

Vivian Maier的身世並不為人所熟知，即使後來她聲名大噪，關於她的經歷，也並非太多。1926年，Vivian Maier生於紐約，童年在法國一個小村莊上度過，1951年她回到紐約，當過工廠妹，後來到芝加哥當保姆，一做就是40年。她曾在好幾個家庭中當保姆，沒有結婚，也沒有子女，個人物品便置放在顧主家中。根據她曾經看護過的孩子回憶，Vivian Maier是一個女性主義者，喜歡看戲劇，時常拍攝照片，但卻從沒向任何人展示過。

在賣掉法國村莊的農場後，她曾利用這筆錢到曼谷、北京、埃及、意大利等地方拍攝照片，足跡遍及三大洲。結束保姆的生活之後，晚年的她曾試過無家可歸，幸好早年她看護過的一對兄弟給她在郊區買下一套公寓。2008年，她摔倒撞傷頭部後昏迷，之後被移送到療養院，直至2009年離世。

死後成名

如果故事就這樣完結，那Vivian Maier這名字大概至今仍不為人所知。2007年，由於未能繳交倉庫的租金，她儲存在倉庫的大批菲林照片和影片於是被沒收用來拍賣。最初的買家有三位，其中一位是John Maloof，他當時正在進行一項關於芝加哥歷史圖像的項目，起初他也不太留意照片的拍攝者是誰，後來當他在拍賣箱中發現Vivian Maier的名字時，上網卻只搜查到一則訃告。

其實2008年時另一收藏家曾將她的部份照片放上互聯網，但並未引起很大迴響。到2009年John Maloof在博客分享Vivian Maier的照片後，沒想到卻引起熱烈討論，許多國際媒體也爭先報道。一時間，Vivian Maier成為最炙手可熱的名字，John Maloof為她舉辦展覽、出版攝影集，2013年更將她的故事拍攝成紀錄片《Finding Vivian Maier》（獲得87屆奧斯卡金像獎最佳紀錄片提名），令Vivian Maier成為近年攝影界的熱話，這是他買下照片時所無法意料的。

街頭攝影

很多人說Vivian Maier是街頭攝影大師，專家學者更直接將她與同期的Robert Frank及Diane Arbus等偉大攝影師相提並論。Vivian Maier較為著名的是她1950、1960年代在紐約及芝加哥街頭拍攝的黑白照片（儘管後來也有拍攝彩色照片），與其他街頭攝影師不一樣的是，她並非使用常見的35mm相機，絕大多數作品都是用中片幅Rolleiflex 相機拍攝，這意味着她無法在街頭快速的抓拍。

事實上，她鏡頭下的人物很多都是直視鏡頭的，與被攝者彷彿是沒有隔閡的，有一種友善的關懷，令人好奇當中究竟發生過什麼互動。Vivian Maier沒有受過任何攝影大師的指點，但從鏡頭的自拍照可見她非常自信，對攝影的拿捏也恰到好處。生活平淡而才華橫溢，大概是她最簡單的描述。

今年「法國五月 Le French May」期間，尖沙咀f22攝影空間舉辦《鏡像真我》展覽，展出多幅Vivian Maier的標誌性自拍作品，藉由她一絲不苟的構圖及細膩的視角，窺探她如何透過攝影探索⾃己與世界的關係，同時引領觀者走入她令人難以捉摸世界。

Self Portraits

日期：5月4日起

時間：11am-7pm(星期⼆至日)

地址：尖沙咀半島酒店商場BW11及13號f22 foto space

由模特兒到攝影師 Corinne Day見證名模Kate Moss誕生

March 5, 2022Posted in 香港Tagged Corinne Day, Kate Moss, VOGUE, 名模, 時尚攝影

現年48歲的英國名模Kate Moss在時尚圈活躍逾三十年，當年發掘她的伯樂，是英國時尚攝影師Corinne Day(1962-2010)，相比之下，她的故事便顯得較鮮為人知了。

Corinne Day年少時已四處打工，曾在銀行實習（可笑是她透露父親是一名銀行劫匪），18歲開始成為模特兒。1985年，她認識熱愛電影及攝影的男友模特兒Mark Szaszy，是他教懂Day操作相機，他與身邊的模特兒以及他們旅行中認識的人，紛紛成為她最早的拍攝對象。

1989年，她認識英倫流行雜誌《The Face》藝術總監Phil Bicker，開始為雜誌拍攝照片。當時她找來一間模特兒公司，對方給她一張失焦的Kate Moss寶麗來照片，當時她只有十五歲，對模特兒來說太年輕、也太瘦（Day曾在學校因為瘦而被嘲笑，因而感同身受），但她身上的氣質卻讓Corinne Day感到很舒適，這也是選擇拍攝她的原因，不過首次拍攝的照片並未引起關注。

1990年，《The Face》雜誌的一輯時尚攝影作品「The Third Summer of Love」令兩個人嶄露頭角，第一位固然是操刀拍攝的Corinne Day，第二位則是年僅16歲的模特兒Kate Moss。二人十分投契，她們大談著音樂，Nirvana、Stone Roses和Happy Mondays……在照片中，半裸的Kate在海灘上大笑，瀰漫著青春與不羈氣息，雜誌封面的她頭戴羽毛，也是Day最廣為人知的作品，如今重看仍十分經典。

然而在1993年，二人卻因《Vogue》雜誌一輯照片「UnderExposed」而分道揚鑣。當時Kate的攝影師男友Mario Sorrenti不想Corinne Day在他們倫敦的公寓拍攝，二人曾為此大吵一架，因此照片中的Kate看起來有些傷感。Corinne Day不喜歡造作的姿勢或表情，也無需刻意的髮型或造型，她想捕捉的是被攝者的情緒。在Day看來，這些照片記錄她真實自然的一面，而不是傳統時尚雜誌上那種濃妝豔抹以性感為賣點的相片，然而《Vogue》卻覺得這些照片看起來便宜又俗氣，不符合雜誌格調。

更甚的是，由於Kate Moss身穿輕薄內衣或緊身衣，當時《獨立報》更批評照片令人厭惡及近乎兒童色情（hideous, exploitative, verging on child pornography）。雖然Day認為這是傳媒對照片的過度解讀，不過《Vogue》仍停止與她的合作，模特兒公司及Kate Moss刻意與她遠離，二人的友誼也因此暫時告一段落。

之後Corinne Day曾離開過時尚攝影圈，不過她從未停止過攝影，繼續以漫不經心、寫實的鏡頭記錄身邊的朋友，包括好朋友Tara St Hill。她是一位貧困、生病的單親媽媽，那時候的生活很凌亂，Corinne Day的鏡頭捕捉她悲傷及親密的時刻。2001年，Day將這些照片集結成《Diary》一書，這些照片誠實地記錄年輕人的生活，看似平淡、時而憂傷，有如一本私密日記，這種風格也令她被Nan Goldin和Larry Clark等攝影師相提並論。事實上，Nan Goldin一早已留意到她的照片，也很喜歡她的作品，而她也一直堅持這種自由、真實的拍攝方式。1996年，Corinne Day患上腦瘤，即使在這段最痛苦的住院日子裏，她也沒有忘記放下相機，用鏡頭記錄下這段最令人痛心、同時也是最感人的回憶。

那段時間裏，儘管Corinne Day沒有活躍於時尚界，她也為很多音樂雜誌操刀封面人物，拍攝過Pearl Jam、Placebo、The Cranberries、Red Hot Chili Pepper等音樂人，Radiohead《Creep》、Oasis《Supersonic》等MV都是她操刀拍攝。千禧年時，她再次與《Vogue》合作拍攝Kate Moss，她鏡頭下的Kate依然是很私密與自在的，而非那種以奢華見稱的大場面。2006年，她受英國國家肖像館委託，為Kate Moss拍攝九個特寫鏡頭，這些照片是在她們進行深入對話後才拍攝的，揭示她的不同情緒。2010年，Corinne Day因腫瘤復發逝世，終年48歲。

照片來源：https://www.corinneday.co.uk/home/

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連續式攝影 Duane Michals

February 18, 2022February 18, 2022Posted in 香港Tagged Andy Warhol, Duane Michals, 連續式攝影, Things are Queer, 攝影

很多人都喜歡用老頑童來形容Duane Michals，他沒有學習正規的攝影，也從來不墨守成規，他的照片常常能顛覆你對攝影的想像。某程度上Duane Michals也可視為一名藝術家、一名表現主義者，正如他的連續式攝影及在照片上書寫文字，這些都非傳統攝影所為，但他並沒這個包袱，還說攝影不是到郊外收集風景。他經常說創作時養成習慣，創意就會離你而去，因為他從來不是以攝影技巧取勝，而是以創意與想法為人所讚頌。

與Andy Warhol是同鄉

不說不知，原來Duane Michals與Andy Warhol是同鄉，1932年他生於美國賓州匹兹堡一座叫McKeesport的小市鎮。他比Warhol小四歲，二人在年幼時都愛上藝術，Duane在14歲開始學習水彩畫，21歲在丹佛大學畢業後曾在軍隊服役兩年，之後繼續進修，希望成為一名平面設計師。直到這刻，他與攝影似乎還沒有緣份，正在發現自己對攝影感興趣，是1958年他在蘇聯旅行時的忽發奇想，他想將當地的風景拍攝下來，於是購買人生第一部相機，後來這些照片也成為他第一個展覽的內容，這當然是後話。

自學成才

從事攝影多年，Duane曾為《Esquire》、《Mademoiselle》等雜誌拍攝，但他從來沒上過任何正規的攝影學習，完全是自學成才。這對他而言或許是好事，因為他不會有攝影系學生的包袱，不會受到傳統攝影的約束，畢竟他的照片向來不是以技巧取勝，而是以概念揚名。他敢於與眾不同，在他出道的1950、1960年代，主流攝影界仍流行在攝影棚裡拍攝，當時最鼎鼎大名的Richard Avedon與Irving Penn都是如此，不過Duane並沒有工作室，取而代之把人物安排在相應環境中拍攝，走出非一般道路。1968年，墨西哥政府聘請他拍攝夏季奧運會，1970年在現代藝術博物館（MoMA）舉辦個展，之後又為The Police樂隊專輯《Synchronicity》設計封套，拍攝至今逾半世紀，是攝影界的常青樹。

連續式攝影

Duane最為人熟悉的創舉有兩個，第一是連續式（或系列式）攝影，經常利用多幅照片來呈現一個主題，連續的照片之間帶有敘事性，感覺有如看一部迷你的靜態電影。他比喻自己是一個短篇小說的講故佬，最出名的作品當屬1973年拍攝的《Things are Queer》，首先他拍攝一張廁所的照片，但原來這張照片只是書上的一頁插圖，又原來有個男人正在閱讀這本書，最後發現男人書籍上的照片正是原先廁所照片裡的影像。這系列作品充滿哲學意味，在《Grandpa goes to heaven》這系列作品裡則思考生死問題，Duane影響許多人對攝影的觀感。攝影不只是記錄，也可引發人思考。

書寫照片

在照片上寫字是他的另一個標誌，他說自己受作家、畫家的影響多於攝影師，詩人William Blake、作家Lewis Carroll、畫家Paul Klee及Rene Magritte都是最愛。他說文字可彌補影響無法傳達的內容，這些文字時而諷刺、時而幽默感，兩者結合才構成完成的作品。當然這位老頑童的壯舉還不止於此，他會以雙重曝光來表達超現實的想法，拍攝Rene Magritte的照片正是如此，與Rene超現實主義畫家的身份呼應。晚年時甚至直接捨棄相機，收集濕板攝影法（tintype）照片，然後在照片畫上彩色抽象的幾何圖形，而繪畫正好令可以無限複製的照片成為獨一無二的影像。或許正如他所說，如果攝影只是記錄真實，那就太無趣了。

1965年，他為Rene Magritte拍攝照片，當時這位名成利就的畫家已67歲，33歲的Duane Michals開始嶄露頭角，1960年代初當他在雜誌看見其作品時已為之着迷，及後也從不隱藏對Rene Magritte的喜愛及尊重。

Rene Magritte慷慨地讓年輕攝影師走遍全屋，還邀請他共進午餐。Duane Michals拍攝下許多照片，包括家中的靜物，畫家及他的妻子，有黑白的，也有彩色的。其中幾張在背靠外牆拍攝的照片，最廣為人知，他巧妙地抽取Rene Magritte畫作中的元素，包括背部、帽子等，利用雙重曝光來製造出簡單的超現實畫面，正好凸顯Rene Magritte的身份。

石元泰博桂離宮之美

February 5, 2022March 23, 2022Posted in 香港Tagged 石元泰博, 石元泰博(Yasuhiro Ishimoto, 建築攝影, 日本攝影師, 桂離宮

石元泰博(Yasuhiro Ishimoto, 1922-2012)是日本戰後首位海歸派攝影師，雖然在日本的知名度不及森山大道及荒木經惟等，不過遊走於芝加哥與東京的他，在日本甚至西方攝影史上，均有不可或缺的地位。他的作品曾多次入選紐約現代藝術博物館(MoMA)，他拍攝的京都《桂離宮》(Katsura Imperial Villa)更被譽為日本建築攝影的典範，深深影響許多建築師及攝影師。

出生於三藩市，石元泰博三歲時回到日本高知縣，並在那裡度過少年時期。身為農民兒子的他畢業於高知縣農業高中，為學習現代農耕法，他在1939年重返美國，前往加州大學修讀農業。二戰期間，當日本在1942年偷襲珍珠港後不久，約十二萬日裔美國人被逐出家園，驅趕到全美各地的集中營，石元泰博也不例外，被監禁在科羅拉多州的集中營（Granada Relocation Center），學業也因此中斷。

他在集中營期間愛上攝影，釋放後他先是在芝加哥西北大學修讀建築學，1946年認識美國日裔攝影師Harry K. Shigeta後，開始將重心轉向攝影，並於1948年轉校至芝加哥設計學院(即Laszlo Moholy-Nagy創立的新包浩斯芝加哥分校)，跟隨美國攝影大師Harry Callahan、Aaron Siskind和Gordon Coster學習攝影，在校期間也曾獲得不少攝影獎項。1953年，MoMA攝影部主管Edward Steichen策劃《Always the Young Strangers》展覽，展出25位美國年輕攝影師的作品，這是石元泰博的照片首次進入MoMA。兩年後，他的作品更入選由Steichen策劃的著名展覽《The Family of Man》。

由於石元泰博在日本成長的經歷，Edward Steichen在1953年委託他協助MoMA設計策展人前往日本的寺廟及神壇做研究。作為芝加哥設計學院的畢業生，他熟悉美國當代攝影及包浩斯設計理論，在參觀桂離宮後，他立刻對這座建築物產生濃厚興趣。桂離宮建於日本十七世紀寬永年間(1624-1645)，宮內有四座風格各不相同的書院及茶室建築，被公認為日本傳統美學的圭臬。

石元泰博有建築學及西方攝影的背景，這也讓他攝影風格有別於日本國內的攝影師，戰後日本攝影界奉行土門拳推崇的現實主義風格，石元泰博的攝影作品充滿線條與幾何美感，自然顯得與眾不同。他最經典的作品是《桂離宮》，結合包豪斯建築的簡潔線條以及日本宮殿的簡約及園林，嚴謹地展示出日本建築的獨特美感，在他用德國Linhof相機拍攝黑白攝影裏，桂離宮被分割成一個個靜謐而充滿幾何美感的空間，可謂完美融合東西方的獨特元素。1960年，他出版作品集《Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture》，更邀來著名設計師Walter Gropius及丹下健三撰文，這系列作品也令他變得廣為人知。

1958年至1961年，石元泰博在芝加哥拍攝很多黑白街頭照片，並於1969年出版攝影集《Chicago, Chicago (シカゴ、シカゴ)》。1961年回到日本後，他曾在不同學府教授攝影。之後三十年間，他曾數次參訪桂離宮，以黑白及彩色相片繼續記錄它的美感。1974年，他事隔十年再次現身MoMA展覽，這時的他已恢復日本身份，以日本攝影師身分參加《New Japanese Photography》展覽，展出十幅桂離宮黑白影像。1996年，石元泰博被日本政府授予「文化功勳獎章」(Person of Cultural Merit)；2004年，他將七千張攝影作品贈予家鄉的高知藝術博物館。石元泰博在2012年去世，享年九十歲。

時尚捕手 Terence Donovan

January 25, 2022January 25, 2022Posted in 香港Tagged brian duffy, David Bailey, mary quant, Norman Parkinson, swing london, terence donovan, The Beatles, the rolling stone

1960年代的英倫孕育出The Beatles、The Rolling Stone等樂隊，令人懷緬的又何止搖滾樂？時裝、攝影、電影應運而生，年輕人擁抱時尚，更掀起Swing London（搖擺倫敦）風潮，大眼短髮身穿迷你裙的名模Twiggy是當時的潮流指標，攝影某程度擔當推波助瀾的角色。攝影不再只是記錄時尚，更主動地創造時尚，攝影師Terence Donovan帶領模特兒走出沉悶的攝影棚，在街頭實景拍攝，鏡頭下英倫時尚風潮的見證，也反映1960年代的倫敦面貌。

那年代的倫敦，不得不提同年代的攝影師Brian Duffy及David Bailey，三人被著名時裝攝影師Norman Parkinson稱為「Black Trinity」。意大利導演安東尼奧尼1966年拍攝的電影《春光乍現》（Blow-Up），劇中主角是一名玩世不恭的攝影師，電影靈感正是源自三人。他們擅長在戶外拍攝黑白時尚照片，將衣着優雅的模特兒與城市街道結合，尤其Terence Donovan，將倫敦西區的華美衣裳帶到狼藉的東區拍攝。1960年，他帶領身穿西裝的模特兒來到東區的煤氣廠，你或會覺得格格不入，但服飾的端莊優雅，正好與背景的粗獷形成強烈對比，這種衝突感也令他在眾多攝影師中脫穎而出。

你可以說Terence Donovan很前衛，其實與當時整個社會的風氣不無關係。二戰後的西方社會，不論政治經濟還是流行文化都經歷前所未有的變化，年輕人渴望新事物的洗禮，髮型師Vidal Sassoon帶來短髮造型，時裝設計師Mary Quant設計出迷你裙，掀起年輕追求潮流時尚的心態，而Terence Donovan，正將這種時尚新文化捕捉下來，照片亦讓世人見到倫敦的魅力。

Terence Donovan在倫敦長大，一家人住在工人聚集的地區，父親是一名貨車司機。童年回憶是擁擠的街道與市場，卻對西區的紙醉金迷方式很嚮往。十一歲輟學後想成為一名廚師，可惜事與願違，直至十五歲那年接觸相機，從此開始漫長的學徒生涯，跟隨過好幾位攝影師，最著名是1957年跟隨時尚攝影師John French。

1959年，學有所成的他在倫敦開設工作室，為雜誌社拍攝，很快闖出一片天，1960年代遇上Swing London的風潮，令他事業爬上高峰。可惜1970年代開始，他逐漸將工作中心轉移到影片及MV製作，拍攝三千多輯廣告作品。除了與Jean Shrimpton、Twiggy、Nancy Kwan等時尚人物掌鏡，他也得到皇室青睞，在1980至1990年代多次為戴安娜王妃拍攝。

by Terence Daniel Donovan, colour print, 1986

【香港國際攝影節2021】攝影回應當下：香港人的遷徙與去留

November 14, 2021November 14, 2021Posted in 香港

當下的香港，大家最關心的議題，大概是離開還是留下？已故澳洲記者Richard Hughes在其著作《Hong Kong, Borrowed Place-Borrowed Time》形容香港是借來的地方、借來的時間。其實，香港作為中外交流的窗口，人口的遷徙一直沒有間斷，許多人因為政治或工作因素移居香港，也有人因此離開我城。今屆香港國際攝影節的衛星展覽中，四位影像創作者李卓媛與梁皓涵、李展翹、張諾文，以不同的影像和呈現手法，回應他們身處當下香港關心的議題。

李卓媛與梁皓涵——《夏天的棉被》

當舖曾是窮人的銀行，以前家境一般的人，會在夏天拿棉被去典當，以換取金錢解決當下所需。李卓媛（Sharon）與負責口述歷史的梁皓涵合作，了解當舖這個式微的行業，她們從當舖的歷史出發，用物件及其故事的微觀角度作為切入點，觀察城市中人口的遷徙，以對應城市的脈絡及歷史的轉折。

從五十至七十年代的逃港潮、七十及八十年代的越南難民潮，到九七回歸前的移民潮，這個城市的每個時代都不斷有人遷徙，當舖中的物件或多或少也有反映出這些歷史。刻下的香港同樣面臨類似的處境，有很多人正思考去留，究竟今時今刻的香港人會放棄甚麼？又會換來怎樣的未來？

李卓媛借用當舖的概念，以兩條平衡線講述不同時代的遷徙，一方面將當舖物件的口述歷史文字刻在木頭，再以拓印的手法印在紙張上；另一方面邀請三位即將跟隨父母移民的小朋友，以寶麗來相機記下準備放棄的一切。

六、七歲的小學生，或許未必能透徹了解「放棄」的概念，但從他們拍攝的照片中，可發現他們視為最珍貴的事物——以前的人典當的是車衣機、皮草、棉被，而小朋友們「典當」的，是校園、同學的友情及城市的景觀：「這些東西可能很瑣碎，但從中能感受到他們的不捨。」

李卓媛認為人與椅子的關係是很密切的，她從廢棄的小學找來椅子，將小朋友拍攝的寶麗來相片移印在平面的椅子上，令影像與他們的身分更有關聯。「攝影是將立體的物件變成平面，於是我嘗試將木椅重新解構，再拼成三張形狀不一的平面椅子。」寶麗來照片也因椅子的拼湊變得零散錯落，或許正如他們的心情一樣是錯綜複雜的。木椅還移印有小朋友功課簿上的文字，例如「原來平凡的東西才是最實用」、「我的家」——也許正是他們的心聲吧。

《夏天的棉被》
日期：即日至11月20日
時間：2pm-7pm（週四至六）
地址：石硤尾賽馬會創意藝術中心L5-22 Gallery Z

李展翹——《夢迴 Another day in Paradise》

在時代的十字路口中，有人選擇離開，有人選擇留下，李展翹卻決定在2019年6.12衝突過後，從英國回到香港。

不論來港的人或是移民的人，相信很多人都經歷過身分認同的問題，出生於英國殖民地時期的香港，李展翹對中國、英國及香港人這三重身分感到好奇，曾任職報社攝影師的他，以攝影三部曲思考到底哪裏才是根。

2016年，他帶著疑問，踏足中國西部的十個省份，前後用一年時間在廣西、雲南、四川、青海、甘肅、新疆等地拍攝第一部曲《In search of Nirvana》，試圖尋找一個答案，然而卻令他感到迷失。在中國無法覓見「極樂世界」，他轉而前往英國尋找所謂的天堂，繼而創造出第二部曲《夢迴 Another day in Paradise》，這也是最近在土瓜灣1a space新空間的展覽。

2017年，Jimmy前往英國進修，不只是去讀書，也在當地尋找是否有家的元素。當時英國正啟動脫歐公投，很多當地人也在質疑究竟英國人的身分是甚麼，這令他產生共鳴。他沒有踏足大家熟悉的大城市或著名景點，而是前往陌生小城鎮拍攝當地人的日常生活，試圖以外來者的身分與當地人建立聯繫。「這與我作為香港人前往英國的狀態是很相似的，身處這些偏遠、在地的環境，去叩問自己是否屬於outsider。」

香港人對英國的印象，往往是大笨鐘、雙層巴士、高帽御林軍或紅色電話亭，李展翹的照片卻呈現截然不同的一面，是冷清的景觀及當地人的家園。「很多香港人對英國一知半解，我們不是很認識又未至於完全陌生，而這種模糊的狀態，某程度上就是我們的身分。」在當地拍攝的過程，經常有人好奇問他「where are you originally from?」，這也令他深刻意識到，即使你有英國護照，在當地人眼中仍是外國人。「拍攝完第二部曲後，我很肯定自己不是英國人，同時為香港人的身分感到自豪。」

經歷過2019年的社會事件後，他更加強烈地想留在香港，嘗試梳理創傷性的記憶如何重塑我們的身分，作為第三部曲的內容。近年很多港人移民到英國，他覺得傷感之餘，同時也質疑離開是否能解決所有問題，移民可能並非想像中那麼理想化。作品名稱《夢迴 Another day in Paradise》別有意味，他將照片印製在鋁板上，觀看時畫面有些許反光，似乎也反射出不少人心中對英國的fantasy。

《夢迴 Another day in Paradise》
日期：即日至11月14日
時間：11am-7pm（週二至日）
地址：土瓜灣道122號地下1a space｜

張諾文——《Megalopolis Nebula: Post 2019 – Hong Kong》

移民或留低、悲觀或希望，表面上是一道選擇題，其實也是觀點與角度的問題。當你身處最黑暗的環境，才能看見最亮的星星，這也是看完張諾文（Ike）展覽《Megalopolis Nebula Post 2019 – Hong Kong》後最直接的感受。

2013年，張諾文在肯亞的Kibera貧民窟做義工，在一張攝於夜晚的合照中，可見漫天星星。在香港及芝加哥等繁榮都市居住多年的他，從未想像在缺乏電力的非洲大陸，原來頭上盡是星光，令他深刻明白到，正是城市的文明掩蓋了大自然的星星。他受此啟發創作出名為《Megalopolis Nebula》的作品，將拍攝沙灘、水點、砂石、波紋、牆上裂痕等等的照片進行後製，搖身變成夢幻的星空效果，以「大都會星雲」探討香港的光害問題。

最近的展覽同樣以《Megalopolis Nebula》為題，副題是「Post 2019 – Hong Kong」，相信很多人會聯想起2019年的社會事件。引發他創作靈感的，是每天返工見到一幅牆上殘留下來的文字，不完整地寫著「自由我了」。他嘗試以不同的角度記錄牆上殘存的塗鴉或文宣，近距離的拍攝令這些痕跡變得十分抽象，在不同燈光的襯托下，分外像是星雲。「我覺得這與香港當下的情形很貼切，在那些已經腐蝕、被遺忘及黯淡的地方，我嘗試尋找屬於我們這個年代最光、最漂亮的星雲。」

展覽開端掛在牆上的四幅照片稍微比較黯淡，從一個展區轉入另一個空間，照片逐漸變得明亮，有層層遞進的效果，最後來到一間暗黑的房間，以電視螢幕及投影的方式播放「星雲」及其他在香港拍攝的照片。擺放在地面七部電視或螢幕，不禁令人想起2019年時用多個螢幕看新聞直播的畫面。「不管人們如何演繹現實，經歷的事情總會在心裏留下記號。」

展區與展區之間的角落寫有狄更斯《雙城記》的名句「We had EVERYTHING before us, We had NOTHING before us.」，前路是光明還是黑暗，每個人都有不同解讀。當你身處一片光明時，是無法看見星光的；只有置身最黑暗的環境，才能見到滿天星星，一切視乎你站在甚麼角度去思考。張諾文雖然沒有直接道出感受，但那片夢幻的「星雲」，是令人感到樂觀及有希望的。

《Megalopolis Nebula Post 2019 – Hong Kong》

日期：即日至11月27日

時間：3pm-7pm(一至五)、2pm-7pm(週六只限預約)

地址：觀塘開源道72-80號溢財中心4樓F室&_ (and underscore)