Gregory Crewdson年輕時組過樂隊The Speedies，成名曲《Let Me Take Your Photo》後來成為HP數碼相機廣告歌，而歌曲名字似乎也預見了他未來的生涯。1980年代中開始學習攝影，在耶魯大學獲得藝術學位，現在是耶魯大學藝術學院教授。從事藝術教育關係，他對藝術史瞭如指掌，無形中也找到了自己的創作方向。坦言受攝影師Diane Arbus、Robert Frank、Walker Evans及畫家Edward Hopper等人影響，Gregory Crewdson的作品裡也流露出前人們對美國夢的探索，熱衷於Alfred Hitchcock、David Lynch與Steven Spielberg等大導的電影，也讓他的攝影作品電影感十足，充滿詭異及荒涼的美學。相比電影，他說靜態影像更讓自己著迷，因為其敘事空間停留在特定時刻，不能像電影般對畫面有所鋪墊與延伸，但正是這種局限，吸引他更專注創造出充滿戲劇性的影像。
1928年，他出生於紐約一個貧窮猶太家庭，天資聰穎的他兒時已嶄露頭角，年僅十四歲以進入名校紐約市立學院 (City College of New York) 修讀社會學。二戰後，美蘇進入冷戰時期，18歲時的他應徵入伍駐紮德國，後來被派至法國。1948年，從軍兩年後退伍，當時他並沒回到美國，而是進入巴黎索邦大學，跟法國畫家Fernand Léger學習繪畫。他對抽象畫和雕塑深感興趣，做過短時間職業畫家後，已成功在米蘭舉辦兩次個展，並開始與建築師Angelo Mangiarotti合作做建築設計。
在為《VOGUE》雜誌拍攝時尚照片的同時，William Klein也在紐約開始拍攝街頭攝影，相比起其創新(如Light Painting)的時尚影像，他的紀實作品更有一種原始的力量，高反差、粗微粒的黑白照片，有時甚至曝光不準或模糊。1956年，他將照片結集成攝影集《William Klein: Life is Good & Good for You in New York》，隨即在攝影界引起轟動，由於這些影像挑戰傳統攝影的規條，初時曾受到評論家和其他攝影師的批評，後來卻被視為經典。
1960年代，他開始嘗試電影創作，在1965年辭去雜誌工作後，將精力更多地投放到電影，拍攝拳王《Muhammad Ali》等近二十部電影及逾250部電視廣告。1980年代，他重回攝影之路，這時他的舊作重新得到世人認可，作品被紐約現代藝術博物館、倫敦泰特現代藝術館、巴黎龐比度中⼼等重要藝術機構收藏，1995年出版的《New York 1954.55》，更被譽為是二十世紀的重要攝影集之一。
在美國著名時尚及人像攝影師Richard Avedon (1923–2004) 逾六十年的攝影生涯裏，曾為無數演員、歌手及藝術家拍攝人像，單是他鏡頭下的美國總統，已有甘迺迪、卡特、福特等。若說他最重要的人像作品系列，無疑是在1979年至1984年間拍攝的《In The American West》，他用六個夏天的時間在美國中西部多個州份拍攝752位西部人，結果僅123幅作品在德州Fort Worth的Amon Carter Museum展出，同名攝影集也僅收錄一百餘人的肖像。《In The American West》是一本史詩般的著作，也是二十世紀最重要的攝影集之一，深深影響無數攝影創作的後來者。
Richard Avedon年少時已對攝影感興趣，家中的Kodak Box Brownie相機滿足他對世界的好奇心；在紐約讀高中時，他已與後來的美國作家及社會活動家James Baldwin合作編輯文學雜誌，還獲得「桂冠詩人」的稱號。年輕時，他已覺得護照相片很漂亮，對於人像攝影的熱愛，最早可追溯至二戰時期。1942年，十九歲的他加入商船（民間商船在戰爭時可被軍隊徵用）的攝影部門工作，每天工作就是為航海員及士兵拍攝證件照片，到他真正成為攝影師時，估計已經拍攝過十萬張臉孔。
Juan Patricio Lobato，科羅拉多州，1980年。Sandra Bennett，12歲，科羅拉多州，1980年。
《In The American West》
時間來到1978年，55歲的Richard Avedon已是行內數一數二的著名攝影師，不但在大都會藝術博物館 (The Metropolitan Museum of Art)舉辦回顧展，也成為首位登上《Newsweek》雜誌封面的攝影師。他的作品也引起德州Amon Carter Museum注意，這間博物館藏有許多十九及二十世紀的西部照片，當館長Mitchell A. Wilder見到攝影師在蒙大拿州拍攝牧場騎馬師的照片時，隨即產生濃厚興趣，於是委託他在美國西部拍攝人像，並於1985年在Amon Carter Museum舉辦展覽《In The American West》，這些作品也成為博物館的永久收藏。
《In The American West》是美國攝影的里程碑，也是Richard Avedon最重要的作品。他的西部印象不見傳統的田園風光，只有身處白色背景下的一位位平凡人物，打破世人對美國西部人的典型印象。攝影師與兩位助手及隨行人員Laura Wilson（也是攝影師），帶著Deardorf大片幅相機、8×10吋菲林以及9×12呎的白色背景紙，穿梭在德州、內華達州、新墨西哥州、達科他州等美國中西部的不同州份，尋找合適的拍攝對象。那時候尚未有互聯網，生活在這些地方的人們，基本上從未聽說過Richard Avedon的名字，攝影團隊以真誠說服人們出現在他的鏡頭前。
流浪漢Bill CurryBoyd Fortin，13歲，德州。
有次他們在奧克拉荷馬州看見一位肩上背著鋪蓋的人在公路上徒步，這引起眾人的注意，於是邀請他上車，得知他甚少在任何城鎮久留，大半生總是不停地遊走，這種「On The Road」的精神令他們印象深刻。當時團隊在公路邊的一間咖啡館外牆黏上白色牆紙，拍攝下這位雙手交叉於胸前的流浪者。
Richard Avedon選擇在沒有陽光直接照射的地方拍攝，避免強烈的光線凸顯臉孔的輪廓，從而影響攝影師拍攝時的判斷。他從不指導被攝者如何擺動作，也沒有使用閃光燈，有的僅是白色的背景，以及一位他深感興趣的人物。當被攝者從身處的環境抽離出來，觀者會更容易觀察到他們的表情與動作，Richard Avedon認為身體與動作同樣非常重要，也能揭示被攝者的經歷與情緒，因此他只在溫暖的夏天拍攝，畢竟在冬天時，人們的身體總會被厚厚的衣服所包裹。
德州聖安東尼奧Bexar Country Jail，Jesus Cervantes & Manuel Heredia，1980年。
Richard Avedon鏡頭下的人物，均是平凡無奇的西部人，以及那些被世人忽視的人們，油田及屠宰場工人、礦工、搬運工人、新墨西哥州精神病院病人。在德州聖安東尼奧拍攝紋身師時，他們得知最好的紋身師均在監獄裏面，於是千辛萬苦取得許可進入監獄拍攝。裏面的犯人大多是墨西哥裔人，他們的紋身總與宗教信仰相關，攝影團隊發現身處兩位不同牢房的犯人，他們互不相識，然而他們的身高、背景甚至紋身均很相似，於是他們將兩幅相片並置，創作成一幅「雙聯畫」。
左：John Malkovich致敬之作。/ 右： Richard Avedon原作。
若說《In The American West》中最廣為人知的一幅作品，無疑是養蜂人Ronald Fischer，攝影師Sandro Miller與演員John Malkovich創作的《Homage To Photographic Masters》系列，也復刻過這個經典造型。1981年，Laura Wilson兒子說起在學校看見一位「蜜蜂鬍鬚」（Bee Beard）的養蜂人，Avedon助手聽聞後立即深感興趣，還構思出滿佈蜜蜂的畫面。他們在學校建議下，在養蜂人刊物詢問是否有養蜂人有興趣拍攝，接著幾天他們收到四十多張不同相片，其中一位名為Ronald Fischer的養蜂人引起團隊的注意，於是聯繫他進行拍攝。
創作《In The American West》期間，攝影師Laura Wilson與Richard Avedon一起工作六年，她以旁觀者及參與者的角度，詳細記錄這系列作品誕生的過程，展示Avedon如何工作、選擇、與被攝者互動，仔細觀看拍攝者的臉孔及軀體，甚至實驗性及拍攝失敗的時刻。前面提及這些照片背後的故事，均收錄在她於2003年出版的《Avedon at Work》一書，也是了解《In The American West》創作過程的天書。
1990年，《The Face》雜誌的一輯時尚攝影作品「The Third Summer of Love」令兩個人嶄露頭角，第一位固然是操刀拍攝的Corinne Day，第二位則是年僅16歲的模特兒Kate Moss。二人十分投契，她們大談著音樂，Nirvana、Stone Roses和Happy Mondays……在照片中，半裸的Kate在海灘上大笑，瀰漫著青春與不羈氣息，雜誌封面的她頭戴羽毛，也是Day最廣為人知的作品，如今重看仍十分經典。
更甚的是，由於Kate Moss身穿輕薄內衣或緊身衣，當時《獨立報》更批評照片令人厭惡及近乎兒童色情（hideous, exploitative, verging on child pornography）。雖然Day認為這是傳媒對照片的過度解讀，不過《Vogue》仍停止與她的合作，模特兒公司及Kate Moss刻意與她遠離，二人的友誼也因此暫時告一段落。
之後Corinne Day曾離開過時尚攝影圈，不過她從未停止過攝影，繼續以漫不經心、寫實的鏡頭記錄身邊的朋友，包括好朋友Tara St Hill。她是一位貧困、生病的單親媽媽，那時候的生活很凌亂，Corinne Day的鏡頭捕捉她悲傷及親密的時刻。2001年，Day將這些照片集結成《Diary》一書，這些照片誠實地記錄年輕人的生活，看似平淡、時而憂傷，有如一本私密日記，這種風格也令她被Nan Goldin和Larry Clark等攝影師相提並論。事實上，Nan Goldin一早已留意到她的照片，也很喜歡她的作品，而她也一直堅持這種自由、真實的拍攝方式。1996年，Corinne Day患上腦瘤，即使在這段最痛苦的住院日子裏，她也沒有忘記放下相機，用鏡頭記錄下這段最令人痛心、同時也是最感人的回憶。
那段時間裏，儘管Corinne Day沒有活躍於時尚界，她也為很多音樂雜誌操刀封面人物，拍攝過Pearl Jam、Placebo、The Cranberries、Red Hot Chili Pepper等音樂人，Radiohead《Creep》、Oasis《Supersonic》等MV都是她操刀拍攝。千禧年時，她再次與《Vogue》合作拍攝Kate Moss，她鏡頭下的Kate依然是很私密與自在的，而非那種以奢華見稱的大場面。2006年，她受英國國家肖像館委託，為Kate Moss拍攝九個特寫鏡頭，這些照片是在她們進行深入對話後才拍攝的，揭示她的不同情緒。2010年，Corinne Day因腫瘤復發逝世，終年48歲。
Duane最為人熟悉的創舉有兩個，第一是連續式（或系列式）攝影，經常利用多幅照片來呈現一個主題，連續的照片之間帶有敘事性，感覺有如看一部迷你的靜態電影。他比喻自己是一個短篇小說的講故佬，最出名的作品當屬1973年拍攝的《Things are Queer》，首先他拍攝一張廁所的照片，但原來這張照片只是書上的一頁插圖，又原來有個男人正在閱讀這本書，最後發現男人書籍上的照片正是原先廁所照片裡的影像。這系列作品充滿哲學意味，在《Grandpa goes to heaven》這系列作品裡則思考生死問題，Duane影響許多人對攝影的觀感。攝影不只是記錄，也可引發人思考。
他在集中營期間愛上攝影，釋放後他先是在芝加哥西北大學修讀建築學，1946年認識美國日裔攝影師Harry K. Shigeta後，開始將重心轉向攝影，並於1948年轉校至芝加哥設計學院(即Laszlo Moholy-Nagy創立的新包浩斯芝加哥分校)，跟隨美國攝影大師Harry Callahan、Aaron Siskind和Gordon Coster學習攝影，在校期間也曾獲得不少攝影獎項。1953年，MoMA攝影部主管Edward Steichen策劃 《Always the Young Strangers》展覽，展出25位美國年輕攝影師的作品，這是石元泰博的照片首次進入MoMA。兩年後，他的作品更入選由Steichen策劃的著名展覽《The Family of Man》。
石元泰博有建築學及西方攝影的背景，這也讓他攝影風格有別於日本國內的攝影師，戰後日本攝影界奉行土門拳推崇的現實主義風格，石元泰博的攝影作品充滿線條與幾何美感，自然顯得與眾不同。他最經典的作品是《桂離宮》，結合包豪斯建築的簡潔線條以及日本宮殿的簡約及園林，嚴謹地展示出日本建築的獨特美感，在他用德國Linhof相機拍攝黑白攝影裏，桂離宮被分割成一個個靜謐而充滿幾何美感的空間，可謂完美融合東西方的獨特元素。1960年，他出版作品集《Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture》，更邀來著名設計師Walter Gropius及丹下健三撰文，這系列作品也令他變得廣為人知。
1958年至1961年，石元泰博在芝加哥拍攝很多黑白街頭照片，並於1969年出版攝影集《Chicago, Chicago (シカゴ、シカゴ)》。1961年回到日本後，他曾在不同學府教授攝影。之後三十年間，他曾數次參訪桂離宮，以黑白及彩色相片繼續記錄它的美感。1974年，他事隔十年再次現身MoMA展覽，這時的他已恢復日本身份，以日本攝影師身分參加《New Japanese Photography》展覽，展出十幅桂離宮黑白影像。1996年，石元泰博被日本政府授予「文化功勳獎章」(Person of Cultural Merit)；2004年，他將七千張攝影作品贈予家鄉的高知藝術博物館。石元泰博在2012年去世，享年九十歲。
