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逍遙騎士Danny Lyon 記錄美國電單車黨的不羈歲月

March 16, 2022June 23, 2022Posted in UncategorizedTagged Danny Lyon, Easy Rider, Larry Clark, Nan Goldin

今天80歲生日的美國攝影師Danny Lyon，不但影響Nan Goldin等攝影師，他的成名作《The Bikeriders》攝影集更是1969年經典公路電影《逍遙騎士》（Easy Rider）的靈感源泉。

1942年，Danny Lyon生於紐約中產家庭，1960年代初在芝加哥大學讀書時，已開始記錄民權運動，拍攝在學校參與種族平等靜坐的Bernie Sanders。1950至1960年代，美國電單車黨方興未艾，年輕人都嚮往擁有一部電單車，當時美國已有正規的電單車協會American Motorcyclist Association（至今仍有），要求會員遵守交通規則及要安裝滅聲器。此外也有一班不遵守規則的電單車黨，成為他人眼中的「不法之徒」（Outlaw Clubs）。

Danny Lyon在機緣巧合後認識芝加哥電單車黨The Chicago Outlaw Motorcycle Club會員，及後更成為他們一員。雖然Outlaw成員大多駕駛Harley-Davidson，但這也無阻騎著Triumph電單車的Danny Lyon，與他們建立起親密關係。在1963至1967年間，他與電單車黨成員朝夕相處，全然融入拍攝群體，一同橫穿美國，在公路上馳騁，一齊聚會、賽車，將他們原始而自由的生活方式一一記錄下來。他深刻地感受到這種叛逆不羈的生活，同時完好刻畫這群人的生存狀態。

在主流傳媒的報導中，Outlaw成員連群結黨，無所事事、放浪形骸，手中總是拿著啤酒瓶，微醺醉駕乃家常便飯，甚至崇尚速度帶來的刺激與危險。他們的不羈本質上是追求自由，而這種擺脫社會束縛的方式，無疑讓他們被貼上反對主流的標籤。在Danny Lyon鏡頭下，他們是活生生的年輕人，他們重視友情、也尊重生命，為逝世的會員扶靈，並非世人印象中的冷酷無情。Danny Lyon將這些照片結集成書《The Bikeriders》，記錄他們特立獨行的生活，或許最後仍無法改變他們的聲名狼藉，至少透過攝影呈現出他們的人性光輝。

《The Bikeriders》是報導攝影領域的典範之作，之後他延續這種拍攝方式，關注社會邊緣人的生活狀態，用一年多時間拍攝德州多間監獄的囚犯，最後集結成攝影集《Conversations with the Dead》。還有拍攝曼哈頓市中心的拆遷的《The Destruction of Lower Manhattan》、記錄黑人民權運動的《Memories of the Southern Civil Rights Movement》，對於後來的新聞報導攝影，均有深遠影響。

圖片來源：Magnum Photos

Today marks the 80th birthday of American photographer Danny Lyon. His famous photobook “The Bikeriders” inspired the classic road film “Easy Rider” in 1969 and influenced photographers such as Larry Clark and Nan Goldin.

Danny Lyon was a member of The Chicago Outlaw Motorcycle Club. From 1963 to 1967, he got along well with the motorcycle outlaws, fully integrated into their life. They traverse the United States, partying and racing together. Danny photographed their primitive and free way of life. He deeply felt their rebellious and uninhibited lifestyle and portrayed the living conditions of these people.

Under the lens of Danny Lyon, The Chicago Outlaw members value friendship, respect life, and carry the hearse for the deceased members. They are not ruthless people. Danny Lyon compiled these photos into a book, “The Bikeriders.” Although the book documenting their maverick lives can’t change its notoriety, it shows their humanity through photography to some extent.

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由模特兒到攝影師 Corinne Day見證名模Kate Moss誕生

March 5, 2022Posted in 香港Tagged Corinne Day, Kate Moss, VOGUE, 名模, 時尚攝影

現年48歲的英國名模Kate Moss在時尚圈活躍逾三十年，當年發掘她的伯樂，是英國時尚攝影師Corinne Day(1962-2010)，相比之下，她的故事便顯得較鮮為人知了。

Corinne Day年少時已四處打工，曾在銀行實習（可笑是她透露父親是一名銀行劫匪），18歲開始成為模特兒。1985年，她認識熱愛電影及攝影的男友模特兒Mark Szaszy，是他教懂Day操作相機，他與身邊的模特兒以及他們旅行中認識的人，紛紛成為她最早的拍攝對象。

1989年，她認識英倫流行雜誌《The Face》藝術總監Phil Bicker，開始為雜誌拍攝照片。當時她找來一間模特兒公司，對方給她一張失焦的Kate Moss寶麗來照片，當時她只有十五歲，對模特兒來說太年輕、也太瘦（Day曾在學校因為瘦而被嘲笑，因而感同身受），但她身上的氣質卻讓Corinne Day感到很舒適，這也是選擇拍攝她的原因，不過首次拍攝的照片並未引起關注。

1990年，《The Face》雜誌的一輯時尚攝影作品「The Third Summer of Love」令兩個人嶄露頭角，第一位固然是操刀拍攝的Corinne Day，第二位則是年僅16歲的模特兒Kate Moss。二人十分投契，她們大談著音樂，Nirvana、Stone Roses和Happy Mondays……在照片中，半裸的Kate在海灘上大笑，瀰漫著青春與不羈氣息，雜誌封面的她頭戴羽毛，也是Day最廣為人知的作品，如今重看仍十分經典。

然而在1993年，二人卻因《Vogue》雜誌一輯照片「UnderExposed」而分道揚鑣。當時Kate的攝影師男友Mario Sorrenti不想Corinne Day在他們倫敦的公寓拍攝，二人曾為此大吵一架，因此照片中的Kate看起來有些傷感。Corinne Day不喜歡造作的姿勢或表情，也無需刻意的髮型或造型，她想捕捉的是被攝者的情緒。在Day看來，這些照片記錄她真實自然的一面，而不是傳統時尚雜誌上那種濃妝豔抹以性感為賣點的相片，然而《Vogue》卻覺得這些照片看起來便宜又俗氣，不符合雜誌格調。

更甚的是，由於Kate Moss身穿輕薄內衣或緊身衣，當時《獨立報》更批評照片令人厭惡及近乎兒童色情（hideous, exploitative, verging on child pornography）。雖然Day認為這是傳媒對照片的過度解讀，不過《Vogue》仍停止與她的合作，模特兒公司及Kate Moss刻意與她遠離，二人的友誼也因此暫時告一段落。

之後Corinne Day曾離開過時尚攝影圈，不過她從未停止過攝影，繼續以漫不經心、寫實的鏡頭記錄身邊的朋友，包括好朋友Tara St Hill。她是一位貧困、生病的單親媽媽，那時候的生活很凌亂，Corinne Day的鏡頭捕捉她悲傷及親密的時刻。2001年，Day將這些照片集結成《Diary》一書，這些照片誠實地記錄年輕人的生活，看似平淡、時而憂傷，有如一本私密日記，這種風格也令她被Nan Goldin和Larry Clark等攝影師相提並論。事實上，Nan Goldin一早已留意到她的照片，也很喜歡她的作品，而她也一直堅持這種自由、真實的拍攝方式。1996年，Corinne Day患上腦瘤，即使在這段最痛苦的住院日子裏，她也沒有忘記放下相機，用鏡頭記錄下這段最令人痛心、同時也是最感人的回憶。

那段時間裏，儘管Corinne Day沒有活躍於時尚界，她也為很多音樂雜誌操刀封面人物，拍攝過Pearl Jam、Placebo、The Cranberries、Red Hot Chili Pepper等音樂人，Radiohead《Creep》、Oasis《Supersonic》等MV都是她操刀拍攝。千禧年時，她再次與《Vogue》合作拍攝Kate Moss，她鏡頭下的Kate依然是很私密與自在的，而非那種以奢華見稱的大場面。2006年，她受英國國家肖像館委託，為Kate Moss拍攝九個特寫鏡頭，這些照片是在她們進行深入對話後才拍攝的，揭示她的不同情緒。2010年，Corinne Day因腫瘤復發逝世，終年48歲。

照片來源：https://www.corinneday.co.uk/home/

烏克蘭面孔——不要讓孩子捲入戰爭

March 3, 2022March 3, 2022Posted in Photo NoteTagged 烏克蘭, 烏克蘭人, Mark Neville, 反戰, 戰爭, 人像攝影, 俄羅斯

俄羅斯入侵烏克蘭後，移居美國的烏克蘭攝影師Yelena Yemchuk，在Instagram連續發佈三張身穿軍服的年輕女孩照片，她如此寫道：請不要讓這些孩子捲入戰爭，請讓我們美麗的國家烏克蘭擁有和平（Please don’t let these children be in a war please let there be peace in our beautiful, peaceful country Ukraine）。

說起著名的反戰照片，許多人會想起法國攝影師Marc Riboud的《鮮花與刺刀 The Flower and the Bayonet》。在Yelena Yemchuk發佈的照片中，身穿軍服的女孩笑容燦爛地望向鏡頭（另一位則流露著堅定的眼神），與戰場上的殘酷無情形成強烈的對比，同樣帶出反戰的訊息。

Yelena Yemchuk在1970年生於烏克蘭首都基輔，11歲時與家人移居美國，14歲生日時爸爸贈送她一部相機，自從對攝影感興趣。她曾為美國搖滾樂隊The Smashing Pumpkins的《Zero》和《Thirty-Three》等歌曲執導MV，也為《iD》及《Vogue》等雜誌拍攝時尚攝影作品。雖然移居美國多年，但她仍心繫烏克蘭，每年回去故鄉，2011年出版的首本攝影集《Gidropark》，正記錄人們在基輔聶伯河畔的公園度過夏日，近年則籌備另一本攝影集《Odessa》——位於黑海西北岸的烏克蘭港灣都市。

The images of young girls in military uniforms that photographer Yelena Yemchuk posted on Instagram impressed the world. She wrote: Please don’t let these children be in a war, please let there be peace in our beautiful, peaceful country Ukraine.

Speaking of famous anti-war photos, Marc Riboud’s “The Flower and the Bayonet” is probably the first thing that came to our mind. In Yelena Yemchuk’s images, girls in a military uniform look at the camera with a bright smile, which contrasts sharply with the brutality on the battlefield and carries an anti-war message.

Yelena Yemchuk was born in Kyiv in 1970. She immigrated to the United States with her family when she was 11 years old. On her 14th birthday, her father gave her a camera, and she became interested in photography ever since. Yelena first gained public attention by directing music videos for The Smashing Pumpkins and later created fashion photography for magazines such as iD and Vogue.

The photographer keeps visiting her home country every year. Her first photo book “Gidropark,” published in 2011, documented people are spending summers in the parks near the Dnieper River in Kyiv. She also made two short films and a photobook in Odessa, a Ukrainian port city on the northwest coast of the Black Sea.

烏克蘭女士兵、基輔教堂合唱團、頓巴斯地區的小男孩，當俄羅斯入侵烏克蘭後，現居烏克蘭的英國藝術家Mark Neville陸續發佈過去數年在當地拍攝的照片。2015年，他開始記錄烏克蘭人的生活，包括Odessa海灘的度假者、匈牙利邊境的羅姆人社區，以及生活在烏克蘭東部前線的平民和士兵。深深被這片土地吸引的他，2020年更從倫敦移居烏克蘭，更投入地記錄這個東歐國度，然而他鏡頭下的烏克蘭人，這刻或許現在正面臨著流離失所或不同程度的威脅。

早在五年前開始，他已籌備攝影集《Stop Tanks With Books》，希望透過影像及文字改變人們對戰爭的看法。此書匯集80張烏克蘭人的照片，也收錄烏克蘭小說家Lyuba Yakimchuk書寫關於衝突的文字。在攝影集即將推出之際，俄軍侵略了烏克蘭，他於是準備將其中750本寄給世界各地有影響力的人士，既帶出反戰的訊息，同時希望國際社會幫助烏克蘭，以阻止俄羅斯的進一步入侵。

A female soldier, Kyiv church choirs, a little boy in the Donbas region, British artist Mark Neville has successively posted Ukrainian portraitures after Russia invaded Ukraine. Mark started documenting life in Ukraine in 2015, devotedly photographing holidaymakers on the beach of Odessa, the Roma communities on the Hungarian border, soldiers and civilians living on the frontline in Eastern Ukraine. Mark was deeply attracted by the nation and moved to Ukraine from London In 2020.

Five years ago, he prepared the photo book “Stop Tanks With Books,” hoping to change people’s view of war through images and words. The book brought together 80 of his Ukrainian photographs and short stories about the conflict from Ukrainian novelist Lyuba Yakimchuk.

With the Russian troops invading Ukraine, many Ukrainians face displacement or death threats. Mark is sending out 750 complimentary copies of the book to influential people worldwide. The book not only brings out anti-war messages but also calls on the international community to support Ukraine and help deter further Russian intrusion urgently.

反戰作品——Stand With Ukraine

February 25, 2022March 3, 2022Posted in Photo NoteTagged 烏克蘭, Jason Siegel, 反戰, 戰爭, 俄羅斯Leave a comment

俄軍入侵烏克蘭後，不僅全球多個國家及俄羅斯本土多個城市出現反戰示威，當地及世界各地藝術家及攝影師也以作品表達反戰的立場。

美國攝影師Jason Siegel作品「Shoot Portraits, Not People」。

在英文裏，Shoot指的是開槍、射殺，也有拍攝、拍照的意思，攝影師以這個語帶雙關的詞語為靈感，從2016年開始回收各種相機、鏡頭、菲林、三腳架等攝影器材，然後與藝術家Keith D’angelo一起組裝成不同的「武器」，包括各種衝鋒槍、機關槍及手榴彈等。這系列作品十分有創意，同時帶出反暴力、反戰爭的訊息，作品曾在新墨西哥州Evoke Contemporary畫廊等多處地方展出。

After Russia invaded Ukraine, many countries had anti-war demonstrations. It is reminiscent of “Shoot Portraits, Not People,” created by American photographer Jason Siegel. Shoot refers to pulling the trigger in English and also means taking pictures. The photographer took this pun as inspiration and began to collect used cameras, lenses, films, tripods, and other photographic equipment since 2016, and assembled different “weapons” with artist Keith D’Angelo, including various submachine guns, machine guns, and grenades. These creative artworks carry a message of anti-violence and anti-war and have been exhibited in multiple places, including Evoke Contemporary Gallery in New Mexico.

Vadim Solovyov在2019年開始以Photoshop的創作手法，描繪各種巨型動物出現在聖彼得堡或莫斯科城市街頭，包括企鵝、熊、鴨、蛇及狐狸等，至今已在Instagram發佈逾百幅作品。這些超現實風格的影像十分引人入勝，同時也帶有反烏托邦的意味。他的創作以社會現況或時下局勢為靈感，日前俄羅斯侵略烏克蘭後，他隨即創作這幅作品，一位孩子坐在草地上，天空中飄起一架插滿鮮花、已經解體的坦克，藉此帶出反戰的訊息。

Russia’s invasion of Ukraine not only sparked a mass anti-war movement in Russian cities, but local artists also expressed their “No To War” stance with artworks.

The Digital artist Vadim Solovyov from St. Petersburg has an aesthetic obsession with surrealism. He started creating artworks with Photoshop in 2019, depicting various giant animals appearing on the streets of St. Petersburg or Moscow, including penguins, bears, ducks, snakes, and foxes, a total of over 100 artworks on Instagram so far. These surreal images are fascinating.

Social issues or the global situation inspired the artist. After Russia invaded Ukraine a few days ago, he immediately created this work to bring out an anti-war message. A child is sitting on the grass, and a disintegrated tank full of flowers is floating in the sky. He said: “It hurts. No war. Stop it. “

No War by Shusaku Takaoka

日本平面設計師舒坂高岡（Shusaku Takaoka）擅長以「拼貼」手法進行創作，2015年開始，他將經典名畫、電影畫面或大眾熟悉的影像進行創意拼揍，以刻意的反差感帶來一幅幅充滿趣味的作品。他的作品也以時事為靈感，2015年巴黎發生恐怖襲擊事件，他隨即創作一幅以酒塞擋住槍口的作品；近日俄羅斯入侵烏克蘭，他也創作一幅「No War」的作品，飛行中的轟炸機投下一排炸彈，最後卻變成一隻隻飛鳥，藉此傳達出反戰的訊息。

Japanese graphic designer Shusaku Takaoka started creating inventive artworks by collaging classic paintings or movie stills with popular images in 2015. He drew inspiration from the Paris attack in 2015 and immediately developed an artwork of wine cork blocking a gun. Russia’s invasion of Ukraine recently sparked his idea by creating the artwork “No War.” A bomber dropped a row of bombs suddenly turned into flying birds, which carried a message of anti-war.

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連續式攝影 Duane Michals

February 18, 2022February 18, 2022Posted in 香港Tagged Andy Warhol, Duane Michals, 連續式攝影, Things are Queer, 攝影

很多人都喜歡用老頑童來形容Duane Michals，他沒有學習正規的攝影，也從來不墨守成規，他的照片常常能顛覆你對攝影的想像。某程度上Duane Michals也可視為一名藝術家、一名表現主義者，正如他的連續式攝影及在照片上書寫文字，這些都非傳統攝影所為，但他並沒這個包袱，還說攝影不是到郊外收集風景。他經常說創作時養成習慣，創意就會離你而去，因為他從來不是以攝影技巧取勝，而是以創意與想法為人所讚頌。

與Andy Warhol是同鄉

不說不知，原來Duane Michals與Andy Warhol是同鄉，1932年他生於美國賓州匹兹堡一座叫McKeesport的小市鎮。他比Warhol小四歲，二人在年幼時都愛上藝術，Duane在14歲開始學習水彩畫，21歲在丹佛大學畢業後曾在軍隊服役兩年，之後繼續進修，希望成為一名平面設計師。直到這刻，他與攝影似乎還沒有緣份，正在發現自己對攝影感興趣，是1958年他在蘇聯旅行時的忽發奇想，他想將當地的風景拍攝下來，於是購買人生第一部相機，後來這些照片也成為他第一個展覽的內容，這當然是後話。

自學成才

從事攝影多年，Duane曾為《Esquire》、《Mademoiselle》等雜誌拍攝，但他從來沒上過任何正規的攝影學習，完全是自學成才。這對他而言或許是好事，因為他不會有攝影系學生的包袱，不會受到傳統攝影的約束，畢竟他的照片向來不是以技巧取勝，而是以概念揚名。他敢於與眾不同，在他出道的1950、1960年代，主流攝影界仍流行在攝影棚裡拍攝，當時最鼎鼎大名的Richard Avedon與Irving Penn都是如此，不過Duane並沒有工作室，取而代之把人物安排在相應環境中拍攝，走出非一般道路。1968年，墨西哥政府聘請他拍攝夏季奧運會，1970年在現代藝術博物館（MoMA）舉辦個展，之後又為The Police樂隊專輯《Synchronicity》設計封套，拍攝至今逾半世紀，是攝影界的常青樹。

連續式攝影

Duane最為人熟悉的創舉有兩個，第一是連續式（或系列式）攝影，經常利用多幅照片來呈現一個主題，連續的照片之間帶有敘事性，感覺有如看一部迷你的靜態電影。他比喻自己是一個短篇小說的講故佬，最出名的作品當屬1973年拍攝的《Things are Queer》，首先他拍攝一張廁所的照片，但原來這張照片只是書上的一頁插圖，又原來有個男人正在閱讀這本書，最後發現男人書籍上的照片正是原先廁所照片裡的影像。這系列作品充滿哲學意味，在《Grandpa goes to heaven》這系列作品裡則思考生死問題，Duane影響許多人對攝影的觀感。攝影不只是記錄，也可引發人思考。

書寫照片

在照片上寫字是他的另一個標誌，他說自己受作家、畫家的影響多於攝影師，詩人William Blake、作家Lewis Carroll、畫家Paul Klee及Rene Magritte都是最愛。他說文字可彌補影響無法傳達的內容，這些文字時而諷刺、時而幽默感，兩者結合才構成完成的作品。當然這位老頑童的壯舉還不止於此，他會以雙重曝光來表達超現實的想法，拍攝Rene Magritte的照片正是如此，與Rene超現實主義畫家的身份呼應。晚年時甚至直接捨棄相機，收集濕板攝影法（tintype）照片，然後在照片畫上彩色抽象的幾何圖形，而繪畫正好令可以無限複製的照片成為獨一無二的影像。或許正如他所說，如果攝影只是記錄真實，那就太無趣了。

1965年，他為Rene Magritte拍攝照片，當時這位名成利就的畫家已67歲，33歲的Duane Michals開始嶄露頭角，1960年代初當他在雜誌看見其作品時已為之着迷，及後也從不隱藏對Rene Magritte的喜愛及尊重。

Rene Magritte慷慨地讓年輕攝影師走遍全屋，還邀請他共進午餐。Duane Michals拍攝下許多照片，包括家中的靜物，畫家及他的妻子，有黑白的，也有彩色的。其中幾張在背靠外牆拍攝的照片，最廣為人知，他巧妙地抽取Rene Magritte畫作中的元素，包括背部、帽子等，利用雙重曝光來製造出簡單的超現實畫面，正好凸顯Rene Magritte的身份。

Paul Outerbridge 被忽視的裸體攝影師及彩色先驅

February 15, 2022March 24, 2022Posted in UncategorizedTagged 裸體, 裸體攝影, John Szarkowski, MoMA, Paul Outerbridge, Vanity Fair, VOGUE, 彩色攝影

美國攝影師Paul Outerbridge（1896-1958）是裸體攝影及彩色攝影的先行者，也同樣因為這個原因，他成為上世紀其中一位最被嚴重忽視、甚至詆毀的攝影師，直到他1958年離世二十多年後，他的作品才重新被人發掘及認識，儘管姍姍來遲，但至少後人不再戴著有色眼鏡去觀看他的照片。

成功的商業攝影

Paul Outerbridge生於紐約富裕家庭，十九歲時在紐約藝術學院Art Students League學習解剖學、繪畫和美學，同時開始插畫和劇場設計的工作。1917年，美國加入一次世界大戰，他自願加入美軍服役，其間獲得攝影的經驗。退役後，他輾轉回到紐約，並在1921年進入哥倫比亞大學Clarence White School of Photography學習攝影，開始拍攝黑白的靜物及裸體照片。他的靜物攝影注重構圖與光影，雞蛋、酒杯、花瓶、茶杯、燈泡、蔬菜、器皿等日常生活的物件，在他的鏡頭下均呈現出優雅的紋理與色調。身為一名完美主義者，他堅持以鉑金印相法來製成相片，這也令他的作品十分出色，恍如一幅幅藝術品。

短短一年間，他已在《Vanity Fair》和《Vogue》雜誌發表作品，當藝術家杜象在《Vanity Fair》見到他拍攝的衣領靜物作品《Ide Collar》，更將它撕下貼在牆上。棋盤上的白色衣領充滿美感，國際象棋愛好者杜象將其視為一件現成品藝術（Found Object）。1923年，他成功舉辦首次攝影個展，同時《Vogue》、《Harper’s Bazzar》等雜誌拍攝照片，短短幾年間已成為一名非常成功的商業攝影師。兩年後，年僅29歲的他被任命為英國皇家攝影學會的名譽會員，不過他並沒在倫敦發展，而是前往巴黎任職《Vogue》雜誌，與著名攝影師Edward Steichen共事。

在巴黎的日子裏，他很快與Man Ray及Berenice Abbott等攝影師成為摯友，同時也結識達利及畢加索等藝術家，這對他後來的攝影風格也產生一定影響。1929年回到紐約後，Outerbridge成立攝影工作室，潛心研究彩色攝影及碳溴印相法（Carbro Process）工藝。那時，他一方面為《U.S. Camera》雜誌撰寫攝影專欄，日後更在1940年出版彩色攝影著作《Photographing in Color》。另一方面，他也為家居雜誌《House Beautiful》等拍攝封面以及彩色商業攝影，部分作品更被策展人Beaumont Newhall收錄在1937年MoMA的攝影展覽《The History of Photography》中。

受爭議的裸體攝影

1930年代，那是黑白攝影被視為正宗的時代，甚少有攝影師對彩色攝影感興趣，柯達在1935年推出彩色菲林Kodachrome，令彩色攝影變得不再是高深莫測的技術。面對彩色照片的橫空出世，當時的攝影界不知如何評判，往往只將其與商業及廣告攝影聯繫起來，認為彩色攝影是庸俗而不入流的，無法可與黑白攝影同日而語。有實驗精神的Outerbridge沒有這種包袱或成見，率先大膽地運用色彩進行創作，他的彩色相片雖然在商業世界十分吃香，但在藝術攝影界卻受到輕視。

他不像那個時代的Walker Evans、Dorothea Lange等攝影師，用紀實的方法記錄美國的大蕭條，他的鏡頭是比較內向及私人的。Outerbridge醉心拍攝人體攝影，用彩色攝影探索女性軀體，他說「Nudity is a state of fact. Lewdness, to coin a phrase, is a state of mind.」雖然以今天的標準來看，他的作品充滿美感且十分前衛，然而由於法律禁止展示女性乳頭及陰毛，當時的大眾並不接受這套說辭，普遍將其彩色裸女攝影視為淫穢的影像，硬生生地為他扣上色情的帽子。甚至乎，當時連柯達公司也拒絕處理他拍攝的菲林，還毀壞他拍攝裸女底片，令他感到無可奈何。

一位曾經備受矚目且名成利就的攝影師，就這樣在一片詆毀的罵名中，無奈被迫結束商業攝影生涯，很快消失在雜誌攝影及廣告攝影行業。及後他離開紐約到荷里活，之後搬到加州Laguna Beach，主要幫助妻子Lois Weir打理其時尚事業。1958年，他因肺癌離世，終年62歲。翌年，著名機構Smithsonian Institution曾為他舉辦個展，可惜當時的他已失去業界認可，並未引起太多關注。如果Paul Outerbridge晚出生幾十年，他大概不會遭受如此命運。

重新被認識

1973年，紐約現代藝術博物館（MoMA）攝影部主任John Szarkowski在其著作《Looking at Photographs》中，僅將Paul Outerbridge的彩色照片描述為「商業插圖」（commercial illustrations），畢竟那時的他已被許多人遺忘，如今看來當然有欠公允。三年後，John Szarkowski為攝影師William Eggleston策劃展覽，令他成為第一位在MoMA舉辦個展的彩色攝影家，彩色攝影自此才開始認真被討論及重視，及後也有越來越多拍攝彩色作品的攝影師被重新發掘出來，包括被有意忽視的Paul Outerbridge。

Outerbridge生前將作品捐給Laguna Art Museum，該博物館在1981年為他舉辦回顧展，之後人們才重新探討他在藝術界的重要性，尤其2009年在加州Getty Center舉辦的大型回顧展《Paul Outerbridge: Command Performance》，展出逾百幅他不同時期的靜物、廣告攝影及裸女影像，他對彩色攝影的貢獻，才慢慢地在攝影史上出現在應有的位置，更這位曾經世人遺忘的攝影師，重新出現在攝影界甚至大眾視野中。

2017年，著名出版社TASCHEN重新出版其攝影集同名《Paul Outerbridge》(PhotogShop有售)，系統地呈現他畢生的作品。此書分為三部分，第一個章節是1920年代拍攝的黑白靜物照片，包括雞蛋、花朵、玻璃杯、燈泡等；第二部分是人像、黑白及彩色的裸女照片，可見其唯美的作品明顯受古典油畫風格影響。第三部分是彩色廣告攝影，包括產品靜物及人像，即使以今天的標準來看，依然毫不過時。

瑪嘉烈公主逝世二十週年，照片回顧優雅歲月

February 9, 2022Posted in 人像Tagged Cecil Beaton, 瑪嘉烈公主, Dorothy Wilding, Marcus Adams, 人像攝影

香港人對瑪嘉烈公主（Princess Margaret）應該不陌生，因為瑪嘉烈醫院及何文田公主道均以她的名字命名。身為英女王唯一的妹妹，瑪嘉烈公主與伊莉莎白公主一樣，自小成長於英國王室，也同樣是鎂光燈常客。在她成長的歲月裏，有多位著名攝影師曾為她留下倩影，包括Marcus Adams、Cecil Beaton、Dorothy Wilding及她的丈夫Antony Armstrong-Jones等。2月9日是瑪嘉烈公主的逝世二十週年，藉此透過這些攝影師的鏡頭，來懷緬瑪嘉烈公主。

by Marcus Adams（1875–1959）

英國兒童攝影師Marcus Adams最令人津津樂道之事，就是為兩代英國王室成員留下童年回憶。1927年，當時尚未登基做佐治六世的約克公爵，帶着未滿一歲的女兒伊利沙伯公主（即後來的英女皇）來到攝影師的工作室拍攝，後來另一女兒瑪嘉烈公主（Princess Margaret）出世後，也在工作室留下許多溫馨相片，從BB女影到兩姐妹亭亭玉立。1947年英女皇與菲臘親王（Prince Philip）結婚後，也曾帶過查理斯王子（Prince Charles）及安妮公主（Princess Anne）來過Marcus Adams的工作室拍攝，前後合作近三十年。

by Cecil Beaton（1904–1980）

Cecil Beaton是上世紀著名的時尚及人像攝影師，1937年，他曾為《Vogue》雜誌在法國拍攝溫莎公爵（即卸任皇帝愛德華八世）的婚禮，自此與英國王室結下不解之緣。兩年後，英國王太后（The Queen Mother）邀請她拍照，之後四十年一直深受英國王室喜愛，分別拍攝過英女王與四個子女的溫馨照片，為他贏得王室御用攝影師的稱號。1950年，他為二十歲的瑪嘉烈公主拍攝照片，身穿Norman Hartnell的公主正值妙齡，一身白色禮裙優雅高貴。1953年，他拍攝英女王拍攝加冕一刻的照片，更是其攝影生涯的巔峰。

by Dorothy Wilding（1893–1976）

英國女攝影師Dorothy Wilding十六歲開始接觸攝影，21歲開設攝影室。1928年，他為佐治王子 (根德公爵)拍攝肖像，為日後的王室攝影師之路鋪墊。六年後，她受邀拍攝佐治王子的訂婚照片。1937年，她更在紐約開設攝影室，可見她的商業頭腦。Dorothy Wilding曾為Vivien Leigh、黃柳霜等演員，蕭伯納、赫胥黎、毛姆等作家拍攝，也為英國王室拍攝照片多年，包括年輕貌美的瑪嘉烈公主。她最著名的照片是1952年拍攝英女王登基後的第一張官方照片，這張照片在1953年至1971年被用於英國郵票，也是當時英國駐外大使館懸掛的照片。

左：Antony Armstrong-Jones（1930-2017）

Antony Armstrong-Jones曾是《Sunday Times》報社攝影師，不過他的另一個身分反而更廣為人知——瑪嘉烈公主的丈夫，斯諾登勳爵（Earl of Snowdon）。1960年，他與瑪嘉烈公主共諧連理，是逾四百年來首位與英國王室成員結婚的平民，婚後誕下一對子女。由於他特殊的身分，Lord Snowdon得以拍攝許多英國上流社會及英國王室的照片，當中自然不乏瑪嘉烈公主的照片。即使他在1978年與瑪嘉烈公主離婚後，依然拍攝戴安娜王妃、戴卓爾夫人等名人。英國國家肖像館將他的逾百幅作品列入永久收藏。

右：Baron (1906-1956)

名人攝影師Baron原名Stirling Henry Nahum，成立Baron Studios後第一年，尚未成為瑪嘉烈公主丈夫的Antony Armstrong-Jones曾擔任他的助手。Baron是菲獵親王的朋友，英國王室的許多重要時刻均由他的鏡頭作見證，包括1947年菲獵親王與伊利沙伯公主的婚禮，查理斯皇儲及安妮公主的受洗儀式，當然還有高貴典雅的瑪嘉烈公主肖像。1953年，菲獵親王曾提議Baron拍攝英女王加冕的官方照片，只是王太后更喜歡Cecil Beaton的作品。Baron在1956年逝世，Baron Studio一直運作至1974年，之後將照片贈予英國國家肖像館。

石元泰博桂離宮之美

February 5, 2022March 23, 2022Posted in 香港Tagged 石元泰博, 石元泰博(Yasuhiro Ishimoto, 建築攝影, 日本攝影師, 桂離宮

石元泰博(Yasuhiro Ishimoto, 1922-2012)是日本戰後首位海歸派攝影師，雖然在日本的知名度不及森山大道及荒木經惟等，不過遊走於芝加哥與東京的他，在日本甚至西方攝影史上，均有不可或缺的地位。他的作品曾多次入選紐約現代藝術博物館(MoMA)，他拍攝的京都《桂離宮》(Katsura Imperial Villa)更被譽為日本建築攝影的典範，深深影響許多建築師及攝影師。

出生於三藩市，石元泰博三歲時回到日本高知縣，並在那裡度過少年時期。身為農民兒子的他畢業於高知縣農業高中，為學習現代農耕法，他在1939年重返美國，前往加州大學修讀農業。二戰期間，當日本在1942年偷襲珍珠港後不久，約十二萬日裔美國人被逐出家園，驅趕到全美各地的集中營，石元泰博也不例外，被監禁在科羅拉多州的集中營（Granada Relocation Center），學業也因此中斷。

他在集中營期間愛上攝影，釋放後他先是在芝加哥西北大學修讀建築學，1946年認識美國日裔攝影師Harry K. Shigeta後，開始將重心轉向攝影，並於1948年轉校至芝加哥設計學院(即Laszlo Moholy-Nagy創立的新包浩斯芝加哥分校)，跟隨美國攝影大師Harry Callahan、Aaron Siskind和Gordon Coster學習攝影，在校期間也曾獲得不少攝影獎項。1953年，MoMA攝影部主管Edward Steichen策劃《Always the Young Strangers》展覽，展出25位美國年輕攝影師的作品，這是石元泰博的照片首次進入MoMA。兩年後，他的作品更入選由Steichen策劃的著名展覽《The Family of Man》。

由於石元泰博在日本成長的經歷，Edward Steichen在1953年委託他協助MoMA設計策展人前往日本的寺廟及神壇做研究。作為芝加哥設計學院的畢業生，他熟悉美國當代攝影及包浩斯設計理論，在參觀桂離宮後，他立刻對這座建築物產生濃厚興趣。桂離宮建於日本十七世紀寬永年間(1624-1645)，宮內有四座風格各不相同的書院及茶室建築，被公認為日本傳統美學的圭臬。

石元泰博有建築學及西方攝影的背景，這也讓他攝影風格有別於日本國內的攝影師，戰後日本攝影界奉行土門拳推崇的現實主義風格，石元泰博的攝影作品充滿線條與幾何美感，自然顯得與眾不同。他最經典的作品是《桂離宮》，結合包豪斯建築的簡潔線條以及日本宮殿的簡約及園林，嚴謹地展示出日本建築的獨特美感，在他用德國Linhof相機拍攝黑白攝影裏，桂離宮被分割成一個個靜謐而充滿幾何美感的空間，可謂完美融合東西方的獨特元素。1960年，他出版作品集《Katsura: Tradition and Creation in Japanese Architecture》，更邀來著名設計師Walter Gropius及丹下健三撰文，這系列作品也令他變得廣為人知。

1958年至1961年，石元泰博在芝加哥拍攝很多黑白街頭照片，並於1969年出版攝影集《Chicago, Chicago (シカゴ、シカゴ)》。1961年回到日本後，他曾在不同學府教授攝影。之後三十年間，他曾數次參訪桂離宮，以黑白及彩色相片繼續記錄它的美感。1974年，他事隔十年再次現身MoMA展覽，這時的他已恢復日本身份，以日本攝影師身分參加《New Japanese Photography》展覽，展出十幅桂離宮黑白影像。1996年，石元泰博被日本政府授予「文化功勳獎章」(Person of Cultural Merit)；2004年，他將七千張攝影作品贈予家鄉的高知藝術博物館。石元泰博在2012年去世，享年九十歲。

M+攝影作品：王勁松《標準家庭》、張洹《族譜》

January 29, 2022January 29, 2022Posted in ExhibitionTagged 王勁松, M+, M+博物館, 張洹, 中國藝術家

月初到訪M+博物館，其中一件令我印象深刻的攝影作品，是中國藝術家王勁松的《標準家庭》。

王勁松畢業於浙江美術學院，也有涉獵攝影、裝置及行為藝術。1996年，王勁松邀請200個三口之家在照相館的紅色背景前拍攝家庭照片，原本的拍攝動機是為油畫蒐集素材，他既繪畫出《標準家庭》系列油畫，同年也創作出同名的攝影作品。照片中的一家三口正襟危坐，雖然每個家庭人物的身分、職業及容貌各不相同，然而當重複的影像整齊排列在一起時，卻呈現出驚人的相似之處。這些照片不但可見當時中國人的精神面貌，同時也反映出社會政策對於家庭結構帶來的改變。

當時中國內地以推行「一孩政策」多年，傳統的大家庭逐漸變成標準的三口之家，照片的父母幾乎都讓兒女坐在中間，以顯示對家中唯一血脈的呵護。家庭是構成社會的基本單位，《標準家庭》以一致及重複的照片呈現出這種現象，在「計劃生育」的時代背景下，觀眾很容忽略每個家庭的故事。王勁松以簡單、直觀的家庭照片，延伸出複雜的社會問題，令人反思「標準家庭」帶來的後果，而個人的意志又是如何在國家意識形態下、在時代的洪流下中變得消聲匿跡。

中國藝術家張洹的作品《族譜》以九張照片呈現，記錄的是他千禧年在紐約的一次行為藝術表演。

生於1965年的張洹是河南人，1991年到北京入讀中央美術學院碩士課程，翌年成為北京東村藝術家一員，行為藝術的代表作有《12㎡》、《65公斤》及《為魚塘增高水位》等。他曾如此解釋用身體創作的原因：「我發現自己的身體能成為我的語言，它是最貼近我本質的東西，能夠讓我為他人所認識。」

1998年，張洹移居紐約後，曾創作過一系列探索自我身分認同的作品（他也受從香港移居美加的藝術家曾廣智的《East Meets West》作品影響），2000年創作的《族譜》是他這段時期的標誌性之一。當時他身處紐約一個公園，三位書法家在張洹的臉上不停寫字，包括他親友的名字、面相的術語等，額頭上還寫著「愚公移山」，這個用來表達堅持不懈的成語，曾被毛澤東用來表達「反帝反封建」的決心。

隨著墨水越來越多，臉上的文字也逐漸難以辨別，最終變為一片墨黑色，而張洹的臉容也幾乎無法辨認，反而令人專注在他凌厲的眼神。藝術家透過象徵中國傳統的書法，在身處西方世界的他身上留下的痕跡，表達家族、東方文化對個人的影響，以及思索自身中國人的身分。《族譜》現正被M+博物館收藏，展覽現場的九張照片尺寸逾三米，頗具視覺震撼。

圖片來自M+博物館