畢加索的五張經典照

April 8, 2023March 13, 2025Posted in Classic PhotoTagged 畢加索, Gjon Mili, Irving Penn, ROBERT CAPA, Yousuf Karsh

著名藝術家畢加索生於1881年10月25日，1973年4月8日在法國逝世，享年92歲，藉此來說說五張關於他的經典照片吧。

最經典及最有趣的一張，絕對不能不提Irving Penn在1957年拍攝的這幅。當時攝影師根據約定時間來到法國南部見畢加索，這位西班牙畫家卻假裝不在家，沒有應門，後來Penn的助手爬過鎖着的大門，見到畢加索正在畫畫，最後他允許十分鐘拍攝時間。當時他身穿運動衫，Penn問他可否換衫，畢加索於是披上外套戴上帽，故意不太配合來為難攝影師。這並沒難倒攝影大師，Penn很快地試了幾張不同角度的相片，最後傳世的那張以強烈的光影呈現出畢加索的輪廓，深邃的左眼深深吸引觀者的目光。

許多攝影師都試過在畢加索法國南部的別墅拍攝他，這裏也被喻為是攝影師的惡夢，因為他的兒子總是在不同的房間踩單車，家中又處處是畫布。攝影師Yousuf Karsh在1954年拍攝他時，畢加索曾建議到他的陶瓷畫廊拍攝，當攝影師到達他家中時，他不但記得這個拍攝的約定，還很快地穿上了一件新恤衫，非常配合地試過好幾個姿勢，這張托腮的照片後來也成為Yousuf Karsh攝影集的封面，可見攝影師本人也十分喜歡。

1940年，攝影師Gjon Mili拍攝滑冰運動員時，在冰靴上裝上一個小燈泡，以慢快門的拍攝方法捕捉了運動員舞動的光線軌跡，成就光繪攝影史上的重要作品。後來1949年當他為《LIFE》雜誌拍攝畢加索時，正是向他展示這張光繪照片。畢加索對這種攝影形式非常感興趣，也很快激發出靈感，嘗試去進行這個攝影實驗。畢加索拿起一隻小燈泡隨即在空中舞動起來，Gjon Mili在現場擺設兩部相機，分別拍攝正面和側面，在快門的開闔之間，捕捉下畢加索利用燈泡繪畫的痕跡。短短十五分鐘，畢加索已進行了數次嘗試，成功創作出他那標誌性的半人馬圖案（Centaur）光繪作品。

為畢加索掌鏡的攝影師比比皆是，拍攝他與兒子的溫情瞬間的人，卻不多見。著名戰地攝影師Robert Capa與畢加索是好友，二人同樣反對殘酷的戰爭，一個用畫筆創作出《Guernica》，一個用相機拍攝出《The Falling Soldier》及《D-Day》等著名照片。

Robert Capa曾為畢加索與孩子拍攝許多生活照，這張照片在1948年拍攝，畢加索第三度做爸爸，66歲老來得子，顯得很份外開心。孩子名為Claude，由畢加索與相差四十歲的Francoise Gilot在1947年所生。在Capa拍攝他們一家三口的照片裏，畢加索幾乎都是笑逐顏開的，可惜好景不常，二人關係也並非一直穩定，1953年，Gilot帶孩子離開年逾七十的畢加索，讓他再次進入痛苦孤獨，幸好枯樹逢春，畢加索很快認識第二任妻子Jacqueline，直至1973年離世，這自是後話。

美國攝影師David Douglas Duncan最廣為人知的作品，就是拍攝畢加索的相片。1956年由好友Robert Copa介紹，認識比他年長35歲的大藝術家畢加索，二人一見如故，成為莫逆之交，直至1973年畢加索逝世。畢加索居於法國康城的別墅，David Douglas Duncan經常來拜訪他，為此更搬到鄰近的小鎮居住。他拍攝下許多罕見的畢加索影像，如沐浴、跳舞、扮鬼扮馬、用餐等日常生活畫面。在他出版的28本書籍中，就有八本是關於畢加索的，不僅如此，他也與畢加索的妻子Jacqueline及女兒Catherine成為好友。他說自己感覺就像他的家人，拍攝這些照片是很簡單及自然的瞬間。

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Phil Borges 記錄部落文化

December 12, 2020December 13, 2020Posted in 香港Tagged Enduring Spirit, Irving Penn, Phil Borges, Tibetan PortraitLeave a comment

全球化的當下，人人使用相同的智能手機，但別忘記，這世界原本就是非常多元化的，棲息在不同角落的人，其生活方式也截然不同。生活在全球化的大本營，現年78歲的美國紀實攝影師Phil Borges偏偏對那些遠在他方的部落文化深感興趣，曾是牙醫的他為攝影放下手術刀，三十年來走過五大洲數十個國家，以充滿人文主義關懷的鏡頭，拍攝那些鮮為人知的原始部落。

人是會改變的，眼見當下的Phil Borges對少數民族部落盡顯人文關懷，兒時的他卻是別人眼中的壞小孩，年紀輕輕已販賣非法炮仗，中學時出入差館已是家常便飯。單親媽媽愛子心切，也學孟母三遷移居到較好社區，奈何他仍無心向學，但天資聰穎的他僅靠臨急抱佛腳便能徘徊於合格邊緣，後來經老師鼓勵竟也認真起來，獲獎學金升讀加州大學，畢業後成為一名牙醫。如果Phil Borges是一個安於天命的人，那麼故事到這裡大概就可以劃上句號了，可偏偏他不是，但也算姍姍來遲。45歲時報讀攝影課程，一讀竟重燃激情，毅然放下熟悉的手術刀，走向一個未知的世界。

關注部落文化

美國攝影師Irving Penn有個攝影師計劃叫「Worlds in a Small Room」，帶著可移動的大帳篷，到秘魯山區、摩洛哥沙漠、新幾內亞的森林部落等地方拍攝不同地域的人。Phil Borges受其啟發，關注發展中國家地區原住民的生存狀態，拍攝印尼、肯尼亞、墨西哥、西藏等部落瀕臨滅絕的文化及信仰，以影像喚起主流世界對這些民族或部落的關注。

多年來他嘗試在作品主題與觀者之間建立一種關係，就是不止將他們看成生活某個偏遠角落的族群，畢竟在西方早期攝影史裡，總是將部落民族當成是一種奇觀來拍攝。Phil Borges希望觀者能了解每個人的名字及故事，在對個人的認識中，去尊重他們的文化。正是這種精神及關懷，也令他的作品屢受國際肯定，1998年更獲邀加入國際特赦組織拍攝世界人權的狀況，在世界人權宣言50周年之時展出其系列作品《Enduring Spirit》。

Tibetan Portrait

看Phil Borges的作品，幾乎每幅都是一致的色調，一如既往的中片幅方形照片成為其標誌性，人物總是在畫面中間，深邃的眼神背後似乎是一個個傷感的故事。對他來說，畫面中的每個細節都是故事，所以他常以小光圈拍攝，務求拍攝清晰地拍攝所有細節，豐富畫面的故事性。拍攝於1996年的西藏人像系列《Tibetan Portrait》是他很重要的作品，背景幾乎都是天空白雲與山巒，充滿視覺震撼力，從而帶出他們相同的境遇——都因為追隨西藏精神領袖達賴喇嘛而受到不同程度的壓迫，挨打逃亡，從西藏翻過雪山去印度，以及對於西藏文化流失的悲痛，無不令照片看起來充滿光輝，這是生活在這片高原之上的人獨有的。

影像說故事

類似的故事在世界不同角落重複上演，例如在厄瓜多爾，因為當地1973年發現了石油，吸引許多石油公司爭先開發，但發掘期間石油的洩露，卻令當地部落迫於無奈要不停搬遷，他溫柔的鏡頭正是無聲控訴。Phil Borges明白單靠他一人是遠遠不夠的，所以在千禧年時創建國際交流網站Bridges to Understand，將阿拉斯加北極村、秘魯、柬埔寨、阿塞拜疆等國家的原住民，與北美大城市的小朋友連接在一齊，教導他們如何以影像說故事，去分享、探索文化的多樣性，讓小朋友自小就有觸覺去了解及欣賞多元文化，從而去保育這種文化。

多才多藝Irving Penn 從不重複自己

January 31, 2019January 31, 2019Posted in Exhibition, Interview, Photo NoteTagged Irving Penn, Irving Penn Foundation, Lisa Fonssagrives, tom penn, VOGUE2 Comments

已故美國攝影師Irving Penn在時尚界及攝影界無人不曉，以時尚攝影揚名的他為美國時尚雜誌《Vogue》掌鏡六十多年，鏡頭下的名人多不勝數，當中柯德莉·夏萍、畢加索的照片，更是上世紀的標誌性作品。逝世十年，他的名字卻從沒被人遺忘，由兒子Tom Penn等人主理的Irving Penn Foundation在世界各地舉辦數十場展覽，最近亦在香港舉辦首場亞洲展覽，呈現他多元又新穎的攝影作品。

用二十多張作品來展示Irving Penn的漫長攝影生涯，絕非易事，展覽現場有他的時裝、人像、裸體及靜物攝影等作品，看得出背後用意是貴精不貴多，盡量呈現他多才多藝的一面，因此那幅紅唇上的蜜蜂作品《Bee on Lips》、名模太太Lisa Fonssagrives及柯德莉·夏萍的相片，均一一欠奉。作為觀眾未能一飽眼福固然可惜，然而Tom卻覺得很refreshing，畢竟那些經典之作在過往的大型回顧展中已重複出現，如何在有限的空間裏，盡可能展示父親完整的一面，才是今次展覽的挑戰。

年過六旬的Tom Penn從不張揚，這次也低調不願上鏡，他原本是一名設計師，父親離世後才慢慢主理Irving Penn Foundation的工作。「我從來沒當他是著名攝影師，他也從不把工作帶回家中，他對我而言只是一名和藹可親的父親。」話雖如此，可談起父親的作品，尤其那幅《Turkey Head》及《Football Face》，他仍是讚不絕口，「每次看父親的作品總有驚喜，我覺得他最大的成就，是其作品呈現了視覺上的多樣性（versatility of vision），他是一位遠見的人，從不重複自己。」

半途出家把靜物攝如人像

事實上，Irving Penn在攝影方面只算是半途出家，年輕時他跟隨著名設計師Alexey Brodovitch進修設計，最初到《Vogue》雜誌工作時，參與的是雜誌的版面設計及封面構思，幸好藝術總監Alexander Liberman很快發現他的攝影天賦，鼓勵他往攝影領域發展，多才多藝的他自然沒令人失望，1943年拍攝首個《Vogue》雜誌封面後，自此與這本雜誌結下不解之緣，多年來掌鏡過165個封面，至今無人能及。

二戰後時裝攝影迅速發展，電影《春光乍洩》（Blow Up）正講述時尚攝影師瀟灑放蕩的生活，「大家都以為這是時尚界的面貌，但這不是父親的作為，在他的攝影棚甚至不能抽煙，他是很認真工作的人。」Irving Penn不喜歡浮誇，因他覺得越是簡單的背景，越能捉捕被攝者的靈魂，有時則以黑白鮮明的高反差效果帶來獨特的視覺效果，用光影及表情來突顯人物性格，這在那幅經典的畢加索相片可見一斑。

最難得的是，他從沒把自己侷限在時尚與名人，早在1940年代末，他已系統地拍攝世界各地的少數民族，從秘魯山區、摩洛哥沙漠到新幾內亞的森林部落，都有其足跡，為此他還準備一個移動工作室，利用大帳篷及簡單佈景拍攝不同地域的人，他們的神情及服飾不盡相同，在同樣的背景下卻各有特色。這系列作品創作歷時二十多年（期間也在紐約、巴黎、倫敦拍攝底層工人肖像系列「Small Trades」），最後在1974年出版攝影集《Worlds in a Small Room》，這也是展覽開端的作品。

Seven Metal, Seven Bone, New York (Irving Penn, 1980)

然而貫徹他漫長攝影生涯的主題，卻是靜物，從早期為《Vogue》拍攝的日常物件，到後來的香菸、花朵、器皿、頭顱等，每幅作品均扣人心弦，正好印證他的名言photograph a cake can be art。Tom笑說自己並沒聽過這句說話，但他認為Irving Penn對待靜物就如拍攝人像一樣，「看他的照片，總能令你聯想到一群人正在做什麼事情。」Tom還特別談到父親的繪畫作品，「印象中他每夜回家後便開始畫畫，幾乎日日如是。」多年來他畫下數以千計的繪畫作品，直至近年這些作品才慢慢被人發掘出來，展覽現場的兩幅抽象畫作，正展示他鮮為人知的一面。

《Irving Penn》攝影展

時間：即日至3月7日（星期二至六11am-7pm）

地址：中環皇后大道中80號H Queen’s 12樓佩斯畫廊

·原文見於果籽

古典油畫風 Paolo Roversi

March 7, 2018January 11, 2022Posted in 香港Tagged Elle, Guy Bourdin, HELMUT NEWTON, Irving Penn, Lawrence Sackmann, Marie Claire, Paolo Roversi, Peter Knapp, Richard Avedon, 攝影, 油畫1 Comment

年逾七旬的意大利攝影師Paolo Roversi，鏡頭下的女性影像猶如一幅幅古典油畫，優雅而夢幻。好多人都說他的作品不像廿一世紀的時尚，反而更似十九世紀的油畫，透過柔美的光線刻畫人物的內在一面。獨樹一幟的風格換來的是各大雜誌與時尚品牌的青睞，已故意大利《VOGUE》總編Franca Sozzani對他褒獎有嘉，時裝設計師Romeo Gigli更形容這位多年的合作夥伴，將女性的美麗詮釋得淋漓盡致。

光線對攝影的重要性毋庸置疑，Paolo Roversi最為人稱道的就是對光線的巧妙捕捉，人物攝影非常流行用Rembrandt Lighting，去突出被攝者的輪廓，不過他卻幾乎不用，反而將閃光燈當成畫筆，在黑布上用光繪畫。在黑暗的攝影棚裡面，藉著長時間的曝光過程，用燈光在拍攝對象的身體及面孔上進行局部打光，有時一至二2秒，有時甚至是二十秒，所以要當他的模特兒，似乎先要練好如石膏一樣紋絲不動。雖然好多時候在攝影棚拍攝，但Paolo Roversi最喜歡的還是自然光，利用窗戶透進來的光線進行曝光，長時間的曝光也令光線變得非常柔和巧妙。

Paolo Roversi從來沒有修讀過攝影，對攝影的興趣源於十七歲時與家人去西班牙旅行的所見所聞，回到意大利後與朋友設立黑房，自學沖印黑白照片。攝影道路上，他幸運地遇上Peter Knapp、Lawrence Sackmann等攝影師，身為《Elle》雜誌藝術總監的Peter邀請他到巴黎發展，而Lawrence則教會他成為專業攝影師的一切，Paolo Roversi也在他身上學懂如何不墨守成規。

最初到巴黎時他曾做過記者，慢慢透過朋友才接觸時尚攝影，他發覺攝影師比記者更有吸引力，毅然由文字工作轉為影像拍攝。當時他已懂得拍攝人像，但對時尚攝影並沒太多認識，求知若渴的他索性研究Richard Avedon、Irving Penn、Helmut Newton與Guy Bourdin等時尚攝影大師的作品，之後與Lawrence Sackmann的相遇，更令他大開眼界。「Your tripod and your camera must be well-fixed but your eyes and mind should be free」，這是Paolo Roversi的最大領悟，難怪一般助手只待在Lawrence Sackmann身邊幾天就逃之夭夭，而他卻留了九個月。

離開Lawrence後他自立門戶，開始為《Elle》、《Marie Claire》等雜誌拍攝時尚照片，1980年是他的轉捩點，為DIOR掌鏡的廣告為他帶來知名度，那年他也開始用8×10大片幅寶麗來拍攝，即影即有的那種模糊的形態及光線，頓時成為他的標誌。八十年代時尚業蓬勃，經常出版時裝目錄，這變相也令攝影師有更多空間在作品中表達創意，當時他也為Comme de Garcons、Yoji Yamatomo等品牌拍攝，慢慢在時尚攝影界站穩腳。多年後回憶起這段經歷，他說當年雖算小有名氣，但也並非沒有失落，他曾見到自己作品被人用來包裹鮮魚，也算是一個無聲的耳光吧，令他記憶猶新。

用時尚批判社會 Steven Meisel

January 8, 2018January 27, 2021Posted in 香港Tagged Anna Wintour, Bert Stern, Black Beauty, 顯影, Franca Sozzani, Harper's Bazaar, Irving Penn, Like a Virgin, Make Love Not War, Makeover Madness, Phoebe Cates, Seventeen, State of Emergency, Steven Meisel, VOGUE, 攝影, 時尚1 Comment

時尚攝影總是風花雪月高高在上？對美國攝影師Steven Meisel來講，還是一種宣言。他鏡頭下的模特兒從不缺乏華麗服飾，可他的影像裡還多了一份對社會事件的回應。他說Obviously I feel that fashion is totally racist，不平則要鳴，他以一輯輯照片挑戰社會的既有價值觀，黑人女性、恐怖主義、女性整容⋯⋯他鏡頭下的時尚攝影沒有堅離地的距離感，而是用講故事的攝影手法去描述一個現象或文化，含蓄卻有力量，讓人過目難忘。

現年63歲的Steven Meisel向來低調，留有一頭黑色長髮樣貌標誌的他，甚少出席公開活動，也很少接受傳媒訪問及拍攝。只知他自小已對時尚相當着迷，當其他男孩子吵着要玩具或相機時，他卻鍾意拿着《Vogue》及《Harper’s Bazaar》等時尚雜誌畫素描，12歲時還讓女性朋友假扮攝影大師Richard Avedon的秘書，向模特兒公司要照片。為了見到當時走紅的模特兒Twiggy，甚至在時尚攝影師在Melvin Sokolsky的工作室外守候。

Steven Meisel最初並非攝影師，而是一名插畫師，同時兼職在設計學院教插畫。儘管當時他很仰慕Irving Penn、Bert Stern等攝影師，卻從未幻想踏足時尚攝影這行業。1970年代，時尚雜誌還流行用插畫做封面，他輾轉到《Women’s Wear Daily》做插畫師，平時也利用閒暇時間拍攝模特兒的試鏡照片，後來成為著名女演員的Phoebe Cates正是其一，當年她帶着Steven Meisel拍攝的照片去《Seventeen》雜誌試鏡，卻想不到造就了攝影師與雜誌社的合作。

成名於1980年代，1984年麥當娜第二張專輯《Like a Virgin》的封面照片，正是出自Steven Meisel之手，之後長久地為美國及意大利版的《Vogue》攝影，與美國版主編Anna Wintour、意大利版主編Franca Sozzani這兩位時尚女魔頭合作無間，多年來拍攝過無數封面。在時尚圈打滾多年，見盡行業內的光怪陸離，他用自己最擅長的東西去針砭時弊。2005年的《Makeover Madness》及2008年的《Black Beauty》（又稱Black Issue），諷刺的是時尚行業多年來對美的固有看法，前者以一系列整容的時尚照片，呈現出時尚圈所認為的美其實並非自然的，而且往往會造成傷害；後者正正控訴時尚圈長久以來都是白人模特兒壟斷的局面，他找來四位黑人模特兒拍攝封面及收錄百多張照片，以影像做出最有力的控訴，這一期也是據悉也是最暢銷的一期。

不但如此，面對社會的荒謬，Steven Meisel同樣以影像作無聲控訴。2006年九月號的《Vogue》，諷刺美國在恐怖主義的陰霾下，進入草木皆兵的狀態，其中作為弱勢的女性，更是受到不合理的檢視。他鏡頭下《State of Emergency》系列作品，模特兒被全副武裝的警察拖走搜身甚至毆打，這系列照片當時也引起好大迴響。2007年的《Make Love Not War》系列，則是通過美好的生活畫面與戰爭形成強烈對比，藉此呼籲停止伊拉克戰爭。

致敬式模仿 Sandro Miller

January 5, 2018January 27, 2021Posted in Photo NoteTagged Butterflies, 玩謝麥高維治, Dorothea Lange, 麥高維治, Irving Penn, John Malkovich, Richard Avedon, Sandro Miller, 攝影, 森村泰昌1 Comment

大概許多人都是因為老戲骨John Malkovich這輯「扮嘢」照片，才認識美國攝影師Sandro Miller，事實上他從事攝影超過30年，在廣告攝影界是響當當的名字。他從沒有局限自己，攝而優則導，短片更在康城獲獎。又是個充滿善心的攝影師，每年以攝影作品為慈善組織募捐，出心又出力。名成利就之時，他對那些年影響自己的偉大攝影師仍念念不忘，於是就有了《Malkovich, Malkovich, Malkovich: Homage to Photographic Masters》這系列致敬之作。

208 — Ernest Hemingway by Yousef Karsh (1957)

Sandro Miller多次入選全球Top 200攝影師，獲獎無數，為Coca-Cola、BMW、Microsoft、Nike等大品牌拍攝廣告，作品也常在《The New Yorker》、《Time》、《Esquire》等雜誌出現。最轟動一事，大概是2001年受古巴政府邀請拍攝當地運動員，這是美國與古巴在1960年禁止貿易之後的第一次合作，非常有意義。2011年，攝而優則導的他在康城國際創意節（Cannes Lions International Festival of Creativity），以拍攝John Malkovich的短片作品《Butterflies》獲得Saatchi & Saatchi最佳新導演獎。

回想這一切，其實是源於16歲時，在攝影雜誌《American Photo》上，看到了美國攝影師Irving Penn拍攝畢加索的照片，迷人的黑白影像似乎有種攝力，令他對攝影產生莫名其妙的狂熱。於是他自學攝影，通過看偉大攝影師的作品，了解光影與構圖。Richard Avedon的《Beekeeper》、Yousuf Karsh鏡頭下的海明威，以及Dorothea Lange拍攝的《Migrant Mother》，統統成為他往後創作的源泉。

206 — Salvador Dali by Philippe Halsman (1954)

為了向這群靈感繆斯致敬，他並沒像日本藝術家森村泰昌一樣，將自己置身在那些經典的場景之中，不過做法類似，而是找來合作無間的拍檔John Malkovich幫忙。二人早於1990年代末已開始合作，而John Malkovich又是一位非常實驗精神的人，在1999年的怪雞電影《玩謝麥高維治》（Being John Malkovich）裡，他一人上演多個角色，絕對是拍案叫絕。所以當他向Malkovich講述這個想法時，這位拍檔二話不說就答應，繼續上演攝影版的「玩謝麥高維治」。這系列照片共有41張之多，往往一個造型就要用數小時去準備，所以前後也用了一年多時間完成，2014年在芝加哥Catherine Edelman Gallery展覽時也引起熱烈迴響。

211 — Andy Warhol / Self Portrait (1986)

Pierre et Gilles: Jean Paul Gaultier (1990)

如果不認真看，觀眾很容易就混淆到底孰真孰假，究竟哪幅是原創、哪幅是Sandro Miller的作品？惟妙惟肖的John Malkovich一瞬間是夢露、畢加索，轉過頭他又是達利、愛因斯坦，動作及畫面正模仿了那些經典的攝影場景，絕對是形神俱似。最後更變成John Lennon親吻小野洋子，也彰顯了這位影壇常青樹的出色演技。雖然出來的效果有點令人忍俊不禁，不過Sandro強調，他創作的動機其實是嚴肅的，這些被模仿的名作，都對他的攝影產生過極大的影響，藉此向那些他熱愛的攝影大師們致敬。

攝出靈魂 Irving Penn

January 2, 2018January 27, 2021Posted in 人像Tagged Alexander Liberman, Alexey Brodovitch, Annie Leibovitz, 移動工作室, EUGENE ATGET, 顯影, Harper's Bazzar, Irving Penn, Lisa Fonssagrives, Photographing a cake can be art, Saks Fifth Avenue, VOGUE, Walker Evans, 攝影2 Comments

Photographing a cake can be art

是的，一個有想法的攝影師，拍攝一塊蛋糕都可以是藝術。

美國攝影師Irving Penn縱橫攝影界大半世紀，以時尚攝影揚名，以肖像攝影為後世景仰，作品被紐約大都會博物館、倫敦V&A博物館收藏，1980年代更在紐約現代藝術博物館（MoMA）舉辦個人展覽，成績斐然。如果說現今在攝影界獨當一面的Annie Leibovitz開創了當代肖像攝影的新風氣，那麼早在她成名前20多年，Irving Penn已開創攝影棚肖像攝影的特色，他不喜歡浮誇，對傳統攝影更是堅持，因為他覺得越簡單的背景，越能捉捕被攝者的靈魂。

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名師出高徒

生於俄羅斯猶太家庭，Irving Penn在攝影方面算是半途出家，大學期間修讀繪畫與平面設計，師從著名設計師Alexey Brodovitch，他是時裝雜誌《Harper’s Bazzar》藝術總監，就這樣很幸運地，讀書時期的Penn已在雜誌裡發表一些插圖作品。畢業後他曾擔任百貨公司Saks Fifth Avenue的藝術指導，1941年他前往墨西哥，用一年時間磨鍊自己的繪畫及攝影技巧，旅程中亦對簡潔風格有獨特的理解。回到美國後，Alexey Brodovitch把他推介給《Vogue》藝術總監Alexander Liberman，從此與這本雜誌結下不解之緣。

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從設計師到攝影師

起初Irving Penn僅參與雜誌的美術及插畫設計，Liberman發現他在攝影方面的天賦，鼓勵他往攝影領域發展。不久後，他在1943年拍攝了首個雜誌封面，開始長久的攝影生涯。當時二戰正激烈進行，他在意大利加入同盟國陣營，之後又跑到印度戰場成為戰地攝影師。二戰結束後他重返《Vogue》雜誌，翌年認識了名模Lisa Fonssagrives，並於三年後結婚。經歷過時間歷練，他的時尚攝影風格也逐漸成熟，以簡潔背景來襯托人物與服飾，更常常以強烈對比帶來獨特的視覺效果。在他拍攝一系列名人的照片中，他刻意不使用任何輔助工具，僅以簡單灰色或白色背景來拍攝，以光線及表情來突顯人物性格。半世紀以來他與多國《Vogue》雜誌合作無間，甚至在2009年辭世之前，仍為雜誌拍攝靜物照片，為藝術奉獻一生，他那句名言「Photographing a cake can be art」正是其最好註解。

移動工作室

雖然以商業攝影維生，Irving Penn拍攝的對象卻不止於名人，受到美國攝影師Walker Evans與法國攝影Eugène Atget的寫實作品影響，他的興趣亦逐漸轉向人物及肖像攝影。1940年代尾開始，他帶著可移動的大帳篷作為臨時工作室，與自己的團隊環遊世界，拍攝不同地方的本土文化，秘魯山區、摩洛哥沙漠、新幾內亞的森林部落等地方都有他的足跡。

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他不是拍攝當地美麗的風景，而是將當地人放於移動工作室裡拍攝，貫徹他的風格，Irving Penn喜歡用自然光線，人為光線在他看來會破壞空間的完整。所以他在帳篷上方設置了一個開口，讓自然光線滲進帳篷裡。但即使在同一場景下（背景是倚仗舊的油畫布）拍攝，不同地域的人，他們的神情與服飾均有所不同，他喜歡那種微妙的一致性，細看之下人物卻各有特色。他認為在這種情境下，觀者能從拍攝者的背景抽離出來，更多地集中在被攝者身上，將不同世界之間的隔膜打開。這系列作品拍攝將近二十年，稱為「Worlds in a Small Room」。作品令他聲名遠播，之後他延續理念，拍攝肖像系列「Small Trades」，在紐約等大城市拍攝那些默默奉獻而被社會忽略的人們，作為社會底層職業者的記錄。