香港 – Page 14 – 顯影-PhotogStory

孩子親密照的風波 Sally Mann

March 24, 2018July 5, 2018Posted in 香港Tagged Damaged Child, Immediate Family, My Little Princess, Robert Mapplethorpe, Sally Mann, The Good Wife, 女攝影師, 她媽媽的公主, 攝影2 Comments

美國女攝影師Sally Mann是一個充滿爭議性的人物，1992年她因出版《Immediate Family》攝影集一炮而紅聲名大噪，可也因書中拍攝孩子裸露的照片，被人斥責其作品充滿暴力與兒童色情，受盡千夫所指。2001年她被《Time》雜誌評為“America’s best photographer”，似乎是對其攝影風格的肯定。面對質疑與謾罵，Sally Mann說自己只是拍攝了孩子的親密時光，以母親的角度記錄孩子的成長。

生於1951年，Sally Mann在七十年代中成為攝影師，年僅26歲時已舉辦首個攝影展。1979年以後，三位孩子相繼出世，她的創作也隨母親的職責而減少，一次偶然經驗令她在母親與攝影之間找到平衡點。1984年女兒Jessie眼睛被蟲咬而變得臃腫，她忽發奇想將這個情景拍攝下來，造就《Damaged Child》這幅作品。由此她開始以攝影記錄子女的一舉一動，成為新的創作方向。

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成名系列作《Immediate Family》攝於1984年至1991年，內容主要圍繞三個孩子的成長，收錄了60多幅黑白家庭照片，包括大兒子Emmet、兩位女兒Jessie與Virginia的童年生活，在小屋、草地、床上等地方拍攝孩子天真自然的一面，他們有時穿著簡便衣服、有時赤裸身體，或玩遊戲或在小憩，偶爾還有意外受傷流血的畫面。作品很快引起社會廣泛關注，反應非常兩極，很多人從道德出發，說她鏡頭下的兒童形象有色情及虐待傾向，給她冠以壞媽媽的稱號。一片道德恐慌中，有藝術評論家為她平反，認為她的作品細緻自然，以大片幅拍攝沖曬的作品充滿懷舊氣息與美感。

人人說她遊走於道德邊緣，作為導火線的主角，Sally Mann再三強調自己只是捕捉在原始鄉野中無拘無束的孩子，拍攝過程中並未意識到兒童色情，裸露身體的孩子對她來說只是一件自然而然的事情，而且裸露並非她要表達的主題，眾多作品中也只有十多幅有裸露畫面。她認為這樣的指控是誤讀與偏見，媽媽的角度與觀眾的解讀，可以是兩種截然不同的經驗。

《Immediate Family》無疑令她取得商業上的成功，許多人更將其與拍攝人體攝影的美國攝影師Robert Mapplethorpe相提並論，實際上Sally Mann在孩子進入青春期之後就不再拍攝，一方面當然因為輿論給她帶來許多壓力，另一方面她也希望孩子有更多的私隱與空間。不過她並沒有停止自己的攝影生涯，拍攝風景、屍體等不同主題，作品同樣非常具話題性，也被紐約現代藝術博物館、大都會藝術博物館等眾多知名博物館收藏。

數年前曾有部法國電影叫《她媽媽的公主》(My Little Princess)，講法國攝影師Irina Ionesco拍攝女兒裸照作為作品，卻造成女兒一輩子的陰影，最後對簿公堂打官司。無獨有偶，兩年前美劇《The Good Wife》第七季第二集《Innocents》亦有類似故事。大女兒Jessie Mann曾說這些少年時期的裸體照片為她帶來陰影與傷害，可她一直沒有回應這個指責，相反2015年當她再度展出這些照片時，細女Virginia不但到場支持，還說當年的拍攝是有趣的過程。

等一個與藝術品撞衫的人 Stefan Draschan

March 23, 2018March 22, 2020Posted in 香港, Photo NoteTagged Art Basel, Art Central, 藝術, 藝術品, Martin Parr, People Matching Artworks, Stefan DraschanLeave a comment

Art Basel及Art Central下星期開幕，Asia Contemporary Art Show與Harbour Art Fair今週末已率先開展，不論你為打卡還是真心喜歡藝術，可以預料的是，到時相信會人山人海。當你看藝術品的同時，有沒有想過，自己會成為別人的風景？

奧地利有位攝影師叫Stefan Draschan，就專門在巴黎、柏林及維也納的博物館，偷拍觀看藝術品的人。事緣幾年前，他在柏林看法國畫家Georges Braque作品時，見到有位男人坐在作品前的畫面很有趣，於是就拍攝了下來。幾個月後在慕尼黑及維也納又發現了這樣的巧合，於是決定系統地拍攝這樣的畫面，名為「People Matching Artworks」。這系列作品很有心思，相片中觀看者的裝扮或動作與藝術品形成有趣的巧合，其實這一切都是「設計」出來的，或者說是攝影師耐心等待的結果。

Stefan Draschan經常去比較多大件藝術品的博物館，如盧浮宮及Musee d’Orsay，因較易捕捉到有趣的畫面。他說拍攝這系列作品的心得就是耐性，仔細觀察與藝術品matching的參觀者出現。當他在博物館見到有趣服裝或造型的人時，就會開始追隨目標人物，等他們與藝術品產生對比的時候，就在其背後偷拍，詼諧畫面背後，可能是攝影師數日的等待。其實攝影師還有「People Touching Artworks」、「People Sleeping in Museums」及「Couples Matching」、「Cars Matching Homes」等系列作品，不過相比之下就顯得不太精彩了。

Martin-Parr-Abstract-painting-with-abstract-shirt-United-Arab-Emirates-Dubai-DIFC-Gulf-Art-Fair-2007-c-Martin-Parr-small — 《Crocus Expo International Exhibition Center, 2007》by Martin Parr

網上有評論認為，「People Matching Artworks」作為一系列作品，角度與橫直度均不太統一，顯得很粗疏隨意。Martin Parr在2007年曾拍攝過一幅類似的作品《Crocus Expo International Exhibition Center, 2007》，作品以水平、正面的角度拍攝，顯得很工整，相比之下Stefan Draschan的確相形見絀。不過，「People Matching Artworks」作為一系列作品，要遷就所有角度都統一的話，拍攝難度相信更高，即使交由Martin Parr創作，也絕非易事。這系列照片可遇不可求，偶然捕捉一張相片或者可以，如果要拍攝數十甚至數百張，就不能單靠運氣了。

宏觀敘述者 Andreas Gursky

March 21, 2018March 21, 2018Posted in 香港Tagged Andreas Gursky, Ansel Adams, Cindy Sherman, Edward Weston, Hilla and Bernd Becher, Peter Lik, Rhein II, 宏觀Leave a comment

The Rhine II 1999 by Andreas Gursky born 1955 — Rhein II

一張照片的價格可以有多高？10萬還是100萬？2011年，在紐約佳士得拍賣會上，德國攝影師Andreas Gursky所拍攝的《Rhein II》（萊茵河）以433萬美金成交，超越美國著名藝術家Cindy Sherman的攝影作品，成為世上最昂貴的照片（這個紀錄在2015年被澳洲攝影師Peter Lik一幅650萬美金的美國羚羊峽谷作品《Phantom》所打破）。這張作品看上去平平無奇，視覺震撼也沒有Andreas Gursky其他作品般強烈，身價何以能比Edward Weston、Ansel Adams等攝影大師的作品高幾倍呢？這當然有拍賣的因素，但Andreas Gursky獨特而宏觀的視角，自然也令他成為拍賣場上的常客。

師出名門

1955年，Andreas Gursky生於德國東部的萊比錫（Leipzig），父親和祖父都是商業攝影師。在這種家庭氛圍下，高中畢業後服完兵役的他，來到西部城市埃森（Essen）學習攝影，畢業後他前往漢堡，希望成為一名新聞攝影師，卻遭到雜誌社拒絕。於是他轉而去杜塞爾多夫藝術學院（Kunstakademie Dusseldorf）跟隨藝術家夫婦Hilla and Bernd Becher學習攝影，這所學院曾培養出德國行為藝術家Joseph Beuys和畫家Gerhard Richter等名藝術家，而Becher夫婦也是極具影響力的概念攝影藝術先鋒，他們以拍攝及紀錄工業建築而出名。1981年至1987年期間，在他們的指導下，Andreas Gursky不論是攝影技巧還是觀念，都得到了很好的訓練，而且也找到了自己的創作方向，期間他還參加了一次展覽。

宏觀視角

離開學校後，Andreas Gursky的創作也繼承了Becher夫婦焦點清晰、形式嚴謹的攝影風格，他的拍攝畫面裡充滿了細節，角度非常獨特，而且長期堅持拍攝世界各地類似的主題，可見他的視野之開闊，也不難發現他事前對拍攝主題所做的研究，例如他的證券交易所系列作品就包括了新加坡、東京、芝加哥、香港、科威特等地方，儼如Becher夫婦所拍攝的建築類型學作品，既豐富了主題，又帶來互相比較的意味。這一點明顯是受到Becher夫婦的影響，而且Andreas Gursky走得更遠，他的視角更宏觀，更擅長於表現巨型畫面，以俯瞰的角度、鮮明的色彩，帶來更多的細節，每一幅攝影作品本身也非常有張力，也探討了全球化、消費主義等題材。

Andreas Gursky開始以俯瞰的角度拍攝照片，源於有次他在雪山上拍攝了一張照片，當他在工作室放大觀看時，他在白茫茫的雪山中發現了幾個登山者的身影，這讓他意識到人的視角是很不同的，而某程度上這也是一種局限性，所以後來他更喜歡以宏觀的視角去看這個世界，也開始愈來愈依賴後期製作，去實現他想呈現的視角。《Rhein II》這幅作品也是如此，作品所拍攝的地方是Andreas Gursky生活中市場經過的一個場景，照片裡的白色天空原本是一排工業建築，但他認為白色的天空更應該是萊茵河的真實面貌，更純粹地表達出自己的感覺。

名揚天下

1988年，Andreas Gursky離開藝術學院翌年，已在德國科隆已舉辦了人生第一個個展，時至今天他更於巴黎龐畢度中心（Centre Pompidou）、紐約Museum of Contemporary Art等世界最重要的藝術中心舉辦過個展，包括倫敦泰特現代藝術館（Tate Modern）在內的眾多藝術館也收藏了他的作品。這在攝影界，絕對是為數不多的例子。今天的他不只是攝影師，據維基百科介紹，他是視覺藝術家，或許更確切地說，是攝影藝術家。

消失的動物 Nick Brandt

March 21, 2018January 1, 2022Posted in 香港Tagged BIG LIFE FOUNDATION, Earth Song, Inherit the Dust, Michael Jackson, Nick Brandt, 動物

美國歌手Michael Jackson的《Earth Song》MV，以非常有震撼力的畫面及反思的歌詞，向世人展示地球的傷痛與自然萬物的消逝。為MV掌鏡的是攝影師Nick Brandt，原本是MV導演的他，深受非洲野生動物與大自然生態影響，漸漸放棄成功的導演事業，在非洲土地上近距離捕捉野生動物生態。近數十年來，大自然及野生動物不斷減少，他以影像作為一種無聲控訴，讓觀者反思大自然的真正意義。

曾為MJ掌鏡

出生於英國，年輕時曾在藝術名校Saint Martin’s School of Art修讀繪畫與電影，29歲移居美國後開始成為MV導演，Michael Jackson的《Stranger in Moscow》、《Cry》等歌曲MV都是出自他之手，當然最出名是1995年在非洲坦桑尼亞拍攝的《Earth Song》，這首MV控訴人類犯下的錯誤如何使自己痛失大自然及家園。此行讓他愛上非洲，之後更開始攝影生涯，熱衷拍攝非洲的原始生態。

捕捉動物情感

一般的動物攝影都是遠距離拍攝壯觀的畫面，不過Nick Brandt總是用拍攝人像的手法拍攝野生動物，先是與牠們靜靜相處，等到動物對他的存在完全放下戒心，等待適合的天氣及動物的姿態，才能拍攝出牠們最動人的一刻。他喜歡用中片幅菲林相機拍攝，相對龐大的相機也為拍攝增加難度，他甚少用長焦距鏡頭，只能盡量地靠近拍攝的動物，在相處過程中感受動物的情感。草原上形形色色的動物，大象、長頸鹿、斑馬、獅子⋯⋯畫面華麗而神秘，深邃的眼神彷彿充滿靈魂，在訴說一個個故事。

大象的眼淚

隨著拍攝次數越來越多，他愈發感受到動物所面臨的惡劣環境。2007年，Nick Brandt在肯尼亞拍攝大象Igor，牠在當地Amboseli Park國家公園生活49年，兩年後卻被偷獵者屠殺了，這件事令他覺得這一切並非必然。有見亞洲對象牙的需求大增而引發更多大象屠殺事件，2010年他成立非謀利組織BIG LIFE FOUNDATION，組織巡邏隊阻止捕殺動物的人，抵制在國家公園內的偷獵行為，數年來已經拘留超過2,000名偷獵者。

Inherit the Dust

在非洲拍攝十多年，眼見非洲大陸這獨一無二的生態系統，正如遠古的北美洲一樣消逝，從一望無際的曠野變成荒涼廢墟及開發工地，城市的發展與污染亦改變了當地面貌，非法捕獵、砍伐森林等行為，更令這些動物痛失生命或家園，Nick Brandt不無心痛，啟發他創作《Inherit the Dust》系列作品。

他將曾經拍攝過的那些瀕臨絕種的動物照片，以1：1的真實尺寸印刷在巨型畫板上，然後放在牠們原本棲息的土地上進行拍攝。大象生活的地方變成垃圾站，獅子生活的地方變成工地。那些商場天橋，曾是犀牛、長頸鹿漫步的地方，而這些破壞，不僅發生在過去的數十年間，此時此刻也在不斷重演。如果人類再不做些什麼，或許數十年之後，人類能繼承的便沒有動物，只剩下塵埃。

圖片來自Nick Brandt網站：https://www.nickbrandt.com/on-this-earth-trilogy/

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崇尚裸體 Mario Sorrenti

March 14, 2018March 3, 2025Posted in 香港Tagged HELMUT NEWTON, Kate Moss, Mario Sorrenti, ROBERT FRANK2 Comments

時尚圈中，拍攝裸體的攝影師比比皆是，最揚名大概非已故法國攝影師Helmut Newton莫屬，有名到一個程度是，模特兒去到他工作室就自動脫光光。不過據聞他最初入行時也會靦腆問模特兒能否除下衣服拍照，相比之下另一時尚攝影師Mario Sorrenti反而開放前衛得多，皆因他年輕時做過模特兒，時常有其他攝影師為他拍攝裸體照片，對於全裸早已習以為常，就算衣不蔽體也毫不尷尬，所以當他拿起相機拍攝裸體模特兒，一切都顯得很自然。你可以說他崇尚裸體，因為在他看來，裸體是卸下偽裝後最純潔的狀態。

有如此想法，大概與他父親息息相關，老Sorrenti是位古典藝術教授，也曾是一名畫家，畫過不少裸體女性。潛移默化間，當Mario Sorrenti拿起相機進行拍攝時，兒時記憶中流露天性的女性形象，就成為他影像世界的創作源泉。1971年生於意大利，Mario十歲時才移民到紐約，作為藝術家後代，自小他就展現出過人的藝術天賦，他曾經想成為油畫家，這或多或少是受其父親影響。18歲時他迷上攝影，自學成才成為時尚攝影師，這方面或許要得益於身為創意總監及時尚攝影師的媽媽Francesca Sorrenti。順帶一提，弟弟Davide Sorrenti也是時尚攝影師，可惜20年前因過度吸毒身亡。Mario Sorrenti雖然在美國長大，但骨子裡仍滲透出意大利的文藝風格，作品中的人體頗有雕塑般的輪廓，微光灑在模特兒皮膚上，就像一幅古典油畫。

與Kate Moss的一段情

攝影師多戀人不出奇，Mario Sorrenti最為人津津樂道的一段情，便是名模Kate Moss。他們曾經一齊擔任廣告模特兒，當時二人都名不見經傳，後來Mario成為攝影師，1993年為Calvin Klein拍攝的「Obsession」香水廣告系列（之後亦多次為CK廣告掌鏡），模特兒正是Kate。Mario是最早拍攝Kate的攝影師之一，身為戀人，他們一齊度假一齊創作，他鏡頭裡的Kate非常迷人，全裸上陣的Kate彰顯其中性美學及頹廢風格，結果這輯廣告非常成功，亦令二人都開始展露頭角。可惜這段短暫羅曼史未能修成正果，兩人由於性格不合而分開。多年之後，功成名就的二人再度合作，為意大利《Vogue》拍攝封面，Kate Moss與女兒Lila Grace一齊上陣，主題是Love，感覺還挺溫馨的。

色彩慾望

早期作品受Robert Frank和Larry Clark等攝影大師所影響，Mario Sorrenti拍攝過不少自然寫實的黑白照片，成為時尚攝影師後，他逐漸建立起自己的風格，放棄了舊有的黑白風格，以豐富的色彩刺激視覺，而色調豐富的裸體作品更能喚醒觀者慾望。憑藉1990年代為美國和意大利版《Vogue》和《Harper’s Bazaar》雜誌拍攝的一系列挑逗意味的專題而活躍於時尚圈，1996年為《W》雜誌拍攝的一系列極具水彩風格的作品，更是轟動一時。後來他也為Shakira等歌手拍攝專輯封套，作品更在倫敦V&A博物館及紐約現代藝術博物館（MoMA）展出。

捕捉占士甸 Dennis Stock

March 13, 2018September 29, 2021Posted in 香港Tagged Audrey Hepburn, Berenice Abbott, Billie Holiday, Dennis Stock, East of Eden, Gjon Mili, James Dean, Life, Louis Armstrong, MAGNUM PHOTOS, Mike Davis, ROBERT CAPA, 占士甸, 夢露, 嬉皮士

攝影師與明星，往往有千絲萬縷的關係，互惠互利，也可成為知己。2015年有部電影叫《捕捉占士甸》（Life），就是講述美國攝影師Dennis Stock與一代不羈影星占士甸（James Dean）的故事。

1955年，Dennis憑藉一輯拍攝占士甸的照片成名，之後也拍攝過Louis Armstrong等爵士歌手、夢露及Audrey Hepburn等名人；記錄過1960年代的嬉皮士運動，也為建築物與自然風光留下倩影。從影近60年，風格多變，人們最念念不忘的，仍是他與占士甸的回憶。

Dennis Stock生於經濟大蕭條時期的紐約，兒時家中經濟拮据，經常搬家，甚至住過沒暖水的公寓。19歲時加入海軍服役，四年後回到紐約，曾在學校跟隨著名攝影師Berenice Abbott短暫學習攝影，之後也曾擔任另一著名攝影師Gjon Mili學徒。1951年，他憑藉一系列拍攝當地東德移民圖片故事，贏得《Life》雜誌舉辦的年輕攝影師獎項，之後更獲攝影師Robert Capa邀請，成為著名攝影通訊社Magnum Photos的合作會員。浮浮沉沉幾年，曾在巴黎拍攝，後來到hollywood拍攝名人生活，卻一直找不到方向，直到他遇見占士甸，一個改變他一生的人。

占士甸是那個時代的icon，發生車禍身亡時僅24歲，生前拍過三部電影，絕對是天妒英才。憑藉不羈的造型，他在影迷心中留下的印象至今不滅，當中尤以1955年Dennis Stock拍攝的形象最廣為人知。當時占士甸剛拍攝完首部電影《East of Eden》，Dennis認識他時電影仍未上映，看完首映後，他覺得這位小伙子會一舉成名。Dennis生活捉襟見肘，長期與妻兒分離，攝影生涯也迷茫，極需一個機會來證明自己。占士甸也很迷惘，雖然離成功一步之遙，卻無法確定自己想要甚麼，兜兜轉轉下，最終還是接受Dennis邀請。

在紐約時代廣場前，占士甸穿着外套、口中咬着香煙，在微雨中緩步前行，Dennis在他前面邊走邊拍攝，造就出那個經典的不羈形象。之後也有幾個攝影師拍攝過占士甸，不過Dennis是唯一一個與他一齊踏足家鄉拍攝的攝影師，那批作品與時代廣場的照片一同登在《Life》雜誌上，獲得了很好迴響。

照片改寫了兩個人的命運，但軌跡卻截然不同，占士甸因車禍命赴黃泉，僅留下不羈象徵為後世所傳頌，Dennis則平步青雲，繼續探索不同的題材，拍攝過Louis Armstrong、Billie Holiday、Mike Davis等爵士音樂家，也在加州、新墨西哥州等地記錄方興未艾的嬉皮士運動。他算是彩色攝影的先行者之一，晚年的他繼續不停探索，拍攝了許多自然風景的彩色照片，對拍攝建築物及花朵也甚有研究。

(二)From Martin Parr To Hong Kong Parr

March 10, 2018January 7, 2026Posted in Exhibition, 香港Tagged Martin Parr, 展覽2 Comments

「數碼年代下誕生很多攝影師，同時也出現很多垃圾照片。攝影不是為了按下快門而出現，而是為了表達想法、傳達思考。」

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Martin Parr是馬格蘭攝影通訊社 (Magnum Photos)攝影師，也曾擔任通訊社主席。他的攝影生涯始於1970年代，從英國本土出發，多年來在世界各地不同城市拍攝，食物、人像、消費文化等，將藝術與紀實共融於同一鏡頭之下。

他沒有像通訊社的前輩們一樣走進戰爭場地或貧窮地方，而是在那些看似再普通不過的地方拍攝人們的生活百態，他的照片色彩鮮豔，往往帶有詼諧及諷刺意味，看似隨意又不乏趣味點。他鏡頭下的每個城市都充滿幽默感，所以當他將鏡頭瞄準香港時，便可見廣東道的自由行、街市的豬肉佬、馬場的馬迷等畫面。

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小時候的Martin Parr在業餘攝影師爺爺的耳濡目染下對攝影產生興趣，1970年，他在前稱Manchester Polytechnic的曼徹斯特都會大學學習攝影，並於不久後成為職業攝影師。那個年代彩色攝影雖已誕生，但攝影藝術創作仍以黑白照片正宗，他早期的作品集《Bad Weather》（1982年）也是以黑白菲林拍攝。

1976年，美國攝影師William Eggleston在紐約現代藝術博物館(MoMA)的彩色攝影個展，開始改變業界對彩色攝影的偏見，與Stephen Shore等人一同掀起彩色攝影革命。遠在大西洋另一端的Martin Parr也深受影響，他在1982年開始拍攝彩色照片，並將其帶入紀實攝影。

他並不在乎Robert Frank等人推崇黑白攝影的論調，他認為紀實攝影不應有黑白或彩色之分，最重要的是照片如何講述故事，而他覺得彩色攝影能更好地展示色彩繽紛的世界。1986年，他出版第一本彩色攝影集《The Last Resort》，也幾乎是在這段時間，他停止拍攝黑白照片，直至現在。

即使是紀實攝影，他也沒有追隨前人的腳步拍攝社會運動那千鈞一發的場面，反而將鏡頭聚焦在瑣碎之事，沙灘、人群、食物、奇異表情，這些照片色調濃烈，往往令人忍俊不禁。與其他攝影師的宏觀及探索社會議題的作品相比，Martin Parr的照片自然顯得媚俗，有人說這些照片低俗、有人說帶有批判性，惹來不少爭議，以至後來1994年他加入馬格蘭時，通訊社裡仍有不少反對聲音。

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然而在他看來，紀實是非常主觀的事，他時常舉的例子是，在大雪紛飛的夜晚拍攝，一張使用閃光燈，另一張用慢快門拍攝，結果是截然不同的畫面，究竟哪個才是真實？所以他並不在乎那些評論與解讀，他只是繼續以自己的方法去拍攝，去呈現他所見到的真實。那麼當他來到香港，所拍攝的又是哪一種真實呢？

一座城市有很多種面貌，在攝影師Michael Wolf及Romain Jacquet-Lagreze眼中是密不透風的石屎森林，同時又是充滿人情味與活力的社區。Martin Parr鏡頭下的香港，是實實在在的生活場景，人們在墳場拜山、在景區拍照、在渡輪上看報紙、在廣東道的名店門外排隊、用望遠鏡在馬場觀看賽事。生活在這城市裡的人對這些畫面司空見慣，不要說專程拍攝了，甚至連駐足觀望的慾望也沒有，他卻以敏銳的觸覺捕捉下來，呈現他所看到的香港城市生活。

這些照片某程度上也延續Martin Parr的風格，乍眼望去平平無奇，是生活中熟悉的場景。當仔細觀賞時，卻又隱隱發現畫面中的趣味點，走神的眼睛、旅行社裡的「此處不換零錢」指示牌、名車與清潔工人所象徵的貧富懸殊、名店外的自由行遊客，無不充滿著幽默感或諷刺意味。

他說這次香港之行共拍攝3,000多張照片，僅挑選當中約30張集結成攝影集《Hong Kong Parr》，並結合《The Last Resort》及《Luxury》兩個系列舊作在香港舉辦首個攝影展。

Martin Parr曾在2014年於黃竹坑BLINDSPOT GALLERY舉辦香港首個個展《Hong Kong Parr》。相片鳴謝刺點畫廊

(一)Martin Parr 彩色紀實攝影的實踐

March 10, 2018January 7, 2026Posted in 香港Tagged MAGNUM PHOTOS, Martin Parr

看英國攝影師Martin Parr的作品，色調鮮豔飽滿、鏡頭畫面看似隨意卻又充滿詼諧，同時帶有諷刺味道，令人忍俊不禁。相比起其他Magnum Photos攝影師，他沒有走進戰爭場地或貧窮地方，而是在遊人如織的景區拍攝旅遊景點的人生百態。他或許未能像Robert Capa般拍攝出流芳百世的作品，但他捕捉的每一個畫面，往往帶有獨特看法，同樣也值得觀者去反思。

1952年，Martin Parr生於倫敦東南部的Surrey County，在業餘攝影師爺爺的耳濡目染下，小時候的他希望成為一名紀實攝影師。懷著這樣的夢想，1970年至1973年期間，他進入曼徹斯特都會大學（前稱Manchester Polytechnic）學習攝影，並於畢業後不久正式成為一名職業攝影師。

最初他以黑白攝影為主，早期的作品集《Bad Weather》（1982年）便是以黑白菲林拍攝，後來他受美國新彩色攝影（New Color Photography）運動影響（尤其是William Eggleston），轉而在1984年開始將彩色手法帶入紀實攝影。兩年後，他推出一本彩色攝影集《LAST RESORT》，這些作品與傳統的彩色照片截然不同，色彩濃烈之餘又帶有俗媚的感覺，在當時也被批評為低俗。

GB. England. New Brighton. From ‘The Last Resort’. 1983-85.

然而Martin Parr卻不以為然，他覺得紀實是一種很主觀的東西，攝影師所呈現的畫面與真相有時並不是同一回事。他或許不及通訊社其他攝影師般充滿使命感，踏上戰場揭示戰爭的殘酷與無情，但他認為自己也在拍攝世界的真實面貌，他只是用自己的形式去表達想法，去呈現他主觀的紀實。雖然身為Magnum Photos攝影通訊社攝影師（後來還成為主席），但世人對他這位「異類」攝影師一直不乏爭議，當他仍是Magnum見習生時已有反對聲音，然而在1994年倫敦會議上，他還是以三分之二票數通過，成為通訊社成員。

儘管如此，爭議與批評並未隨之而去，1995年他在位於巴黎國家攝影中心（Centre National de la Photographie）舉辦展覽，當時布列松看完展覽後，更形容他是來自不同的星球。Martin Parr看似隨意詼諧的攝影手法，固然缺乏布列松的那種浪漫主義，但這並不意味著他的作品沒有深度，他只是以獨特的色彩和構圖，去呈現他心目中的紀實手法。

古典油畫風 Paolo Roversi

March 7, 2018January 11, 2022Posted in 香港Tagged Elle, Guy Bourdin, HELMUT NEWTON, Irving Penn, Lawrence Sackmann, Marie Claire, Paolo Roversi, Peter Knapp, Richard Avedon, 攝影, 油畫1 Comment

年逾七旬的意大利攝影師Paolo Roversi，鏡頭下的女性影像猶如一幅幅古典油畫，優雅而夢幻。好多人都說他的作品不像廿一世紀的時尚，反而更似十九世紀的油畫，透過柔美的光線刻畫人物的內在一面。獨樹一幟的風格換來的是各大雜誌與時尚品牌的青睞，已故意大利《VOGUE》總編Franca Sozzani對他褒獎有嘉，時裝設計師Romeo Gigli更形容這位多年的合作夥伴，將女性的美麗詮釋得淋漓盡致。

光線對攝影的重要性毋庸置疑，Paolo Roversi最為人稱道的就是對光線的巧妙捕捉，人物攝影非常流行用Rembrandt Lighting，去突出被攝者的輪廓，不過他卻幾乎不用，反而將閃光燈當成畫筆，在黑布上用光繪畫。在黑暗的攝影棚裡面，藉著長時間的曝光過程，用燈光在拍攝對象的身體及面孔上進行局部打光，有時一至二2秒，有時甚至是二十秒，所以要當他的模特兒，似乎先要練好如石膏一樣紋絲不動。雖然好多時候在攝影棚拍攝，但Paolo Roversi最喜歡的還是自然光，利用窗戶透進來的光線進行曝光，長時間的曝光也令光線變得非常柔和巧妙。

Paolo Roversi從來沒有修讀過攝影，對攝影的興趣源於十七歲時與家人去西班牙旅行的所見所聞，回到意大利後與朋友設立黑房，自學沖印黑白照片。攝影道路上，他幸運地遇上Peter Knapp、Lawrence Sackmann等攝影師，身為《Elle》雜誌藝術總監的Peter邀請他到巴黎發展，而Lawrence則教會他成為專業攝影師的一切，Paolo Roversi也在他身上學懂如何不墨守成規。

最初到巴黎時他曾做過記者，慢慢透過朋友才接觸時尚攝影，他發覺攝影師比記者更有吸引力，毅然由文字工作轉為影像拍攝。當時他已懂得拍攝人像，但對時尚攝影並沒太多認識，求知若渴的他索性研究Richard Avedon、Irving Penn、Helmut Newton與Guy Bourdin等時尚攝影大師的作品，之後與Lawrence Sackmann的相遇，更令他大開眼界。「Your tripod and your camera must be well-fixed but your eyes and mind should be free」，這是Paolo Roversi的最大領悟，難怪一般助手只待在Lawrence Sackmann身邊幾天就逃之夭夭，而他卻留了九個月。

離開Lawrence後他自立門戶，開始為《Elle》、《Marie Claire》等雜誌拍攝時尚照片，1980年是他的轉捩點，為DIOR掌鏡的廣告為他帶來知名度，那年他也開始用8×10大片幅寶麗來拍攝，即影即有的那種模糊的形態及光線，頓時成為他的標誌。八十年代時尚業蓬勃，經常出版時裝目錄，這變相也令攝影師有更多空間在作品中表達創意，當時他也為Comme de Garcons、Yoji Yamatomo等品牌拍攝，慢慢在時尚攝影界站穩腳。多年後回憶起這段經歷，他說當年雖算小有名氣，但也並非沒有失落，他曾見到自己作品被人用來包裹鮮魚，也算是一個無聲的耳光吧，令他記憶猶新。