攝影既可記錄現實，亦可創造「事實」。關於攝影的真實性，美國作家桑塔格（Susan Sontag）在其著作《論攝影》（On Photography, 1977）裏早有精彩論述，無獨有偶，同年美國藝術家Cindy Sherman開始創作自拍自演的黑白劇照系列《Untitled Film Stills》，不過直到1980年代初，編導式攝影（Staged Photography）才正式成為一種攝影創作類型，由Jeff Wall、Gregory Crewdson及Philip-Lorca diCorcia等攝影藝術家發揚光大。
編導式攝影利用特定的場景與人物進行拍攝，畫面常常充滿戲劇性效果，令作品遊走於實現與虛構之間的模糊邊界。在耶魯大學取得藝術碩士學位的Philip-Lorca diCorcia，在1980年代初試鋒芒，一幅幅家人及朋友的生活照片看似日常，彷彿不經意捕捉的畫面，其實一切都是藝術家的編導。正如那幅《Mary & Babe》，坐在梳化上的女性眼光望着正在穿褲的男性，看似抓拍了一個隨意而偶然的瞬間，不禁令觀者幻想兩者的對話，然而這個獨特的視角與畫面的張力，卻是藝術家的精心安排，足見他對環境及人物的調動能力。
現年70歲的diCorcia，2019年在中環卓納畫廊舉辦大中華區地區首次同名回顧展，帶來六個系列作品，不同系列作品之間的關係相互緊扣，從中也勾勒出藝術家的創作歷程。1990年代初拍攝的《Hustler》（男妓）是承前啟後的作品，他在洛杉磯Santa Monica大道周邊的街頭及汽車旅館，拍攝男性及跨性別賣淫者的照片，以被攝者的姓名、年齡、出生地及性服務費用來命名作品。精緻的燈光及佈置，一方面既反映男妓的複雜內心，而在街頭的創作也啟發出他的另一系列作品《Streetwork》。
閃光燈街拍 加強戲劇性
莎士比亞說，人生就如舞台，diCorcia亦覺得，生活就是表演。在《Streetwork》作品裏，他在紐約、倫敦、東京及香港等大都會的街頭，拍攝途人行走的場景。有別於一般的街拍，他在取景範圍之外裝上閃光燈，生硬的燈光令畫面充滿戲劇性，而這種建基於真實場景的戲劇效果，又與編導式攝影截然不同，diCorcia的作品可謂進一步探討了真實與虛構的關係。
千禧年初創作的《Heads》系列，衍生至《Streetwork》，運用同樣的創作手法拍攝，鏡頭更聚焦在途人的表情神態，強光照射在紐約時代廣場街頭的路人臉龐，令其似乎從背景中抽離出來，更具戲劇效果。diCorcia拍攝三千多張相片，最後只挑選17張作品，來重現他心目中完美的「決定性瞬間」，然而他的這種人為的燈光操控，又使他從傳統的街頭攝影中脫穎而出。他說自己不習慣拍攝人物，這系列作品從遠距離用腳架拍攝，甚至不用與被攝者對話，雖然曾因肖像權問題惹上官非，幸好法庭判他勝訴。
藝術創作之外，diCorcia其實也是一名商業攝影師，《Streetwork》系列就是他在世界各地工作時利用閒餘時間創作的。而在他的商業攝影裏，更將編導式攝影發揮得淋漓盡致，1997年至2008年期間，他曾為《W》雜誌創作一系列照片，將模特兒與演員置身同一空間，既融入品牌服裝，同時又以豐富的敘事增添藝術感。這些畫面並非傳統時尚攝影的色彩繽紛，某些作品甚至令人感受到美國畫家Edward Hopper與英國畫家David Hockey畫作中的孤寂與疏離，彷彿置身電影場景一般。 ～照片由卓納畫廊提供
