Ansel Adams – 顯影-PhotogStory

Edward Weston 靜物的生命力

January 1, 2020January 1, 2020Posted in 香港Tagged Alfred Stieglitz, Ansel Adams, Edward Weston, 青椒, 靜物, guggenheim fellowship2 Comments

對美國攝影師Edward Weston（1886-1958）來說，攝影不只是記錄影像，還要精確地呈現主題，他提出「Seeing Photographically」，那是一種預視技巧，即攝影師在拍攝前，透過畫面構圖和攝影角度，已能知道影像最終結果。或許正因他那獨特的眼光與角度，其靜物及裸女作品才如此充滿生命力。

孤獨的藝術家

很多人喜歡用孤獨來形容藝術家，那難怪他自小就有藝術家氣質。母親早逝，身為產科醫生的爸爸於是再婚，他和繼母、繼兄弟相處不融洽，長年由姐姐照顧，姐姐結婚後搬走，孤僻的他整天待在房間，連學校也不上。如此狀態持續幾年，直至十六歲生日時，父親送給他柯達No. 2 Bull’s-Eye盒子相機。他帶着相機去旅行，自此對攝影產生濃厚興趣，還買下一部有觀景器的相機。

他的早期作品雖不成熟，但已相當有藝術氣息，還利用工作的閒餘時間學習拍照。二十歲時，滿懷自信的他將照片寄給《Camera and Darkroom》雜誌，沒想到雜誌用一整版刊登，也算是嶄露頭角吧。在姐姐介紹下，他與年長七歲的富家女Flora結婚，利用岳父遺產開設工作室THE LITTLE STUDIO，為朋友及家人拍照，同時其創作亦得到認同，獲得幾個國家攝影比賽獎項後，開始出版照片及為雜誌撰寫文章。當時紐約是美國攝影的文化中心，他專程前往拜訪攝影師Alfred Stieglitz等，慢慢改變他對攝影的看法，與風景攝影大師Ansel Adams的相遇，促成他們在1932年創立攝影團體GROUP F/64。1937年，他成為首位獲得Guggenheim Fellowship榮耀的攝影師，獲獎後更投入自由創作，直至1945年獲得柏金遜症，才逐漸放下相機。

裸女與靜物

Edward Weston以靜物及裸體模特兒照片為人所認識，1920年，他開始拍攝裸體模特兒，最初的拍攝對象就是妻子Flora和兒子們，之後也拍攝助手、情人及舞蹈員等，照片展現女性的曲線美，將人體攝影提升至更高層次。出於對沙灘上海帶形狀的好奇，1930年開始他拍攝蔬菜及水果的特寫，椰菜、芥藍、洋蔥、香蕉，當然還有標誌性的青椒。他用四天時間拍攝至少三十張青椒照片，造就《PEPPER NO.30》這張著名作品，照片看上去有雕塑般的質感，畫面中的平衡、曲線的比例恰到好處，被譽為靜物攝影的典範之一，可見他的美學素養及獨到的眼光。

光影與角度之魅 Ralph Gibson

December 18, 2018July 26, 2022Posted in Photo NoteTagged Ansel Adams, Dorothea Lange, Eugene Smith, Ralph Gibson, ROBERT FRANKLeave a comment

Eugene Smith的照片是反映社會的不公平、Ansel Adams風景照片重新定義壯觀與層次感、布列松的決定性瞬間影響無數後來者⋯⋯每位偉大攝影師都總有令人喜歡的理由，美國攝影師Ralph Gibson之所以備受讚賞，除了因為他將光影與構圖的美感發揮至極，還在於他將照片轉化為一種視覺符號。

海軍攝影師

Ralph Gibson的攝影之路很偶然，十七歲時加入美國海軍，利用閒暇時間學習攝影，並成為海軍攝影師（Photographer’s Mate）。結束海軍生涯後，他旋即入讀San Francisco Art Institute攝影系，這時他的攝影技巧已相當純熟，當時還成為著名女攝影家Dorothea Lange助手，得以近距離觀察她的攝影創作。1962年在畢業後，他成為一名自由攝影師，及後也曾協助另一著名攝影師Robert Frank拍電影。他也當過攝影記者，但很快發現自己並非想透過攝影講述新聞事件，而是敘述個人想法，於是他拍攝女性胴體，利用強烈對比的光影線條，在作品中講述自己的想法。

商業頭腦

能跟隨大師學習，誠然是他的幸運，但他並沒迷失在前輩的思想裡，他的成功更多是因為他獨特的風格，以及懂得向世人展示自己作品的生意頭腦。1969年，他與Robert Frank分道揚鑣後，在紐約成立出版公司Lustrum Press，接著數年裡，連續出版《The Somnambulist》、《Deja-Vu》和《Days at Sea》三本攝影集。這三部曲不但令更多人認識其作品，他的出版生意也有聲有色，可謂名利雙收。除了自己作品，他也幫前輩Robert Frank、好友Mary Ellen Mark及名不見經傳的新人出版攝影集，還發行黑白攝影教科書，這種營商頭腦是其他攝影大師所沒有的。

高反差的局部符號

Ralph Gibson的作品以黑白、高反差及局部化的處理手法見稱，充滿豐富的視覺元素，錯位的畫面、嫵媚的女性、強烈的光暗對比，牽扯著觀眾的情緒，看似神秘又頗有超現實主義意味。他善於捕捉局部及不為人注意的細節，儘管作品多以女性為主角，但似乎很難將其歸類為人像攝影，更多地反而是攝影師思緒和感覺的反映。他說自己不太理會相機如何看事物，最重要是透過它看到自己看東西的方式。對他而言，攝影是一種視覺上的選取及裁切，去除人物的主要表情和動作，再以高反差的形式將剩下的身體視覺轉化為一種符號，營造出更多的想像空間。

人造風景 Edward Burtynsky

December 11, 2018May 1, 2021Posted in 香港Tagged Ansel Adams, Edward Burtynsky, Edward Weston, Manufactured Landscapes, 加拿大, 人造風景Leave a comment

加拿大攝影師Edward Burtynsky以拍攝受工業摧殘但卻美得令人難以忘懷的景色照片而聞名，他與風景攝影師Ansel Adams一樣追求細節，但他所呈現的不是風景的層次，而是工業化遺留下來人造風景的震撼。他認為攝影是一種沉澱的過程，而不是攝影師Henri Bresson所推崇的決定性瞬間，以精采取勝。在他看來，美麗風景的背後應該有所啟發，他的一系列人造風景照片，正是他所提出的人類反思。

成長於加拿大，現年66歲的Edward Burtynsky自小被雪國冰封千里的風光吸引，父親喜歡戶外運動，令他從小有許多接觸大自然的機會。啟發於自然，他常常有這樣的感觸：在滄茫天地間，人類只是渺小過客。11歲時，父親買來一間黑房，耳濡目染下，他學懂了如何沖曬黑白照片，之後在大學修讀視覺藝術及攝影。拍攝過肖像照，也定格過許多美麗風景，照片雖然漂亮，但他卻總覺得畫面裡若有所缺，他不想自己的作品被視為月曆照片或電腦桌面照片，所以一直思考自己的拍攝思路。有次在美國賓州看到荒廢的礦場，偌大的場景空無一人，看起來像超現實場景，他有所領悟，開始尋找類似被人類力量改造的工業風景，從北美洲到亞洲，拍攝令人難以置信的大型工業足跡，至今近四十年。

工業化的代價

Edward Burtynsky的作品常以高角度拍攝，拍攝時通常使用升降機或直升機、定翼飛機，畫面中充滿相同的元素，有時是機械、有時是工人，放眼望去盡是人為的工業風景，畫面看起來雖然很美，但卻令人有種窒息的感覺。他想呈現給觀眾身臨其境的感覺，明白到人類正是這種風景的締造者，是大自然的破壞者，那一望無垠的礦場與荒地，都是人類發展的代價。有次他拍攝一間廢舊輪胎廠，那裡有4,500萬個舊輪胎，這是駕駛汽車的他所無法預料的。

早期的作品受Ansel Adams、Edward Weston等攝影大師影響，為自然景色的壯觀而着迷，現在的他似乎是在為人類的行為向自然表達歉意，他希望觀眾能感受到拍攝的感受，促使社會進行思考。之後他逐漸將目光放眼全世界，頻繁地在世界各地的工業足跡間探險，孟加拉的拆船廠、中國內地的煤礦基地及電子垃圾村等等。他說自己並非在美化或責備工業化，而是希望自己以照片令更多人關注永續發展這一議題。他明白，傷害自然，最終傷害的只是人類自己。

人造風景

Edward Burtynsky在世界各地拍攝工業風景，最令他難忘的肯定是中國，這個迅速發展的人口大國，在城市化的過程中留下了巨大的傷疤，為追求發展、眼前利益付出了沉重代價：三峽大壩工程令百萬人進行大遷徙、電子垃圾村莊的人民每天與致命金屬為伴，成千上萬的高樓大廈取代了老房屋。攝影師多次到中國內地拍攝，以鏡頭拍攝下一系列動人心魄的畫面，整個拍攝過程也被拍攝成紀錄片《人造風景》（Manufactured Landscapes），告訴世人要懂得反省，因為這不是關乎中國人，也關係到全世界的人。

宏觀敘述者 Andreas Gursky

March 21, 2018March 21, 2018Posted in 香港Tagged Andreas Gursky, Ansel Adams, Cindy Sherman, Edward Weston, Hilla and Bernd Becher, Peter Lik, Rhein II, 宏觀Leave a comment

The Rhine II 1999 by Andreas Gursky born 1955 — Rhein II

一張照片的價格可以有多高？10萬還是100萬？2011年，在紐約佳士得拍賣會上，德國攝影師Andreas Gursky所拍攝的《Rhein II》（萊茵河）以433萬美金成交，超越美國著名藝術家Cindy Sherman的攝影作品，成為世上最昂貴的照片（這個紀錄在2015年被澳洲攝影師Peter Lik一幅650萬美金的美國羚羊峽谷作品《Phantom》所打破）。這張作品看上去平平無奇，視覺震撼也沒有Andreas Gursky其他作品般強烈，身價何以能比Edward Weston、Ansel Adams等攝影大師的作品高幾倍呢？這當然有拍賣的因素，但Andreas Gursky獨特而宏觀的視角，自然也令他成為拍賣場上的常客。

師出名門

1955年，Andreas Gursky生於德國東部的萊比錫（Leipzig），父親和祖父都是商業攝影師。在這種家庭氛圍下，高中畢業後服完兵役的他，來到西部城市埃森（Essen）學習攝影，畢業後他前往漢堡，希望成為一名新聞攝影師，卻遭到雜誌社拒絕。於是他轉而去杜塞爾多夫藝術學院（Kunstakademie Dusseldorf）跟隨藝術家夫婦Hilla and Bernd Becher學習攝影，這所學院曾培養出德國行為藝術家Joseph Beuys和畫家Gerhard Richter等名藝術家，而Becher夫婦也是極具影響力的概念攝影藝術先鋒，他們以拍攝及紀錄工業建築而出名。1981年至1987年期間，在他們的指導下，Andreas Gursky不論是攝影技巧還是觀念，都得到了很好的訓練，而且也找到了自己的創作方向，期間他還參加了一次展覽。

宏觀視角

離開學校後，Andreas Gursky的創作也繼承了Becher夫婦焦點清晰、形式嚴謹的攝影風格，他的拍攝畫面裡充滿了細節，角度非常獨特，而且長期堅持拍攝世界各地類似的主題，可見他的視野之開闊，也不難發現他事前對拍攝主題所做的研究，例如他的證券交易所系列作品就包括了新加坡、東京、芝加哥、香港、科威特等地方，儼如Becher夫婦所拍攝的建築類型學作品，既豐富了主題，又帶來互相比較的意味。這一點明顯是受到Becher夫婦的影響，而且Andreas Gursky走得更遠，他的視角更宏觀，更擅長於表現巨型畫面，以俯瞰的角度、鮮明的色彩，帶來更多的細節，每一幅攝影作品本身也非常有張力，也探討了全球化、消費主義等題材。

Andreas Gursky開始以俯瞰的角度拍攝照片，源於有次他在雪山上拍攝了一張照片，當他在工作室放大觀看時，他在白茫茫的雪山中發現了幾個登山者的身影，這讓他意識到人的視角是很不同的，而某程度上這也是一種局限性，所以後來他更喜歡以宏觀的視角去看這個世界，也開始愈來愈依賴後期製作，去實現他想呈現的視角。《Rhein II》這幅作品也是如此，作品所拍攝的地方是Andreas Gursky生活中市場經過的一個場景，照片裡的白色天空原本是一排工業建築，但他認為白色的天空更應該是萊茵河的真實面貌，更純粹地表達出自己的感覺。

名揚天下

1988年，Andreas Gursky離開藝術學院翌年，已在德國科隆已舉辦了人生第一個個展，時至今天他更於巴黎龐畢度中心（Centre Pompidou）、紐約Museum of Contemporary Art等世界最重要的藝術中心舉辦過個展，包括倫敦泰特現代藝術館（Tate Modern）在內的眾多藝術館也收藏了他的作品。這在攝影界，絕對是為數不多的例子。今天的他不只是攝影師，據維基百科介紹，他是視覺藝術家，或許更確切地說，是攝影藝術家。

寧靜致遠 Michael Kenna

March 4, 2018March 17, 2018Posted in 香港Tagged Ansel Adams, BILL BRANDT, 簡潔, EUGENE ATGET, 香港, 詩意, JOSEF SUDEK, MICHAEL KENNA, 宗教, 攝影3 Comments

Lake Bridge, Hongkun, Anhui, China, 2008

Michael Kenna的照片有傳統山水畫的意境，也有一種安靜的力量。喧囂擾攘的香港，正需要這種寧靜的洗滌。

宗教、簡潔、安靜是解讀Michael Kenna的幾個關鍵詞。自少他便渴望成為天主教神父，十歲開始在神學院度過七年時光，那裡有條不紊的生活及日復一日的祈禱、冥想習慣或多或少影響了他看待事物的心態。直到現在，他仍然喜歡參觀教堂、神社和廟宇，在家中燒香、點蠟燭，這種慢節奏、從容的心態，也貫徹在他的攝影創作過程中。

Erhai Lake, Study 1, Dali, Yunnan, China, 2013

他的照片多以慢快門曝光完成，創作一張照片需時數分鐘甚至幾小時，我們或許會想到上網來打發時間，他卻寧願看著天空光線和雲朵的變化、水的流動甚至容許思緒四處遊走，滿足於安靜、觀察與等候。在宗教傾向的影響下，Michael Kenna以一種敬重、欣賞的心態去接近每一處風景，嘗試去捕捉景色不能預知的一面。

他喜歡畫面中那種不可預測性，眼前的星星流水浮雲，所有的移動軌跡都被記錄在菲林裡，他並不急於知道影像的結果。事實上他仍樂於在傳統黑房裡沖洗照片，感受顯影那刻的驚喜。他坦言自己對複製眼前的事物沒有興趣，這也是他選擇以慢快門拍攝的一個原因。長時間的曝光軟柔化了影像，令其變成另一個世界。這與同樣用慢快門拍攝風景的ANSEL ADAMS可謂截然不同，Michael Kenna不追求細節與寬容度，反而注重畫面的平靜和詩意。

Buddha Offering, Lantau Island, Hong Kong. 2006

Last Light, Tai-O, Lantau Island, Hong Kong. 2007

大嶼山與大澳

多年來他一直以這樣的手法來過濾現實，以移動的雲和流動的水為背景，像滅聲器一樣過濾了畫面的喧囂、噪音。有時他會以俳句來形容自己的攝影風格，言簡意賅而又充滿想像力，在他眼中，攝影也是如此，不用記錄下所有事情，反倒是利用霧、雨、雪等元素，作為觀眾想像力的催化劑。

Michael Kenna早期深受EUGENE ATGET、BILL BRANDT和JOSEF SUDEK等攝影大師影響，1980年代來到亞洲拍攝後，被亞洲風景的寧靜所吸引，尤其是日本。有次在北海道，他望著冬天一片茫茫白雪，枯枝高傲地靜立著，怪異的寧靜反而使他更集中在風景上。他發現，正是這種樸實無華的畫面，減少了感官上的分神。在接觸書法和水墨畫後，他漸漸偏向極簡和留白的風格，也更有詩意了。

Bamboo and Tree, Qingkou Village, Yunnan, China, 2013

Michael Kenna在2016年至2011年期間曾多次來港拍攝，四年前柴灣的AO VERTICAL藝術空間曾展出其個人展覽「中國」，展示Michael Kenna在2006年至2014年期間在中國各地拍攝的一系列黑白風景照片，有黃山、桂林的山水風景，也有香港、上海的都市痕跡。在他的鏡頭下，不論雲南還是香港，這些影像都是很安靜的，這與現實中的香港是一個強烈的對比，而Michael Kenna正是繁華世界中的一片綠洲。