香港 – Page 15 – 顯影-PhotogStory

(一)Martin Parr 彩色紀實攝影的實踐

March 10, 2018January 7, 2026Posted in 香港Tagged MAGNUM PHOTOS, Martin Parr

看英國攝影師Martin Parr的作品，色調鮮豔飽滿、鏡頭畫面看似隨意卻又充滿詼諧，同時帶有諷刺味道，令人忍俊不禁。相比起其他Magnum Photos攝影師，他沒有走進戰爭場地或貧窮地方，而是在遊人如織的景區拍攝旅遊景點的人生百態。他或許未能像Robert Capa般拍攝出流芳百世的作品，但他捕捉的每一個畫面，往往帶有獨特看法，同樣也值得觀者去反思。

1952年，Martin Parr生於倫敦東南部的Surrey County，在業餘攝影師爺爺的耳濡目染下，小時候的他希望成為一名紀實攝影師。懷著這樣的夢想，1970年至1973年期間，他進入曼徹斯特都會大學（前稱Manchester Polytechnic）學習攝影，並於畢業後不久正式成為一名職業攝影師。

最初他以黑白攝影為主，早期的作品集《Bad Weather》（1982年）便是以黑白菲林拍攝，後來他受美國新彩色攝影（New Color Photography）運動影響（尤其是William Eggleston），轉而在1984年開始將彩色手法帶入紀實攝影。兩年後，他推出一本彩色攝影集《LAST RESORT》，這些作品與傳統的彩色照片截然不同，色彩濃烈之餘又帶有俗媚的感覺，在當時也被批評為低俗。

GB. England. New Brighton. From ‘The Last Resort’. 1983-85.

然而Martin Parr卻不以為然，他覺得紀實是一種很主觀的東西，攝影師所呈現的畫面與真相有時並不是同一回事。他或許不及通訊社其他攝影師般充滿使命感，踏上戰場揭示戰爭的殘酷與無情，但他認為自己也在拍攝世界的真實面貌，他只是用自己的形式去表達想法，去呈現他主觀的紀實。雖然身為Magnum Photos攝影通訊社攝影師（後來還成為主席），但世人對他這位「異類」攝影師一直不乏爭議，當他仍是Magnum見習生時已有反對聲音，然而在1994年倫敦會議上，他還是以三分之二票數通過，成為通訊社成員。

儘管如此，爭議與批評並未隨之而去，1995年他在位於巴黎國家攝影中心（Centre National de la Photographie）舉辦展覽，當時布列松看完展覽後，更形容他是來自不同的星球。Martin Parr看似隨意詼諧的攝影手法，固然缺乏布列松的那種浪漫主義，但這並不意味著他的作品沒有深度，他只是以獨特的色彩和構圖，去呈現他心目中的紀實手法。

古典油畫風 Paolo Roversi

March 7, 2018January 11, 2022Posted in 香港Tagged Elle, Guy Bourdin, HELMUT NEWTON, Irving Penn, Lawrence Sackmann, Marie Claire, Paolo Roversi, Peter Knapp, Richard Avedon, 攝影, 油畫1 Comment

年逾七旬的意大利攝影師Paolo Roversi，鏡頭下的女性影像猶如一幅幅古典油畫，優雅而夢幻。好多人都說他的作品不像廿一世紀的時尚，反而更似十九世紀的油畫，透過柔美的光線刻畫人物的內在一面。獨樹一幟的風格換來的是各大雜誌與時尚品牌的青睞，已故意大利《VOGUE》總編Franca Sozzani對他褒獎有嘉，時裝設計師Romeo Gigli更形容這位多年的合作夥伴，將女性的美麗詮釋得淋漓盡致。

光線對攝影的重要性毋庸置疑，Paolo Roversi最為人稱道的就是對光線的巧妙捕捉，人物攝影非常流行用Rembrandt Lighting，去突出被攝者的輪廓，不過他卻幾乎不用，反而將閃光燈當成畫筆，在黑布上用光繪畫。在黑暗的攝影棚裡面，藉著長時間的曝光過程，用燈光在拍攝對象的身體及面孔上進行局部打光，有時一至二2秒，有時甚至是二十秒，所以要當他的模特兒，似乎先要練好如石膏一樣紋絲不動。雖然好多時候在攝影棚拍攝，但Paolo Roversi最喜歡的還是自然光，利用窗戶透進來的光線進行曝光，長時間的曝光也令光線變得非常柔和巧妙。

Paolo Roversi從來沒有修讀過攝影，對攝影的興趣源於十七歲時與家人去西班牙旅行的所見所聞，回到意大利後與朋友設立黑房，自學沖印黑白照片。攝影道路上，他幸運地遇上Peter Knapp、Lawrence Sackmann等攝影師，身為《Elle》雜誌藝術總監的Peter邀請他到巴黎發展，而Lawrence則教會他成為專業攝影師的一切，Paolo Roversi也在他身上學懂如何不墨守成規。

最初到巴黎時他曾做過記者，慢慢透過朋友才接觸時尚攝影，他發覺攝影師比記者更有吸引力，毅然由文字工作轉為影像拍攝。當時他已懂得拍攝人像，但對時尚攝影並沒太多認識，求知若渴的他索性研究Richard Avedon、Irving Penn、Helmut Newton與Guy Bourdin等時尚攝影大師的作品，之後與Lawrence Sackmann的相遇，更令他大開眼界。「Your tripod and your camera must be well-fixed but your eyes and mind should be free」，這是Paolo Roversi的最大領悟，難怪一般助手只待在Lawrence Sackmann身邊幾天就逃之夭夭，而他卻留了九個月。

離開Lawrence後他自立門戶，開始為《Elle》、《Marie Claire》等雜誌拍攝時尚照片，1980年是他的轉捩點，為DIOR掌鏡的廣告為他帶來知名度，那年他也開始用8×10大片幅寶麗來拍攝，即影即有的那種模糊的形態及光線，頓時成為他的標誌。八十年代時尚業蓬勃，經常出版時裝目錄，這變相也令攝影師有更多空間在作品中表達創意，當時他也為Comme de Garcons、Yoji Yamatomo等品牌拍攝，慢慢在時尚攝影界站穩腳。多年後回憶起這段經歷，他說當年雖算小有名氣，但也並非沒有失落，他曾見到自己作品被人用來包裹鮮魚，也算是一個無聲的耳光吧，令他記憶猶新。

寧靜致遠 Michael Kenna

March 4, 2018March 17, 2018Posted in 香港Tagged Ansel Adams, BILL BRANDT, 簡潔, EUGENE ATGET, 香港, 詩意, JOSEF SUDEK, MICHAEL KENNA, 宗教, 攝影3 Comments

Lake Bridge, Hongkun, Anhui, China, 2008

Michael Kenna的照片有傳統山水畫的意境，也有一種安靜的力量。喧囂擾攘的香港，正需要這種寧靜的洗滌。

宗教、簡潔、安靜是解讀Michael Kenna的幾個關鍵詞。自少他便渴望成為天主教神父，十歲開始在神學院度過七年時光，那裡有條不紊的生活及日復一日的祈禱、冥想習慣或多或少影響了他看待事物的心態。直到現在，他仍然喜歡參觀教堂、神社和廟宇，在家中燒香、點蠟燭，這種慢節奏、從容的心態，也貫徹在他的攝影創作過程中。

Erhai Lake, Study 1, Dali, Yunnan, China, 2013

他的照片多以慢快門曝光完成，創作一張照片需時數分鐘甚至幾小時，我們或許會想到上網來打發時間，他卻寧願看著天空光線和雲朵的變化、水的流動甚至容許思緒四處遊走，滿足於安靜、觀察與等候。在宗教傾向的影響下，Michael Kenna以一種敬重、欣賞的心態去接近每一處風景，嘗試去捕捉景色不能預知的一面。

他喜歡畫面中那種不可預測性，眼前的星星流水浮雲，所有的移動軌跡都被記錄在菲林裡，他並不急於知道影像的結果。事實上他仍樂於在傳統黑房裡沖洗照片，感受顯影那刻的驚喜。他坦言自己對複製眼前的事物沒有興趣，這也是他選擇以慢快門拍攝的一個原因。長時間的曝光軟柔化了影像，令其變成另一個世界。這與同樣用慢快門拍攝風景的ANSEL ADAMS可謂截然不同，Michael Kenna不追求細節與寬容度，反而注重畫面的平靜和詩意。

Buddha Offering, Lantau Island, Hong Kong. 2006

Last Light, Tai-O, Lantau Island, Hong Kong. 2007

大嶼山與大澳

多年來他一直以這樣的手法來過濾現實，以移動的雲和流動的水為背景，像滅聲器一樣過濾了畫面的喧囂、噪音。有時他會以俳句來形容自己的攝影風格，言簡意賅而又充滿想像力，在他眼中，攝影也是如此，不用記錄下所有事情，反倒是利用霧、雨、雪等元素，作為觀眾想像力的催化劑。

Michael Kenna早期深受EUGENE ATGET、BILL BRANDT和JOSEF SUDEK等攝影大師影響，1980年代來到亞洲拍攝後，被亞洲風景的寧靜所吸引，尤其是日本。有次在北海道，他望著冬天一片茫茫白雪，枯枝高傲地靜立著，怪異的寧靜反而使他更集中在風景上。他發現，正是這種樸實無華的畫面，減少了感官上的分神。在接觸書法和水墨畫後，他漸漸偏向極簡和留白的風格，也更有詩意了。

Bamboo and Tree, Qingkou Village, Yunnan, China, 2013

Michael Kenna在2016年至2011年期間曾多次來港拍攝，四年前柴灣的AO VERTICAL藝術空間曾展出其個人展覽「中國」，展示Michael Kenna在2006年至2014年期間在中國各地拍攝的一系列黑白風景照片，有黃山、桂林的山水風景，也有香港、上海的都市痕跡。在他的鏡頭下，不論雲南還是香港，這些影像都是很安靜的，這與現實中的香港是一個強烈的對比，而Michael Kenna正是繁華世界中的一片綠洲。

糖衣反諷 Miles Aldridge

March 2, 2018May 14, 2018Posted in 香港Tagged Alan Aldridge, Antonioni, 物化, David Lynch, Fellini, Guy Bourdin, Miles Aldridge, 女性, 攝影, 攝影師1 Comment

英國攝影師Miles Aldridge的作品，色彩幻夢卻不浪漫，鏡頭下盡是迷人女性，營造出一種冷豔孤獨的距離感。畫面中帶有豐富的性符號，給人一種很強烈的視覺衝擊，甚至勾起觀者的慾望。在他看來，物質追求正如美好的糖果，表面上令人嚮往，但糖衣背後卻是一種諷刺，道出當代社會熱衷追求奢華的現象。

記得梅艷芳有首歌叫《烈焰紅唇》，歌詞恰好描述了Miles Aldridge的作品：鏡內人紅唇烈焰/剩下乾涸美麗。看攝影師的作品，不乏紅唇烈焰的女模特兒，畫面中的人物大多沒有表情，有時模特兒的妝容甚至有點膠面，看起來不太真實，而且行為動作相當詭異，例如在煤氣爐燃點香煙、用刀插入生日蛋糕、取文件時身體呈90度……攝影師似乎將模特兒物化，她們的眼神沒有柔情，只是硬邦邦地凝視某一處，華麗的外衣與茫然的神情，不就是人類追求物質的迷茫嗎？

相比起攝影師，Miles Aldridge受電影的影響更大，David Lynch，Fellini、Antonioni等著名導演都是他的最愛，作品也如夢境一般，往往充滿電影感。世人的評價是他模糊了藝術與商業攝影的界線，因他的照片遠遠不是展示新的時裝照片，透過鮮艷大膽的用色去捕捉女性的美麗，他從不否認自己充滿慾望地拍攝女人，他想用自己的作品反照世界的不安。拍攝前他會不顧時間長度，讓化妝師髮型師將模特兒變得完美，所有場景都經過精心設置，然而在拍攝過程中則盡可能快速拍攝，以便模特兒能保持熱情。

Miles Aldridge的作品帶有些許超現實主義，也常常被人與另一攝影師Guy Bourdin相提並論，遭遇也竟然很類似，二人母親均被父親拋棄，這殘酷真相也似乎一直縈繞攝影師的腦海中揮之不去。Miles Aldridge照片中的模特兒只有芭比娃娃的華麗，沒有絲毫微笑表情，背後是他的社會的諷刺，也是對自身成長的無形控訴。爸爸在他很小的時候就有了情婦，12歲時最後更離開家人，全靠單親媽媽獨力養大幾個孩子。攝影師印象中的媽媽，是個不停煮飯做家務照顧孩子、沒有表情的母親。他將攝影的場景設置在廚房超市或遊樂場，其實正是來自媽媽的影響。

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爸爸Alan Aldridge雖是負心漢，但身為插畫師的他也對兒子的美學觀念也很重要。Alan曾經為The Beatles及Elton John等傳奇音樂人製造唱片封套，兒時的Miles跟隨父親腳步，在聖馬丁學習插畫。後來偶然機會下，英國《Vogue》雜誌刊登了他拍攝模特兒女友的照片，才令他萌生成為時尚攝影師的念頭。現在的他為《Numero》、《GQ》、《Harper’s Bazzar》等雜誌拍攝，與意大利版《Vogue》更合作無間，作品更被倫敦V&A博物館及紐約國際攝影中心（International Center of Photography）等重要美術館永久收藏。

視覺系講古佬 Steve McCurry

February 23, 2018April 23, 2020Posted in 香港Tagged Afghan Girl, 阿富汗, 阿富汗少女, national geographic, Steve McCurry, 國家地理雜誌1 Comment

走過烽火大地、硝煙戰場，拍攝過無數震懾人心的畫面，許多人都把Steve McCurry歸類為紀實攝影師。喜歡人文攝影的他，三十多年前以一幅《阿富汗少女》（Afghan Girl）為世人所認識，不過近年卻履被踢爆作品過度PS，有失紀實攝影之稱。現年70歲的他表示，自己早不是攝影記者，而是一個Visual Storyteller，一名視覺系講古佬。

1979年12月，前蘇聯出兵入侵阿富汗，導致當地人顛沛流離，許多家庭越過邊界逃往巴基斯坦，在邊界地帶搭起了難民營。修讀戲劇的Steve McCurry，畢業後曾在報館做過兩年攝影記者，1978年正式展開自由攝影生涯，不久就來到了戰事爆發前的阿富汗，憑著過人的勇氣拍攝了許多珍貴照片。戰事爆發之後，他的照片受到國際媒體爭相採用，1980年更獲得象徵冒險精神的Robert Capa Gold Medal。

當然，要數他最出名的照片，必然要提及1984年拍攝的《阿富汗少女》，當時Steve在巴基斯坦邊境城市Peshawar的難民營，發現了這位少女，傳神地捕捉了她的形象。少女披著紅色圍巾，海綠色的眼睛直視鏡頭，眼神非常銳利。照片翌年刊登在《國家地理雜誌》，隨即成為阿富汗難民及戰爭局勢的象徵，觸動全球讀者，也成為上世紀其中一幅標誌性作品。

十多年來，少女的身份一直是個謎，她本人從未見過照片，更不知道照片引起了全球關注。McCurry在1990年代曾數次嘗試尋找女孩，可惜均徒勞無功，直至2001年美國瓦解塔利班政權後，《國家地理雜誌》團隊2002年前往當年的難民營尋找照片的女主角。他們向當地難民展示當年的照片，許多當地婦女均誤認自己就是當年的阿富汗少女，最後要出動虹膜識別技術才肯定女孩的真身。

她在1990年代已回到阿富汗，McCurry通過當地人輾轉才找到她，得知她的名字叫Sharbat Gula，是阿富汗Pashtun族人，這時她已經30歲，是三位孩子的媽媽。McCurry再次為她拍照，她手捧著當年雜誌，姿勢相若，樣貌雖有所變化，不過海綠色的眼睛依然動人，難怪McCurry再見到她時，一眼就辨認出是當年的少女。

Steve McCurry踏足過許多戰場及第三世界國家地區，兩伊戰爭、波灣戰爭、南斯拉夫、柬埔寨、菲律賓、葉門、印度、西藏……刻畫了生活在戰火及貧窮下的人們。1986年，他成為Magnum Photos正式會員，三十多年來在世界各地拍攝不同民族、不同信仰的人的生活。全球化發展下，越來越多城市的景色變得一致，而Steve McCurry的照片，正展現出人類文化的多樣性。

許多人好奇為何他照片的主角總能自然直視鏡頭，其實Steve McCurry每次拍攝都會花上長時間來熟悉環境，慢慢觀察等待，讓拍攝對象忘記自己的相機。他喜歡將被攝者安排屋簷或矮牆下，以稍微俯視的視角去拍攝對象，讓天空成為最自然的光源，造就迷人的眼神光。Steve McCurry的照片往往帶著濃烈的色彩，風格強烈，令人印象深刻。不過他說色彩只是表現故事的一個媒介，最重要的是講一個有意義的故事，名副其實視覺系講古佬。

圖片來源：https://www.stevemccurry.com/galleries

Eric Lafforgue 被封殺的北韓照片

February 9, 2018July 9, 2020Posted in 香港Tagged Eric Lafforgue, 軍人, 北韓, 平壤, 法國2 Comments

眾所週知，去北韓旅遊影相有諸多禁忌，例如不能拍攝軍人、不能拍攝貧困破舊的環境、要從正面拍攝完整的元首雕像⋯⋯當地政府對於甚麼被遊客看見，控制得很嚴謹。法國攝影師Eric Lafforgue也曾體驗過這種演戲式的招待，這卻令他更想解開北韓神秘面紗，真正了解當地人生活。

Eric自小已嚮往旅行，多年來踏足過阿富汗、肯亞、黎巴嫩、也門、盧旺達、敘利亞等超過五十個國家及地區拍攝，作品常見於《Lonely Planet》及《國家地理》雜誌等。他的作品既唯美又很寫實，所以當他2008年首次踏足北韓後，被「提醒」這個、「禁止」那個不能拍攝，你能想像他是什麼感受。

不過他沒有屈服，更視禁忌如無物。2008年至2012年期間，他曾六次進入北韓拍攝，每次都將北韓要求刪除的相片儲存在記憶卡裡蒙混過關，之後將近2,800張相片分享至Flickr。北韓政府發現這批照片後曾要求他刪除，不過Eric一於少理，他亦因而被禁止進入北韓。

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究竟是甚麼相片令北韓當局這麼緊張呢？看過Eric的照片便明白。他不僅將鏡頭對準軍人，還拍攝他們抽煙、在草地上睡覺、在農地及工廠工作、甚至一起推動死火巴士的照片，這些真實揭示當地人貧苦生活的畫面，正正是北韓政府最不想外界看到的。

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Eric說在平壤並不能見到真正的狀況，雖然在首都也能窺見貧窮的跡象，但一旦當走出平壤，便是截然不同的世界。他的許多照片都是在前往其他城市的巴士上拍攝的，而面對軍人時也是毫不猶豫地按下快門，有時還被對方發現了⋯⋯他還有一個法寶，就是贈送寶麗來相片給當地人，透過這種破冰式的互動，有時甚至能與當地人對話，這也令他能以不同的方式去感受北韓。

動感攝影 Jacques Henri Lartigue

January 20, 2018March 18, 2018Posted in 香港Tagged Henri Cartier-Bresson, Jacques Henri Lartigue, John Szarkowski, Museum of Modern Art, Richard Avedon, 動感, 攝影3 Comments

看法國攝影師Jacques Henri Lartigue的照片，幾乎每張有人或者物件飛在半空中，充滿動感，很自然令人想起另一法國攝影大師Henri Cartier-Bresson在1950年代提出的「決定性瞬間」理論。在這個理論影響後世之前，Lartigue早已純熟地運用了幾十年。大概很少攝影師像他這樣，7歲已經開始拍攝，但到69歲時作品才為世人所認識，迅速奠定在攝影界的地位。

Lartigue爸爸是金融大亨，看他早期拍攝的照片，大概與當下的富二代一樣，不是車、飛機、就是女人。生於1894年，七歲的他已自學成才拿起相機咔嚓咔嚓，以玩票性質拍攝家人與朋友跑跑跳跳放風箏的動感畫面。長大後的他成為了一名畫家，反而攝影一直的業餘，但也許正是如此，他的照片看起來十分輕鬆好玩，也記錄下20世紀初上流社會的生活場景：野餐、游水、飛機、賽車、體育比賽以及巴黎的時尚女性等。他如此描寫自己的攝影：“I have never taken a picture for any other reason than that at that moment it made me happy to do so.”

玩足近80年攝影，Lartigue的一生拍攝超過10萬張照片，不過絕大多數都被他自己收藏了起來，只是偶爾刊登在報紙雜誌上。儘管他的朋友圈中有畫家畢加索等，但在攝影界其實也只是默默無聞。如果不是經朋友將他介紹給Museum of Modern Art（MoMA）攝影部總監John Szarkowski，他或許會像成為另一個Vivian Maier，一個死後作品才被公開的女保姆。雖然當時Lartigue已69歲，但姍姍來遲也好過就此埋沒，MoMA很快為他舉辦個展，獨特風格旋即引起很大迴響，1963年《Life》雜誌也刊登過許多他的攝影作品。

年近七十才舉辦首個展覽，或許有人覺得他是大器晚成，事實上他很快與另一攝影大師Richard Avedon合作，推出攝影集《Diary of a Century》。之後在70年代更曾為法國總統Valery拍攝官方照片及在羅浮宮舉辦個人回顧展，忽然間Lartigue成為了法國炙手可熱的名字，許多雜誌紛紛向他招徠。1979年，在他逝世前7年，他將自己畢生拍攝的菲林及相機收藏捐贈給法國政府，是法國首位生前就將作品捐給國家的攝影師。

不僅生活離地，Lartigue拍攝的照片名副其實的離地，賽車在賽道上馳騁、飛機正在滑翔起飛、網球運動員飛身救球、正跳進游泳池的泳手、暴風雨前夕巨浪拍岸激起浪花⋯⋯那時Bresson甚至仍未成名，他已經是個善於捕捉精彩瞬間的高手。曾經是網球好手的Lartigue說，畫畫寫作攝影都是留住不停流逝的東西，但攝影是一門關於短暫瞬間的藝術，甚至能捕捉我沒有發現的東西。

黑白人像攝影大師 Yousuf Karsh

January 18, 2018July 13, 2022Posted in 香港Tagged 邱吉爾, WINSTON CHURCHILL, Yousuf Karsh, 攝影師, 人像1 Comment

談及二十世紀的人像攝影師，來自加拿大的Yousuf Karsh (1908-2002) 是不得不提的名字。他為上世紀眾多名人留下一幅幅真情流露的珍貴照片，孜孜不倦於攝影工作的他，憑藉獨樹一幟的風格將人像攝影提升到另一層次。時至今日，他的作品仍經得起考驗，依然是世人心中的人像攝影大師。

崎嶇的成長經歷

1908年，Yousuf Karsh生於當時奧斯曼帝國 (今屬土耳其) 的一個亞美尼亞家庭，自小他在飢荒和帝國政府對亞美尼亞種族屠殺的陰影下成長。為逃離迫害，十四歲時舉家前往敘利亞，兩年後父母將他送去加拿大，跟隨叔父在魁北克生活。叔父是他的攝影啓蒙老師，當時他一邊上學，一邊在其攝影工作室幫忙。十七歲生日時，叔父贈送他一部相機，而他對攝影的興趣亦日益濃厚。

在發現KARSH在攝影方面的天賦與潛能後，叔父在1928年將他送到波士頓跟隨人像攝影師John Garo學習。這位對Karsh有深遠影響的攝影師，不但將各種拍攝技巧悉數相傳，還特別培養他的悟性，教導他要在作品中融入個人見解。四年後他回到加拿大，在渥太華開創攝影工作室。在為當時加拿大總督貝斯伯勒伯爵(The Earl of Bessborough)拍攝照片後開始出名，並獲加拿大首相Mackenzie King賞識，成為加拿大官方攝影師，開始為名人政要拍攝照片。

一舉成名

KARSH的人像攝影隨即得到認可，在他大半個世紀的攝影生涯裡，愛因斯坦、海明威、畢加索、甘地、甘迺迪等都曾是他鏡頭下的主角，不過他最為人所熟悉的作品，無疑是1941年為英國首相邱吉爾拍攝的肖像照片，這也是他奠定日後在攝影界重要地位的關鍵之作。當時總理加拿大安排他在邱吉爾的演講後為他拍照，由於事先沒有通知，這位英國首相雖然有意見，但還是同意騰出時間拍攝。

最初拍攝時，邱吉爾嘴中含著雪茄，放鬆地站在座椅旁邊，不過這個形象只呈現出首相溫和的性格，未能達到攝影師預期的態度堅決的效果。他靈機一動，上前將邱吉爾嘴中的雪茄拿走，首相霎時瞪大眼睛，露出被激怒的神情，他立即按下快門，捕捉這一瞬即逝的畫面，還巧妙地將照片命名為《The Roaring Lion》，畫面中怒目而視的邱吉爾，也象徵著對抗法西斯的堅定決心。

這幅照片旋即被各大報紙刊登，鼓舞世界各地反法西斯戰爭的鬥志，日後更廣泛地出現在不同的刊物和紀念郵票上，令KARSH揚名世界之餘，也改變他的命運。不過，據悉他個人最喜愛的那一張，卻是邱吉爾放下戒心輕鬆微笑的那張。

MARTIN LUTHER KING,1962

1962年八月，當時馬丁路德金剛剛出獄，回到佐治亞州首府亞特蘭大，Yousuf Karsh在他小時候受洗的教堂Ebenezer Baptist Church拍攝這張照片。據攝影師回憶，當時只有很少時間去拍攝，期間有許多人過來向他表示祝賀及關心，這令他在拍攝過程中不能放鬆。最後Yousuf Karsh在教堂的一個角落拍攝，用一貫簡潔的背景加上前側光（Rembrandt Lighting），將焦點放在馬丁路德金的表情動作上。我不知道當時Yousuf Karsh跟馬丁路德金說過甚麼，不過從他略略微笑的表情中，可以推測他並未受之前的入獄事件所影響，稍微仰望的頭部，也象徵他對黑人權益運動之路的信心。

NELSON MANDELA,1990
在另一幅照片中，曼德拉在1990年2月從監獄釋放後，隨即馬不停蹄在世界各地會見政要人物（如戴卓爾夫人、老布殊總統、卡斯特羅），6月份時來到加拿大，時任總理Brian Mulroney親自到渥太華機場接機，然後陪他到Chateau Laurier酒店。當時82歲的Yousuf Karsh正在酒店大堂等候，介紹過後不久便開始拍攝，據攝影師憶述，72歲的曼德拉非常友好，不過狀態十分疲累，這自然不利於拍攝。面對脾氣暴躁的邱吉爾，他絲毫沒有退怯，面對曼德拉，他同樣有辦法，以一個笑話打開話題，令頓時曼德拉笑逐顏開，拍攝過程亦變得順利，這從照片裏也可見一斑。

人像攝影大師

KARSH被譽為人像攝影大師，並非依靠他鏡頭下的名人效應，而是因為他善於以出神入化的燈光效果，捕捉被攝者的自然神態。受荷蘭畫家倫勃朗等肖像畫家影響，他經常利用明暗的光影處理呈現出人物性格，頗具衝擊力。他說最具挑戰性的事情，是透過相機呈現出拍攝對象真正偉大的一面，因此每次拍攝前，他總會閱讀很多關於拍攝人物的資料，避免先入為主。拍攝時，他也時常透過對話，令他們盡可能放鬆。

在1967年的作品集《Karsh Portfolio》中，他說每個人心中都隱藏著秘密，雖然他們極力掩飾，但總會不自覺地在眼神或短暫的神態中流露出來。能否捕捉到這個瞬間，就是攝影師成敗的關鍵。所以也許只有他，才能將捕捉邱吉爾憤怒的一面。

許多攝影師都試過在畢加索法國南部的別墅拍攝他，這裏也被喻為是攝影師的惡夢，因為他的兒子總是在不同的房間踩單車，家中又處處是畫布。攝影師Yousuf Karsh在1954年拍攝他時，畢加索曾建議到他的陶瓷畫廊拍攝，當攝影師到達他家中時，他不但記得這個拍攝的約定，還很快地穿上一件新恤衫，非常配合地試過好幾個姿勢，這張托腮的照片後來也成為Yousuf Karsh攝影集的封面，可見攝影師本人也十分喜歡。攝影師2002年離世，翌年有出版社推出其作品傳記《KARSH：A BIOGRAPHY IN IMAGES》。

·圖片來源：https://karsh.org/

用時尚批判社會 Steven Meisel

January 8, 2018January 27, 2021Posted in 香港Tagged Anna Wintour, Bert Stern, Black Beauty, 顯影, Franca Sozzani, Harper's Bazaar, Irving Penn, Like a Virgin, Make Love Not War, Makeover Madness, Phoebe Cates, Seventeen, State of Emergency, Steven Meisel, VOGUE, 攝影, 時尚1 Comment

時尚攝影總是風花雪月高高在上？對美國攝影師Steven Meisel來講，還是一種宣言。他鏡頭下的模特兒從不缺乏華麗服飾，可他的影像裡還多了一份對社會事件的回應。他說Obviously I feel that fashion is totally racist，不平則要鳴，他以一輯輯照片挑戰社會的既有價值觀，黑人女性、恐怖主義、女性整容⋯⋯他鏡頭下的時尚攝影沒有堅離地的距離感，而是用講故事的攝影手法去描述一個現象或文化，含蓄卻有力量，讓人過目難忘。

現年63歲的Steven Meisel向來低調，留有一頭黑色長髮樣貌標誌的他，甚少出席公開活動，也很少接受傳媒訪問及拍攝。只知他自小已對時尚相當着迷，當其他男孩子吵着要玩具或相機時，他卻鍾意拿着《Vogue》及《Harper’s Bazaar》等時尚雜誌畫素描，12歲時還讓女性朋友假扮攝影大師Richard Avedon的秘書，向模特兒公司要照片。為了見到當時走紅的模特兒Twiggy，甚至在時尚攝影師在Melvin Sokolsky的工作室外守候。

Steven Meisel最初並非攝影師，而是一名插畫師，同時兼職在設計學院教插畫。儘管當時他很仰慕Irving Penn、Bert Stern等攝影師，卻從未幻想踏足時尚攝影這行業。1970年代，時尚雜誌還流行用插畫做封面，他輾轉到《Women’s Wear Daily》做插畫師，平時也利用閒暇時間拍攝模特兒的試鏡照片，後來成為著名女演員的Phoebe Cates正是其一，當年她帶着Steven Meisel拍攝的照片去《Seventeen》雜誌試鏡，卻想不到造就了攝影師與雜誌社的合作。

成名於1980年代，1984年麥當娜第二張專輯《Like a Virgin》的封面照片，正是出自Steven Meisel之手，之後長久地為美國及意大利版的《Vogue》攝影，與美國版主編Anna Wintour、意大利版主編Franca Sozzani這兩位時尚女魔頭合作無間，多年來拍攝過無數封面。在時尚圈打滾多年，見盡行業內的光怪陸離，他用自己最擅長的東西去針砭時弊。2005年的《Makeover Madness》及2008年的《Black Beauty》（又稱Black Issue），諷刺的是時尚行業多年來對美的固有看法，前者以一系列整容的時尚照片，呈現出時尚圈所認為的美其實並非自然的，而且往往會造成傷害；後者正正控訴時尚圈長久以來都是白人模特兒壟斷的局面，他找來四位黑人模特兒拍攝封面及收錄百多張照片，以影像做出最有力的控訴，這一期也是據悉也是最暢銷的一期。

不但如此，面對社會的荒謬，Steven Meisel同樣以影像作無聲控訴。2006年九月號的《Vogue》，諷刺美國在恐怖主義的陰霾下，進入草木皆兵的狀態，其中作為弱勢的女性，更是受到不合理的檢視。他鏡頭下《State of Emergency》系列作品，模特兒被全副武裝的警察拖走搜身甚至毆打，這系列照片當時也引起好大迴響。2007年的《Make Love Not War》系列，則是通過美好的生活畫面與戰爭形成強烈對比，藉此呼籲停止伊拉克戰爭。